Birgit Bellmann
Barbara Hindahl
Carlos Silva
Andreas Wolf

Eröffnung: 15. März, 19 Uhr

Ausstellungsdauer: 17. März–14. April 2024
Öffnungszeiten: 
Sonntag: 14:30 –17:30 Uhr | Montag: 17:30–21:30 Uhr
und nach vorheriger Vereinbarung per E-Mail

Die Ausstellung bei Wolf & Galentz ist die erste in der neuen Reihe konkret abstrakt, die sich Strömungen des zeitgenössischen, nicht gegenständlichen Bildes widmet. Prozesshafte Bildentwicklung trifft auf konzeptuelle Herangehensweisen, Op-Art auf abgezeichnete Krakeleien, genau Geplantes auf monate-lange Intuition in Zeitlupe.

Neben Werken der vier Künstler:innen werden im 
Kabinett der Galerie auch Arbeiten des verstorbenen 
Op-Art-Künstlers Jürgen Peters zu sehen sein.

Abbildung: Birgit Bellmann green groups_d, Sprühlack auf Aluminium, 85 x 85 cm, 2023 (Detail)

Oona Hylands Active Forgetting ist die erste von zwei Ausstellungen mit irischer zeitgenössischer Kunst bei Wolf & Galentz.
Thematisch zentral in Oona Hylands Arbeit ist das Vergessene und Verdrängte, das, was totgeschwiegen wird, Menschen, die mundtot gemacht worden sind. Ihr besonderes Interesse gilt der Erkundung von künstlerischen Mitteln, die die Prozesshaftigkeit des Vergessens und auch des Erinnerns nicht nur darstellen, sondern erlebbar machen.

Ausgehend von ihren bevorzugten künstlerischen Mitteln – Druckgrafik, Mokuhanga (japanischer Holzschnitt,Druck), Cyanotypie – erschafft die Künstlerin installative, kinetische Werke mit Zeichnung, Skulptur und Video, mit denen sie versucht, durch Bewegung und Erzählung Traumatisierungen darstellbar und erfahrbar zu machen. Statik und Stille – das Verstummen – kontrastiert sie mit dem Miteinander-Reden, das in der Zeit stattfindet und zwischen Menschen.

Die titelgebende Arbeit Active Forgetting beleuchtet den institutionellen Missbrauch in irischen Mutter- und Säuglingsheimen und den zugehörigen sogenannten Magdalene Laundries (Wäschereien), in denen unverheiratete schwangere Frauen interniert wurden und Zwangsarbeit leisten mussten (vom späten 19. Jahrhundert bis in die 1990er-Jahre). Viele der Frauen und ihrer Kinder sind in den Heimen gestorben, oft an Unterernährung. Erst seit den 2010er-Jahren wird dies in Irland öffentlich thematisiert. Oona Hylands eigene Mutter hat ihren ältesten Bruder in einem solchen Heim, dem Bon Secours Mother and Baby Home in Tuam, Irland, zur Welt gebracht, worüber in ihrer Familie lange Zeit nicht geredet wurde.

Vita:

Oona Hyland studierte Kinematografie am Ballyfermot College of Further Education (BCFE) Dublin, Irische Kunstgeschichte am Trinity College Dublin (TCD, Master 2017) sowie Art Research and Collaboration (Kunstforschung und Zusammenarbeit) am Institute of Art Design + Technology Dublin (IADT, Master 2022). Sie hat in den letzten Jahren an zahlreichen Residencies teilgenommen, darunter Fundació Joan Miró, Agalab Amsterdam, BKN Schweden und Edition Basel. Sie stand 2021 auf der Shortlist für den On Paper Print Award in Barcelona. 2022 erhielt sie den Emerging Artist Award des DLR in Dublin. 2021 wurde sie in die Royal Society of Painters/Printmakers in London aufgenommen. Sie ist Mitglied bei Graphic Studio Dublin und 9 Dragonheads. Oona Hyland lebt und arbeitet in Dublin.

Das Ausstellungsprojekt wird unterstützt von

Bilder der Berliner Achtzigerjahre

Ausstellungsdauer: 28.01.–03.03.2024

Öffnungszeiten: So.: 14:30–17:30 Uhr, Mo.: 17:30–21:30 Uhr

In Berlin geboren und aufgewachsen blieb Klaus Jurgeit (1937–2017) der Stadt Zeit seines Lebens eng verbunden und malte seine Stadt in mehreren fantastischen Werkserien – darunter die Berliner Hinterhöfe, die Berliner Zimmer und die Punks.

