Zeichnungsinstallation:
„Stumpfsinniger Gehorsam ist das schlimmste Verbrechen“
Sampsa Indrén, Finnland
Henrik Jacob, Deutschland
Mika Karhu, Finnland

Ich habe immer versucht, mit meiner Arbeit die Menschlichkeit auszudrücken. Das, was es bedeutet, ein zerbrechliches menschliches Wesen zu sein. Ich hoffe, dass meine Kunst die Toleranz und das Verständnis zwischen den Menschen fördern wird. Oft haben meine Arbeiten die Form eines Mannes oder einer Frau und manchmal eines Hundes.

Als Material verwende ich meist Holz.

Joakim Sederholm

Artwork. Sorrow, 2023, 21 x 21 x 83 cm, bemaltes Holz

Toolbox Kabinett: Anton Laiko

Pilvi Ojala

Mein Interesse gilt der Art und Weise, wie die Dinge installiert werden. Zum Beispiel sind Bühnenbild, Illusionen, künstlich und „authentisch“ Themen, die mich faszinieren. Darüber hinaus interessiere ich mich auch für Museen. Kunstmuseen, historische Museen, biologische, wissenschaftliche, Theater- und Filmmuseen, nicht zu vergessen die Museen, die Kuriositäten aller Art zeigen.

Als Mensch bin ich neugierig. Als Künstlerin wechsle ich von einer Technik und einem Medium zum anderen, was als Konzentrationsschwäche erscheinen mag. Ich male, ich zeichne, ich mache Animationen und ich baue dreidimensionale Werke. Obwohl für mich das Grundmotiv eines Künstlers darin besteht, alle Arten von visuellem Material zu sammeln, es zu bearbeiten und ein visuelles Kunstwerk zu komponieren. Ich bin wie ein Sammler, der die Welt um mich herum beobachtet, entdeckt und verdaut.

Für mich ist Kunst ein Medium, um verschiedene meiner Interessen zu kombinieren und somit eine Art persönliche Wunderkammer zu schaffen. Sie ist eine Möglichkeit, mich auszudrücken und ein Versuch, mich in die Welt hineinzuversetzen und sie zu verstehen.

Toolbox Kabinett: Jakob Roepke

Tiia Matikainen

Eine menschliche Figur, die von einem schützenden Netz aus Pflanzen und Erde umhüllt ist, steht im Mittelpunkt der neuesten Skulpturen von Tiia Matikainen. Formen von Wurzeln und Sanddünen, die auf Tonoberflächen gemeißelt sind, nehmen die Gestalt von seltsamen Waldbewohnern an. Für die Künstlerin sind diese Skulpturen Wächterfiguren, eine schützende Schicht zwischen dem Menschen und der umgebenden Welt.

Der Wald und die damit verbundene finnische Mythologie sind wichtige Inspirationen für die künstlerische Arbeit von Matikainen. Eine der interessantesten ist die Vorstellung, vom Wald versteckt zu werden. Geister können diejenigen, die sich dort bewegen, dazu verlocken, sich in einer absurden Welt zu verlieren und aus dem Blickfeld der anderen zu verschwinden.

Das Verstecktsein im Wald steht nicht nur für Angst, sondern auch für Sicherheit und Verbundenheit mit der Natur, denn der Wald und seine Pflanzenwelt schützen uns und alles Leben auf unserem Planeten.
– Eins zu sein mit dem Wald, so dass man schließlich das Gefühl hat, sich in seinen Tiefen verloren zu haben.
Tiia Matikainen (geb. 1975, Kitee, Finnland) ist Bildhauerin und Keramikerin. Sie schloss 2002 den Master of Arts an der Universität für Kunst und Design Helsinki ab und lebt und arbeitet derzeit in Mänttä.

Weitere Informationen: http://www.tiiamatikainen.com

Toolbox Kabinett: Anna-Maria Balov (Berlin)

Juha Sääski
Joyful light and gloomy shadows

Nadja Schöllhammer
Human Tangle

284.-25.5. 2024

Eröffnung: Fr 26.4. 2024, 19-21 Uhr

Galerie/Projektraum TOOLBOX
Koloniestraße 120
13359 Berlin Wedding
Mi–Sa 15–19 Uhr
U Bahn Osloerstraße

Mortality is elsewhere, mixed media on paper (watercolour, acrylic, colouring pencil, drawing charcoal on paper), 40 x 60 cm, 2022

Juha Sääski
Joyful light and gloomy shadows

Juha Sääski zeigt eine Sammlung von Mixed-Media-Arbeiten, die sich mit Licht und Schatten des menschlichen Lebens befassen. Mischtechnik bedeutet in diesem Fall: Acrylfarbe, Aquarellfarbe, Farbstift, Zeichenkohle, Bleistift auf Papier.

Ausgangspunkt für dieses Thema war eine eigene Erfahrung mit der fragilen Trennlinie zwischen Leben und Tod. Die Arbeiten sind in zwei Bereiche aufgeteilt, der größere Bereich ist gefüllt mit der bunten und fröhlichen Welt des Lebens, der kleinere Bereich zeigt schwarz-weiß und die kalten Schatten des Todes.

Sääski verwendet klischeehafte, naive, fröhliche und traurige widersprüchliche Elemente und einige humoristische Mittel. Indem er tragisch-komische und widersprüchliche Elemente kombiniert, versucht er, die Paradoxien, die Zerbrechlichkeit und die Schönheit des menschlichen Lebens zu beschreiben.

Nach Charlie Chaplin: „Das Leben ist aus der Nähe tragisch, aber aus der Ferne komisch“.

Juha Sääski ist ein finnischer Künstler, der 1952 in Helsinki geboren wurde und im Westen und Süden Finnlands lebt und arbeitet. Er hat hauptsächlich in Finnland, aber auch international ausgestellt, in Berlin in mehreren Einzel- und Gruppenausstellungen und in Deutschland u.a. in der Galerie Nord, Nürnberg, Galerie Nord/Kunstverein Tiergarten Berlin, Ludwig Museum, Koblenz und Kunstverein & Kunsthaus Viernheim. Sääski hat auch an Ausstellungen in Großbritannien, den USA, Schweden, Italien und Estland teilgenommen. Weitere Informationen und Lebenslauf auf den Homepages: www.juha-saaski.fi und auch www.galerietoolbox.com.

Ghosts at work (I)

Nadja Schöllhammer: “Ghosts at work (I)”, 2011/2024 ,
Papier, Cut-Outs, Zeitungsfragmente, Leim, Heißkleber, Tusche, Holz, Eierschale und Pflanzenteile,
53 x 72 x 20 cm
Foto und © Nadja Schöllhammer

Nadja Schöllhammer
Human Tangle

Nadja Schöllhammer erfindet Methoden des expandierenden Zeichnens. In der Galerie Toolbox zeigt sie eine Auswahl von Zeichnungen und Papierassemblagen. Schöllhammers Interesse gilt der Verwandlungsfähigkeit des menschlichen Bewusstseins und dem Zusammenhang zwischen individueller und kollektiver Existenz. In ihrer Werkgruppe „Human Tangle“ arbeitet sie mit zeichnerischen Transformationen menschlicher Körperformen. Mit Stift, Skalpell, Heißkleber und Tusche erforscht sie das Ausgangsmaterial Papier. Es entsteht ein Gewebe, in dem die individuellen Körper in einen größeren Organismus eingebunden sind.
Ihre Herangehensweise beschreibt sie folgendermaßen: „Durch expandierendes Zeichnen nähere ich mich einem Zustand, der in der sogenannten Wirklichkeit unmöglich scheint: Eine Parallelwelt, in denen die (vermeintlichen) Grenzen zwischen Mensch/Tier/Pflanze, männlich/weiblich, schön/hässlich verschwinden. Eine Gegenwelt zu gewohnten Wahrnehmungs- und Bedeutungshierarchien, in der vieles gleichzeitig möglich ist und Widersprüche aufgehoben sind.“
Nadja Schöllhammer, geb. 1971 in Esslingen am Neckar (D), hat zahlreiche Ausstellungen im In- und Ausland, z.B. bisher in der Kunsthalle Tübingen, Galerie Nord/ Kunstverein Tiergarten Berlin, Fengxian Museum, Shanghai, Marta Herford Museum, ARTER Istanbul, Arp Museum Rolandseck, Remagen u. v. m. Sowie zahlreiche Preise und Stipendien, u. a. vom Kunstfonds Bonn, Kunstpreis Künstlerhaus Schloss Balmoral, Berliner Senatsstipendium für Tokio, DAAD-Stipendien für Kolumbien und Mexiko, Akademie Schloss Solitude Stuttgart, u.v.m. Seit 2024 ist sie Professorin für Zeichnung an der Hochschule Hannover. Schöllhammer lebt und arbeitet in Berlin und Hannover. Mehr Info unter www.nadjaschoellhammer.de