In den frühen 1980er-Jahren begann Jurgeit, Berliner Interieurs in Aquarell auf Papier zu malen, Zimmer, oft in besetzten Häusern, manchmal sind ihre Bewohner:innen mit abgebildet. Die Bilder sind kompositorisch überzeugend, und mit einer erstaunlichen Aufmerksamkeit für Details 
hat er fein und präzise die gesamte Inneneinrichtung gemalt. Einige der 
Arbeiten sind regelrechte Wimmelbilder, und beim Betrachten sind immer wieder neue Entdeckungen zu machen.

In der gleichen Zeit – bis in die Neunzigerjahre – malte Jurgeit auch 
Hinterhöfe in Berlin. Es sind teils desolate Orte, die durch die liebevolle Darstellung plötzlich zu abbildens- und betrachtenswerten Sujets werden. Die Werke beider Serien sind eigenständige Kunstwerke und gleichzeitig Zeitdokumente – Bilder einer vergangenen Zeit.
Eine dritte Serie umfasst Porträts von Punks, die Jurgeit auf den Straßen Berlins traf und sie bat, sich von ihm malen zu lassen.

Zeitgenössische Kunst aus Finnland (1)

28.09.–30.10.2023

Eröffnung: Do 28. 09. 2023, 19 Uhr

Künstler:innen:

Mika Karhu, Niina Räty, Kari Vehosalo

Die erste Ausstellung  der neuen Reihe mit finnischer zeitgenössischer Kunst bei Wolf & Galentz legt einen thematischen Schwerpunkt auf Mechanismen der Subjektkonstitution in der Moderne, Herrschaftsverhältnisse und tatsächlichen oder imaginierten freien Willen. Ein besonderer Fokus liegt hierbei auf Michel Foucaults Sexualität und Wahrheit.

Artwork (Detail) | Mika Karhu: Fragile of the Senses, 2023, Kohle auf Papier, 40×30 cm

Mika Karhu, geboren 1969 in Joensuu, Karelia, Finland, studierte bildende Kunst und Grafik an der Hochschule für Kunst und Design in Nordkarelien, am Institut für Druckgrafik der Lahti Universität, an der Universität für Kunst und Design Helsinki und promovierte in bildender Kunst an der Aalto Universität in Helsinki, an der er heute Kunst unterrichtet.
Er hat seine Kunst in vielen Einzel- und Gruppenausstellungen in Finnland und international ausgestellt und seine Werke sind in etlichen öffentlichen Sammlungen vertreten. Er lebt und arbeitet in Hyvinkää und Helsinki.

Mika Karhu beschäftigt sich in seiner Kunst mit menschlichen Emotionen – psychischen Aspekten des Menschseins – im Zusammenhang mit Gesellschaftsstrukturen, Macht- und Herrschaftsverhältnissen, basierend auf langjährigen Studien von Psychologie, Neurologie, Philosophie und politischer Theorie. Ein besonderer Schwerpunkt liegt dabei auf Trauma, Angst und Verletzlichkeit. In seinen düsteren Tuschebilder in Grautönen, Schwarz und Weiß repräsentiert das Dunkle die Schattenseiten, Gewalt, Depression, Terror und das, worüber wir nicht sprechen (können); das Helle die Erkenntnis, Hoffnung.

Kari Vehosalo (geboren 1982 in Finnland) hat an der Hochschule für angewandte Wissenschaften Lahti, Institut für bildende Künste, und an der Aalto-Universität, Universität für Kunst und Design studiert. Vehosalo ist in vielen wichtigen Sammlungen vertreten, darunter KIASMA – Museum für zeitgenössische Kunst, Sara Hildén Art Museum, Helsinki Art Museum, Lahti Art Museum. Er lebt und arbeitet in Helsinki.

Kari Vehosalos Kunst gibt der gemeinsamen abstrakten sozialen Realität eine Form. Soziale Normen, Pflege, Arbeit, Tod, Freude und Schmerz sind in seiner Kunst präsent, aber losgelöst von vertrauten Bedeutungen. Vehosalos Bildsprache spielt mit dem Realitätssinn, indem sie Dinge und Welten darstellt, die wahr, aber nicht real sind. Durch Verfremdung ermöglicht Vehosalos künstlerische Praxis die ständige Neubewertung der ontologischen Landkarte, die wir der Welt entgegenhalten.
In seiner Kunst hat sich Vehosalo eingehend mit Fragen der Macht auseinandergesetzt. Seine Werke erforschen die Psychopathologie des Alltags und Strukturen der Realität.