Yö ry Artists‘ Association ist eine Verein für professionelle Künstler:innen aus verschiedenen Bereichen, die hauptsächlich in Helsinki tätig sind. YÖ in BERLIN ist eine Gruppenausstellung, die von Yö ry organisiert wird und Werke der im Verein vertretenen Künstler:innen präsentiert. Yö hat über 300 Mitglieder und eine Galerie in Helsinki in der Lönnrotinkatu. Die Räumlichkeiten stehen allen Künstler:innen zur Verfügung, nicht nur den Mitgliedern der Vereinigung. Yö ry ist nicht nur eine von Künstler:innen geführte Galerie, sondern ein Zusammenschluss von proaktiven und enthusiastischen Fachleuten aus verschiedenen Bereichen. Yö ist eine Bewegung und Gemeinschaft, deren aktives Handeln durch den Verein gefördert werden soll. Die große Mitgliederzahl ermöglicht es, auch die ehrgeizigsten Initiativen zu verwirklichen.

YÖ IN BERLIN ist der erste Ausstellungsaustausch zwischen Yö ry und der Galerie Toolbox. Die Ausstellung wird von den Gründungsmitgliedern von Toolbox zusammen mit den Yö ry-Mitgliedern Mia Makela und Henriikka Pöllänen kuratiert.

Die Ausstellung von Yö ry in der Galerie Toolbox umfasst Videokunst, visuelle Kunst und ein Portfolio-Schaufenster, in dem Sie die Werke der Yö ry-Mitglieder auf einem Bildschirm betrachten können. Die Videoarbeiten und Portfolios wurden im Rahmen eines offenen Aufrufs ausgewählt.

Alle Videos wurden in den 2020er-Jahren produziert. Die Videoarbeiten wurden für 3 verschiedene Vorführungsprogramme kuratiert. Remnants of the Wild präsentiert Videos von Earth Forces, Mia Makela und Lau Rämö, die unsere Partnerschaften mit der nicht-menschlichen Welt untersuchen. Tapestry of Time enthält Videoarbeiten von Johanna Väisänen, Hanna Råst, Joonas Jokiranta und Airbakers (Toivola & Wager), die den Widerhall der Vergangenheit in der Gegenwart aufdecken.

Close Encounters präsentiert eine Sammlung von Videos zur Erforschung von Intimität durch Performance-Kunst von Juhani Koivumäki, Kainulainen&Latva, Mari Hokkanen, Eoin O`Dowd, To Kosie, Sini Henttu und Ginko Shu.

Die Gemälde und Skulpturen in der Ausstellung bringen die Vielfalt der Materialien zum Ausdruck. Die Gemälde von Isabel Pathirane sind durch den starken Einsatz von Farbe und Ausdruckskraft miteinander verbunden. Tuomas Holst verwischt die Grenzen zwischen Malerei und Skulptur mit Werken, die aus recycelten Materialien hergestellt sind. Krista Blomqvists Serie „Creatures of the Night“ besteht aus Gemälden auf Kupfer, die sich im Laufe der Zeit entwickeln, während sich das Kupfer selbst verändert. Die Glasskulpturen von Henriikka Pöllänen und Kimmo Reinikka zeigen verschiedene Dimensionen des Materials Glas auf.

Das Kuratorenteam bestand aus den Toolbox-Gründungsmitgliedern Maija Helasvuo und Niina Räty in Zusammenarbeit mit den Vorstandsmitgliedern der Yö Association Mia Mäkelä und Henriikka Pöllänen.

Das Eröffnungsprogramm umfasst eine Performance von Tapani Pirog und einen Eröffnungsvortrag des Yö-Kuratorenteams.

Tapani Pirog wird  im Rahmen einer Ausstellungseröffnung eine neue performative Arbeit mit dem Titel Ich bin ein Baseball vorstellen, die für die Sammlung der Aamos Hillo Foundation erworben wurde.

Tapani Pirog ist ein in Helsinki lebender Ultramodernist und Postexpressionist.
https://www.instagram.com/aetherblau/
www.pirog.fi

Weitere Informationen zum Programm werden zu einem späteren Zeitpunkt auf den Websites von Yö und Toolbox verfügbar sein.

https://www.yory.fi/fi/etusivu


https://www.galerietoolbox.com/

Artwork: Johanna Väisänen

Künstlerinnen aus Wales und Berlin in Toolbox

Eröffnung: 28.6.2024, 19 Uhr
Ausstellung 30.6.-20.7.2024

Künstlerinnen:
Wales: Marja Bonada, Katie Cyfenw, Penny Hallas
Berlin: Susanne Ring

Öffnungszeiten. Mo–Do 15–19 Uhr

Simo Ripatti (Finnland) and Patrick Huber (Berlin) in Toolbox.

Eröffnung: 26. 7. 2024, 19 Uhr

Ausstellungsdauer 28.7.–24.8.2024

Simo Ripatti
Possessed, 2023
Videoinstallation

Die Arbeit beschreibt die Beobachtung auf der Grundlage der Erinnerung und wie die kontinuierliche Beobachtung neuer Dinge die Zuverlässigkeit des Erinnerungsbildes beeinflusst. Ausgangspunkt sind meine Gedanken über die Zufälligkeiten des Daseins und der Ereignisse und wie sie auf das eigene Verständnis treffen und dadurch einen Standpunkt bilden. Die dadurch gebildete Sichtweise bestimmt auch, wie die Erinnerung eingefärbt ist und wie lange man die Erinnerung als zuverlässig betrachten kann.
Die Wahrnehmung ist die Grundlage für den Bezug zur Realität, aber erst der Vergleich mit der Erinnerung, das Hinterfragen von Erinnerung und Wahrnehmung und das bewusste Denken bilden eine verlässliche Erfahrung. Meiner Meinung nach ist das in vielerlei Hinsicht das Merkmal, das die Erfahrung dieses Werks ausmacht.

Patrick Huber

Zeichnungen und Objekte

Patrick Huber: Füßeln – aus der Serie “Techtelmechtel”, Holz, Wachs, ca 100 x 40 cm

Öffnungszeiten: Mi–Sa 3–7 pm

Galerie/Projektraum TOOLBOX
Koloniestraße 120
13359 Berlin-Wedding
U-Bahn Osloerstraße

An Feiertagen ist die Toolbox geschlossen

Eröffnung: Fr 23.02.2024, 19 Uhr | Ausstellung: 25.2-23.3.2024

Geöffnet am Kolonie-Wochenende, So 25.02. 24, 14-18 Uhr

Toolbox Kabinett:

Iris Germanica, eine schlichte Blume, die man in ganz Europa sieht

Iris Germanica ist die Göttin von allem

Iris Germanica ist mein trauriges Lied von der vergehenden Zeit

Ich betrachte meine Malerei als einen lebenden Organismus. Am Anfang steht eine Idee, etwas, das mich stört und das Licht sehen will. Das erste Bild ist ein Keim, das zweite ein Blatt, das dritte ist vielleicht eine Blume und zehn Bilder ergeben einen Körper.

Ich würde sagen: Ich male zum Vergnügen, zum Vergnügen des Erkennens: Das ist es!

Ich hoffe, dass die Samen des Gesehenen aufgehen!

In meiner Malerei lasse ich mich von Assoziationen und Wünschen leiten. Ich möchte etwas malen, das ich noch nie gesehen habe, das sich aber dennoch beim Sehen offensichtlich anfühlt. Dieses Gefühl des Erkennens ist es, das die Malerei für fertig erklärt.

Ich bin vor zehn Jahren nach Berlin gezogen, und während ich diese Bilder male, erlebe ich auch diese Zeit wieder, eine Zeit, in der das Leben permanent zweigleisig ist.

Iris Germanica ist eine fragmentierte Saga über Zeit, Verlust, Immigration, Nation, Mythos, Botanik, Städte und Evolution. Einige Teile sind verloren gegangen, andere wurden verändert, es ist alt, aber nicht original. Es ist aufrichtig, aber nicht wahr.

Ich bin eine bildende Künstlerin, die in Helsinki und Berlin lebt. Meinen MFA-Abschluss machte ich 2011 an der Universität derBildenden Künste in Helsinki, wo ich auch meine Doktorarbeit über die Bedeutung von Farben und Sehen schreibe. Meine Arbeiten wurden in mehreren Einzel- und Gruppenausstellungen in Finnland, Dänemark und Deutschland gezeigt, darunter in der Helsinki Kunsthalle, der Forum Box Gallery und beim Festival Kunst am Spreeknie/Transformart.

Siiri Haarla

Helsinki 23.1.2024

Kunstwerk: Iris Germanica ‚Nibelungen‘ Ölgemälde auf Leinwand, 140x100cm, 2023 (Detail)

Toolbox Kabinett:

Hildegard Skowasch
*in Essen. Lebt und arbeitet in Berlin.
Studium an der Kunstakademie Münster und an der Ecole supérieure des Arts Plastiques, Tourcoing (Frankreich).
Die Arbeitsschwerpunkte von Hildegard Skowasch sind Skulptur (Papier/ Keramik), Zeichnung und Druckgrafik. Ausgehend von der Form schafft sie mit unterschiedlichen Materialien Projektionsflächen und eine eigene Welt mit inhaltlichen Verschiebungen, Möglichkeiten und Sichtweisen des Seins.