Niina Räty, 1973 in Lahti geboren, lebt und arbeitet in Helsinki.
Sie studierte an der Liminka Kunstschule, an der Akureyri Schule für bildende Kunst, dem Lahti Institut für bildende Kunst und sie erhielt ihren Master of Fine Arts an der Academy of Fine Arts in Helsinki. Sie hat ihre Arbeiten in vielen Ausstellungen in Finnland, Deutschland, den USA, Großbritannien, Schweden und Belgien gezeigt und hat etliche Stipendien von verschiedenen finnischen Institutionen erhalten.

Fische (Statement zur Ausstellung Under the Gaze)

In den letzten Jahren habe ich viele Fische gemalt und auch ein paar gefangen.

Meine Arbeit ist von traditionellem Stillleben, Akten und Porträts beeinflusst, konzentriert sich aber auf die Form und die Eigenschaften des eigentlichen Sujets. Mit diesen Gemälden möchte ich die körperlichen Ähnlichkeiten zwischen Fischen und ruhenden Menschen deutlich machen. Am Ende sind beide bloß fleischgefüllte Schläuche, wortlose Klumpen der Stille in einer klammen Haut.

Künstlerinnen und Künstler

Catherine Bourdon

Edwin Dickman

Eberhard Franke

Klaus Jurgeit

Susanne Ring

Ina Sangenstedt

Malerei, Druckgrafik, Skulptur

So.: 14:30 –17:30 Uhr und Mo: 17:30–21:30 Uhr
und nach vorheriger Vereinbarung per E-Mail

Artwork:Catherine Bourdon

Danksagungen in Büchern beginnen heute sehr oft mit Sätzen wie: „An der Entstehung dieses Buches waren sehr viele Menschen beteiligt.“ – ein Zeichen dafür, dass der öffentliche Diskurs sich langsam von dem modernen Mythos des autark schöpfenden Genies im Kämmerlein verabschiedet. Menschen sind soziale und politische Wesen; alle Technik, Kunst, alles Wissen baut stets auf dem vergangener Zeiten auf und erweitert, verändert sich in Gemeinwesen. Wir sind alle in unserem Leben eingebettet in Netzwerke, viele Beziehungen zu vielen Menschen. Die Paarbeziehung ist dabei eine der engsten, innigsten; in vielen Paaren ist der/die Partner:in die Person, mit der wir am meisten Zeit verbringen. Vielleicht ist die Innigkeit der Paarbeziehung ebenso ein Mythos wie das einsame Genie, jedenfalls ein Klischee; auch im Hinblick auf innige zwischenmenschliche Beziehungen vollzieht sich derzeit ein Wandel hin zu offeneren, vielfältigeren Formen des Zusammenlebens. Dennoch gibt es weiterhin Paare, und in Hinblick auf die Kreation von Kunstwerken, die Kreativität lohnt sich vielleicht ein Blick auf mögliche gegenseitige Beeinflussung, gegenseitige Inspiration in Paarbeziehungen.

Eingeladen wurden der Galerie nahestehende Kolleg:innen, deren Arbeiten wir schätzen und von denen wir denken, dass sich ein Zwiegespräch unter vier oder acht Augen lohnt.

Künstlerinnen und Künstler:

Maija Helasvuo beschäftigt sich in ihrer Arbeit mit der skulpturalen Formulierung von Vagem, Flüchtigem, Hilflosem und anderen schwer fassbaren Phänomenen, oft in einer Kontrastierung zur Wuchtigkeit des Materials oder einer Rauheit in der Bearbeitung. Die Künstlerin arbeitet mit visuellen Metaphern, die sich auf Kunstgeschichte und soziales Miteinander gleichzeitig beziehen können. Zusammen mit Mika Karhu und anderen finnischen Künstlerinnen und Künstlern betreibt sie seit 2012 den Finnisch-Deutschen Kunstraum Toolbox, ein Projekt, das den künstlerischen Austausch zwischen Finnland und Deutschland fördert.
Maija Helasvuo, geboren 1968 in Karelien, studierte Kunst an der Hyvinkää Art School, am Lahti Institute of Fine Art und an der Turku Fine Art Academy.

Mika Karhu beschäftigt sich in seiner Kunst mit menschlichen Emotionen – mit der Psyche – im Zusammenhang mit Gesellschaftsstrukturen, Macht- und Herrschaftsverhältnissen, basierend auf langjährigen Studien von Psychologie, Neurologie, Philosophie und politischer Theorie. Ein besonderer Schwerpunkt liegt dabei auf Trauma, Angst und Verletzlichkeit. In seinen düsteren Tuschebildern in Grautönen, Schwarz und Weiß repräsentiert das Dunkle die Schattenseiten, Gewalt, Depression, Terror und das, worüber wir nicht sprechen (können); das Helle die Erkenntnis, Hoffnung.
Mika Karhu, geboren 1969 in Joensuu, Karelia, Finland, studierte bildende Kunst und Grafik an der Hochschule für Kunst und Design in Nordkarelien, am Institut für Druckgrafik der Lahti Universität, an der Universität für Kunst und Design Helsinki und promovierte in bildender Kunst an der Aalto Universität in Helsinki, an der er heute Kunst unterrichtet.