Sie ist Initiatorin künstlerischer Kollaborationen, wie „Hildegard Projekt“ oder „Generator“.
Seit 1989 hat sie zahlreiche Aufenthaltsstipendien u.a. im Künstlerhaus Schloss Wiepersdorf, im Virginia Center for Creative Arts, USA, in der Saari residence der Kone Foundation, Finnland oder im KKVV Luleå, Schweden.
Sie stellt international aus.
2019 war sie mit einer umfassenden Werkschau im Polnischen Nationalmuseum in Gdansk und 2022 mit einer weiteren großen Einzelausstellung in der Städtischen Galerie BWA in Olsztyn vertreten.

Im Kabinett der Galerie Toolbox zeigt sie keramische Wandarbeiten.

Hildegard Skowasch: o. T., 2019, Keramik glasiert, ca 20 x 20 x 20 cm

Galerie/Projektraum TOOLBOX

Koloniestraße 120

13359 Berlin-Wedding

U-Bahn Osloerstraße

Mi, Fr-Sa 15-19 Uhr, Do 16-20 Uhr

An Feiertagen ist die Toolbox geschlossen

Das Jahr 2024 könnte entscheidend sein. Ein weiterer Staat könnte von der Weltkarte verschwinden. Vollständig oder innerhalb der uns bekannten Grenzen. Nach mehreren Jahren des Albtraums, der sich um uns herum abspielt, und der Tragödie in unserem Inneren, scheint diese Möglichkeit nicht mehr unvorstellbar. Letztes Jahr haben wir Armenier einen wichtigen Teil unseres Heimatlandes verloren – Arzach. Ein unabhängiger demokratischer Staat, auch bekannt als Berg-Karabach. Armenien ist in Gefahr. Die Ukraine ist in Gefahr. Wer ist der nächste? Wir sind Künstler, und wir haben keine fertigen Rezepte, wie wir Frieden und Stabilität, Wohlstand und Vertrauen in die Zukunft zurückbringen können. Aber uns ist eine Zuflucht geblieben – unsere Liebe und unser Glaube an die Malerei als eine eigene Welt. In dieser Ausstellung wollen wir über die Grenzen dieser Welt nachdenken.

Gagik und ich haben uns 2019 bei einer Vernissage in der Galerie Taube kennengelernt. Gagik war schon öfter in Berlin gewesen und war eingeladen worden, am Dezembersalon der Galerie Taube teilzunehmen. Wie sich herausstellen sollte, war es der letzte Dezembersalon: Im nächsten Jahr wurden wegen der Covid-Pandemie die Grenzen dichtgemacht und künstlerischer Austausch verlangsamte sich drastisch. Im Februar 2022 fielen Bomben auf die Ukraine und Gagik beschloss, sein neues Zuhause, sein Atelier, seine Bibliothek und seine Kunstwerke zu verlassen, um seine Familie zu retten. (Der Krieg begann plötzlich und heimtückisch. Moderne Raketen können jeden Punkt des Landes erreichen, niemand ist sicher). Das malerische Uschhorod, wo Gagik mit seiner jungen Frau und seiner Tochter lebte, liegt an der Grenze zur Slowakei. Ich bot an, mit dem Auto zu kommen und meinen Kollegen an der Grenze abzuholen. Viele Länder von der Schweiz bis Kanada luden die Ukrainer ein, aber Berlin war Gagik bereits vertraut, und er ließ sich mit seiner Familie in der deutschen Hauptstadt nieder.

Ich betreibe zusammen mit meinem Kollegen Andreas Wolf im Berliner Bezirk Pankow die Galerie Wolf & Galentz, und wir kamen nicht umhin, die Situation nach dem Ausbruch der militärischen Aggression zu reflektieren. Im Juni 2022 boten wir der Öffentlichkeit die Gruppenausstellung Kommentare zur Verrat und Gewalt. Gagik stand als Maler im Mittelpunkt dieses Projekts. Gleichzeitig konnten wir nicht erwarten, dass der 69-jährige Künstler in der Lage sein würde, sofort neue Werke für die Ausstellung zu produzieren. Nach seiner Ankunft in Berlin musste Gagik in einem langen Prozess eine Unterkunft für seine Familie, eine Schule für seine Tochter finden und Papierkram erledigen. Gagik brachte aber seine Erfahrung und seine Vision von Kunst mit nach Deutschland und kommentierte meisterhaft die Werke zahlreicher Künstler verschiedener Generationen und aus verschiedenen Ländern stammend in unserer Gruppenausstellung. Gagik nimmt weiterhin aktiv am künstlerischen Leben in Berlin teil, seine Arbeiten sind leicht und virtuos, lebendig und faszinierend. Diese Freiheit des Ausdrucks würde ich mir auch gerne gönnen. 30 Jahre Leben in Berlin haben mich diszipliniert und ein wenig eingeengt. In dieser Ausstellung möchte ich mir erlauben, auch ein kommentierender Maler zu sein. Neben Gagiks Gemälden präsentiere ich eine Reihe von Objekten. Einige sind gefunden, andere werden im Kontex des Rahmens gestellt, aber alle sind nicht mit Pinsel und Farbe geschaffen. Zusätzlich haben wir – beide armenische Künstler – für diese Ausstellung Vereinte Gegenüberstellung eine gemeinsame Druckgrafik erstellt: Rücken an Rücken versucht ich – ein russischer Staatsbürger und Gagik – ein ukrainischer Staatsbürer einen kleinen Freiraum für uns abzugrenzen. Danke an Berlin, wo Künstler Zuflucht finden und and Andreas Wolf und Toolbox wo Gagik Kurginian und ich gemeinsam ausstellen dürfen.

Archi Galentz, geboren 1971 in Moskau (Russland als Teil der UdSSR), 1989 Studium an der Staatlichen Universität für bildende Künste und Theater in Jerewan, Armenien (Teil der UdSSR), 1992–97 Student an der Hochschule der Künste Berlin, Meisterschüler bei Klaus Fußmann. Seit 1989 über achtzig internationale Ausstellungen, seit 2000 Tätigkeit als Ausstellungskurator, Journalist und Lehrbeauftragter. Gründungsmitglied einer Plattform für armenische Diaspora-künstler „Underconstruction.Home“. 2008 Gründung eines eigenen Projektraums InteriorDAsein in Berlin. 2019 Gründung der Galerie Wolf & Galentz mit Andreas Wolf in Berlin Pankow. Vater von zwei Kindern. Archi Galentz lebt und arbeitet in Berlin.

Gagik Kurginian, geboren 1953 in Eriwan, Armenien (Teil der UdSSR). 1966 Umsiedlung mit den Eltern nach Saporischschja, Ukraine (Teil der UdSSR). 1977 Diplomabschluss an der Staatlichen Medizinischen Universität. Neben der Beschäftigung als Arzt betätigte er sich auch als Juwelier, Sportler und Künstler. Seit 1989 Teilnahme an zahlreichen internationalen Ausstellungen. 2015(?) Umzug nach Uschhorod, Ukraine, 2022 Umsiedlung mit Familie nach Berlin. Vater von zwei Kindern. Gagik Kurginian lebt und arbeitet in Berlin.

Videoworks by students of Aalto University Helsinki, Finland

Reetta Saarikoski, Sandra Enkvist, Erik Vartiainen, Katja Niemi

Still foto: Reetta Saarikoski

Eröffnung: Freitag, 29. 9. 2023, 19 Uhr

Künstler:innen
Sahar Nahavandi Nejad, Atefeh Mehrvarz, Minoo Kiani,
Azin Rostami, Raheleh Ghavipanjeh, Behnam Bakhshizadeh,
Farhad Gavzan, Hossein Ghafouri

Ergänzt wir die Ausstellung durch kleinere Werke zum gleichen Thema von den Toolbox-Mitgliedern Maija Helasvuo, Sampsa Indrén,
Mika Karhu, Niina Räty, Juha Sääski und Ilkka Sariola.

kuratiert von Farhad Gavzan and Ilkka Sariola

Abb.: Sahar Nahavandi Nejad, o. T., Bleistift auf Pappe, 50 x 70 cm

Niina Räty (Malerei und Zeichnung), Maija Helasvuo (Holzskulpturen)

25.8.–23.9.2023

Öffnungszeiten: Mi–Sa 15-19 Uhr

An Feiertagen geschlossen

Maija Helasvuo

Meine in der Ausstellung gezeigten Skulpturen sind im Gedenken an meine verstorbenen Verwandten entstanden.
Im alten finnischen Glauben fungiert der Vogel als Bote zwischen den Lebenden und den Toten. Die Verbindung zum Jenseits besteht also immer.

Abb. Titelbild: From Spring to Autum, 2021, Foto: Jussi Tiainen

Niina Räty

Ich habe einen Hund, der Freude und Struktur in mein Leben bringt. Sie vertraut mir, leistet mir eifrig Gesellschaft und macht gewöhnliche Tage sinnvoller. Sie wird als mein Eigentum betrachtet. Tiere werden gehandelt, sie werden gemolken, geschoren und geschlachtet, sie werden zum Tragen und zum Wettbewerb gezwungen. Ist es überhaupt möglich, eine Beziehung zu einem Tier aufzubauen, ohne Vorteile zu suchen?