Henrik Jacob überknetet Fotos mit schwarz-weißer Modelliermasse und lässt die Motive auf diese Weise in den Raum wachsen. Die Größe seines Daumenabdrucks bestimmt dabei die Pixelgröße, was den Bildern eine beunruhigende Unschärfe verleiht. Durch die Veränderbarkeit des formbaren, plastischen Materials auch nach der Fertigstellung eines Werks arbeitet der Künstler an einer Art Antikunstgeschichte, die die Bedeutung des künstlerischen Endprodukts hinterfragt. In der Ausstellung präsentiert er neben kleineren Bildern auch den zusammengefalteten SPD-Stand, den er kurz vor der Bundestagswahl 2025 im Soldiner Kiez aufgestellt hat. (Sibylle Peter Dieter)
Henrik Jacob, geboren 1972 in Dresden, studierte von 1994 bis 2000 Freie Kunst an der Hochschule für Künste Bremen bei Prof. Rolf Thiele. Nach Auslandsaufenthalten an der Winchester School of Art in Southampton, in Barcelona, Spanien, und an der Academie Galan in Frankreich wurde er 2001 Meisterschüler bei Rolf Thiele an der HfK Bremen. Seit 2000 lebt und arbeitet er in Berlin, wo er seit 2007 den Ausstellungs- und Projektraum Kulturpalast Wedding International organisiert und kuratiert. Der Projektraum wurde 2016 vom Berliner Senat mit dem Preis für künstlerische Projekträume und Initiativen ausgezeichnet.

Susan Kempfer findet bei Spaziergängen in Landschaften und besonders an Stränden schöne und interessante Steine, in denen sie anthropomorphe Formen sieht. Sie bearbeitet die Steine nicht skulptural, sondern überformt sie mit plastischem Material. Die gegensätzlichen Texturen von Gestein und weichem plastischen Material wie Ton, den sie zunächst zum Skizzieren benutzt, aber in der endgültigen Bearbeitung durch Zementmischungen ersetzt, inspirieren sie. Bei Susan Kempfers Beschäftigung mit Köpfen, menschlichen Körpern und Körperfragmenten interessieren sie Transformationen, Prozesse des Übergangs, des Temporären, der Bewegung, der Verschiebung von Bedeutungen. Ihre Plastiken reflektieren Formen und Strukturen, die in der natürlichen Welt zu finden sind, vor allem von gefundenen Natursteinen, und verbindet sie mit künstlichen Elementen. Sie laden den Betrachter ein, über die Wechselwirkungen zwischen diesen Elementen nachzudenken. Die urwüchsige Form der Steine gibt ihr Impulse, denen sie folgt. Ihre Überformungen übermalt sie, dabei Farbe und Struktur des Steins so täuschend echt nachahmend, dass im Trompe-l’oeil natürliche Form und Kunstform nicht mehr unterscheidbar sind. Susan Kempfer nutzt Materialeigenschaften wie das Erstarren von Flüssigem zu fester Form, beispielsweise von Zement und im Gegensatz dazu, die Elastizität eines Materials wie Gummi. Sie kombiniert diese Elemente in Plastiken mit Zement, Fahrradschläuchen und Luft. Sie gießt Schläuche in Zement ein, sodass sie sich zwar noch in begrenztem Maß ausdehnen und Luft aufnehmen oder Luft entweichen lassen können, wodurch zugleich ihre Elastizität konterkariert wird im Zwang des erstarrten Materials. So wurden auch Ventile für sie interessant, die, neben ihrem künstlerischen Verweis auf Übergänge, auch ästhetisch schön sind. Auch diese abstrakten Arbeiten versteht sie anthropomorph, sie verweisen auf Stoffwechsel, beweglichen Bezug zur Welt, auf Prozesse der Orientierung. Das ergibt latent instabile, spannungsvolle Formen, die sowohl visuell als auch haptisch ansprechend sind.