Toolbox Kabinett

Im Kabinett werden sich zwei Musikarchäologen vorstellen.
Einer aus Finnland und einer aus Berlin:
Dr. Arnd Adje Beide
Dr. Riitta Rainio
Präsentiert wird eine archäomusikologische Installation bestehend aus einem Virtual-Reality-Video und Keramikskulpturen von Instrumentalisten.

Die Virtual-Reality-Videos erwecken die Geräuschkulisse an der Felsmalereistätte von Siliävuori, Finnland, vor etwa 5.000 Jahren zum Leben. Die bemalte Felswand, die sich direkt aus dem See erhebt, antwortet auf Trommeln und Gesang mit Echos. Es wird angenommen, dass die Felsmalereien mit Abbildungen von Tieren, Menschen, Booten und sogar Trommlern Ritualplätze für prähistorische Jäger, Fischer und Sammler waren.
Die Virtual-Reality-Rekonstruktion von Silävuori wurde in Zusammenarbeit von Archäologen, Musikwissenschaftlern und Kognitionswissenschaftlern der Universität Helsinki unter Verwendung von terrestrischen und Luft-Laserscans, sphärischen Fotografien, räumlichen Impulsantworten, Studioaufnahmen und anderen Techniken erstellt. Die Arbeit war Teil von Dr. Riitta Rainios Projekt “Acoustics and auditory culture at hunter-gatherer rock art sites in Northern Europe, Siberia and North America”, das von der Academy of Finland (2018-2023) finanziert wird.

Victory over Nature and Man [Sieg über Natur und Mensch]

Zeichnungen von Jussi Pyky

Toolbox Kabinett: Carola Ernst

Eröffnung: Freitag, 27.9.2024 um 19–22 Uhr

Es gab ihm Feuer.
Er kochte das Fleisch und aß.
Er erhitzte das Erz, um das Eisen zu trennen.
Er schmiedete ein Schwert, eine Axt, einen Pflug und eine Sense.
Er baute einen Unterstand für das Vieh und schirrte sein Pferd an, um den Pflug zu ziehen.
Er eroberte das Land, rodete die Wälder, säte den Acker und erntete die Früchte.
Es gab ihm einfache Maschinen.
Er grub sich in den Boden.
Er baute große Maschinen, die den Inhalt der Erde in den Himmel schleuderten.
Sie schenkte ihm Elektrizität.
Er baute Motoren und Roboter, um Arbeiten zu erledigen, die Menschen gebraucht hätten.
Er schenkte ihm Radiowellen.
Er entwickelte das Radio und nutzte es, um seine Propaganda zu verbreiten.
Sie schenkte ihm künstliche Intelligenz.
Er häufte riesige Mengen an Material an, um zu kontrollieren, zu herrschen und seine Gewinne zu maximieren.
Das gab ihm Macht.
Er hatte blindes Vertrauen in seine Vision und Unfehlbarkeit.
Er hielt all das Elend und Leid, das er verursachte, für notwendig.
Das ist der Preis des Fortschritts.

Jussi Pyky (geboren 1985 in Tyrnävä, Finnland) lebt und arbeitet in Helsinki. Er schloss sein Studium am Lahti Institute of Fine Arts im Jahr 2009 und an der Finnischen Akademie der Schönen Künste im Jahr 2016 ab. Pyky hat seine Werke in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen in Finnland und im Ausland präsentiert. Seine Arbeiten befinden sich in der Sammlung Seppo Fränti im Museum für zeitgenössische Kunst Kiasma und in privaten Sammlungen.

Download CV Jussi Pyky (PDF)

Carola Ernst – Wirkung [Effect]

Solar, 2021
indian ink, watercolor – wax pastell, oil pastel chalk, acrylic, graphite on canvas
136 x 121 cm (artist framed)

Vexierbilder, Kippfiguren, Wimmelbilder, Formen der multistabilen Wahrnehmung und
Multiperspektive sind in der Kunst bekannte Ausdrucksformen.