Susan Kempfer

1969 Geboren in Grimma, Deutschland
1985-1988 Medizinisches Fachschulstudium
1999 Übersiedlung ins Ruhrgebiet
Seit 2022 Studium Bildhauerei / Skulptur / Installation (B.F.A.) an der Hochschule der bildenden Künste Essen.
2024 Gründung der Produzentengalerie SpiritTransfer mit Jörn Kempfer
Ausstellungen im In- und Ausland

Figuratives und Ungegenständliches sind für Jörn Kempfer nur Pole. Die Bewegung dazwischen treibt seine Malerei voran. Immer geht es in Bildern um Wesentliches, das heißt um Wirklichkeit und Wirkung. In geheimnisvoller Weise ist das Wesen des Bildhaften nicht etwas Konkretes, sondern Abstraktion. Jörn Kempfer malt auf große, auf Holzplatten angeheftete Leinwandstücke, die er erst nach Fertigstellung des Bildes zuschneidet und auf Keilrahmen aufspannt. Diese Vorgehensweise erlaubt ihm beim Malen die Spontanität, um jederzeit Veränderungen der Komposition in Form und Größe vornehmen zu können. Mit dem Pinsel erzeugt er plastische Wirkungen wie Wellungen, Aufkantungen, Staffelungen, Vertiefungen und räumliche Spannungen. Er arbeitet in die Farbe mit Zeichenkohle, Ölstiften, Spachtel etc. hinein und schafft starke Kontraste von Texturen, Strukturen und Gliederungen. In einigen Bilderserien geht er wie ein Bildhauer vor, arbeitet in eine monochrome Farbfläche hinein durch Auflösen oder Wegnehmen der Farbmaterie. Ölfarbe ist sein bevorzugtes Material, weil diese, im Gegensatz zur schnell trocknenden Acrylfarbe, sich lange bewegen lässt und erlaubt, die Farbwirkungen zu verändern. Durch Verflüssigung der Farbe arbeitet er mit Lasuren, um lichthafte, transparente, räumliche Wirkungen zu erzeugen. In manchen Bilderserien bleibt der Grund der Leinwand sichtbar, ist hier nicht Untergrund für den illusionistischen Bildraum, sondern Grund in seiner Materialität als Fläche, auf dem der Malprozess nachvollziehbar ist. In den ungegenständlichen, gestischen Arbeiten von Jörn Kempfer, gibt es kein Sujet. Er beginnt impulsiv und setzt einen Malprozess in Gang, von dem er zu Beginn nicht weiß, wohin er ihn führt. Er arbeitet seriell und variiert immer wieder neu malerische Möglichkeiten, die sich im Prozess des Malens ergeben. Er spielt mit der Wirkung des Trompe-l’oeil. Der Betrachter vermag nicht genau, die Bildebene der Darstellung zu verorten, die zugleich hinter und vor dem Bildgrund zu sein scheint. Für Jörn Kempfer ist die Malerei nie fertig, ist ein unabschließbarer Prozess malerischer Bewegung.

Jörn Kempfer

1958 Geboren in Duisburg, Deutschland
1981 Studium der Malerei an der Universität der Künste Berlin
Seit 1986 freischaffend in Berlin-Kreuzberg
Seit 2000 verschiedene Lehrtätigkeiten in der Erwachsenenbildung
2012 Umzug nach Moers-Asberg
Bis 2024 Atelier im Künstlerhaus Hafenkult in Duisburg
2024 Gründung der Produzentengalerie SpiritTransfer mit Susan Kempfer
Ausstellungen im In- und Ausland.

Line Wasner hat zuammen mit Maarja Nurk in Berlin in der Kleingartenkolonie Bornholm 2024 eine Performance durchgeführt. Die beiden Künstlerinnen haben sich als Büsche verkleidet und Gartenarbeit verrichtet. Für alle, die damals nicht dabei sein konnten, gibt es ein paar Filmaufnahmen von dieser denkwürdigen Aktion. Die sehr beeindruckenden Büsche-Verkleidungen sind in der Ausstellung zusammen mit einigen Gemälden Line Wasners zu sehen.
Line Wasner malt und zeichnet Dinge, die nicht viel Interesse an Ideen von Ordnung und Ökonomie zeigen. So taumelt die Malerei eigenwillig; im Diffusen entsteht ein klares Bild von etwas Unklarem. Durch Nähen, Falten, Stopfen und Applizieren befreit Wasner ihre Bilder neuerdings von der Zweidimensionalität und entlässt sie in den Raum.
Line Wasner, geboren 1977, lebt und arbeitet in Berlin. Sie studierte Bildende Kunst und Umweltkunst an der Bauhaus Universität Weimar und an der Glasgow School of Art. Seit 2010 arbeitet sie auch als szenische Malerin.