Ich beschaftige mich mit der Erforschung neuer Wahrnehmungsstrategien in der Malerei
und Zeichnung. Auf wissenschaftlicher Ebene wird meine Arbeit von Theorien der
weiterfuhrenden Psychophysik und Erkenntnissen der Neurowissenschaften uber
Wahrnehmungs- und Bewusstseinsprozesse beeinflusst. Die Grenzen der Wahrnehmung
mit der Frage von Wirklichkeit, Fantasie und Imagination sind wesentliche Bestandteile.
Das Erleben verschiedener Realitatsebenen in der Bildenden Kunst, wie sie z. B. auch bei
Bewusstseinsverschiebungen im Traum oder Rauschzustand erfahren werden konnen,
sowie die Intensivierung von Eindrucken durch provozierte Emotionen oder intrusive
Erinnerungen bilden den Kern meiner kunstlerischen Arbeit.

Herzlich willkommen zur Eröffnung der am Fr 29. November 2024 um 19:00-22:00

Öffnungszeiten am Kolonie Wedding Wochenende:

Sa: 30.11.2024: 15:00-18:00

So 01.12.2024: 14:00-18:00

Ausstellung läuft bis zum 4. Januar 2025

Öffnungszeiten vom 2.-14.12.2024 nach Vereinbarung

E-Mail: mail@galerietoolbox.com

Finissage: 4. Januar 2025 (13:00-18:00)

Um 15:30 Uhr gibt es eine Performance von Frans von Tartwijk mit Guda Koster

Galerie Toolbox präsentiert ‚Motifs récurrents‘, eine Gruppenausstellung mit Werken der in Amsterdam lebenden Künstler Frans van Tartwijk (NL), Jean-Philippe Paumier (Fr) und Jean-Philippe Rousset (Fr). Die Ausstellung läuft von Freitag, den 29. November bis Samstag, den 4. Januar. Die Eröffnung findet am 29. November statt.

Die Ausstellung besteht aus einem dreifachen Gespräch zwischen Zeichnungen, Gemälden und Installationen. Im Galerieraum ausgestellt, zeigen sie gegenseitige Einflüsse, Bezüge und Korrespondenzen zwischen den Kunstwerken auf. Die Künstlerinnen und Künstler erforschen auf je eigene Weise verschiedene Aspekte der Realität und lassen diese in ihre Werke einfließen.

Motifs récurrents“ beabsichtigt nicht, eine Schlussfolgerung zu ziehen, sondern bietet eine gemeinsame Basis für formale gemeinsame Interessen, auf der jeder Künstler seine eigene visuelle Grammatik und ästhetische Aussage entwickelt.

Frans van Tartwijk (NL, 1963) ist ein niederländischer Maler und Performance-Künstler. Seine Arbeiten wurden in zahlreichen Galerien und Kunsträumen in den Niederlanden und im Ausland ausgestellt. Kürzlich nahm er zusammen mit Guda Koster an einer Residenz in Chengdu (China) teil.

Jean-Philippe Rousset (Fr, 1973) hat an der Kunstakademie von Clermont-Ferrand studiert. Er lebt und arbeitet in Amsterdam. Seit 2018 bildet er ein Künstlerduo mit Jean-Philippe Paumier (JP&JP) und stellt regelmäßig in und um Amsterdam aus.

Jean-Philippe Paumier (Fr, 1980) schafft hauptsächlich Skulpturen und Installationen, die auf den Prinzipien des „ready-made“ und „objet trouvé“ basieren. Seine Arbeiten wurden bereits in verschiedenen Kunsträumen, Kunstmessen und Galerien in den Niederlanden und im Ausland ausgestellt.

www.fransvantartwijk.nl

www.paumier.weebly.com

artwork (detail):Frans von Tartwijk: Everyone, Everything, Always, Everywhere #40 (2024)

Galerie/Projektraum TOOLBOX

Koloniestraße 120

13359 Berlin-Wedding

U-Bahn Osloerstraße

An Feiertagen ist die Toolbox geschlossen

Gastausstellung Niederländische Künstler:innen in InteriorDAsein und Toolbox. In Zusammenarbeit mit Kunstruimte 411, Haarlem, Niederlande. Kuratiert von Hans Kuiper und Archi Galentz.

Mit Werken von Marius van Zandwijk (Malerei), Aquil Copier (Malerei), Piet Zwaanswijk (Malerei), Jessica Assmann-Zwaanswijk (Malerei), Sina Khani (Filmemacher- performance artist), Ilja Warmerdam (Malerei), MC de Waal (Fotografie), Antonio Rego (digital drawing Drucke), Gerard Veldman (Malerei), Daan van Houten (Zeichnung/Holzschnitt),  Rene Bosch (Fotografie) und Hans Kuiper (Zeichnung). Im Dialog mit Berliner Künstlern:nnen

Herzliche Einladung zur Eröffnung der Ausstellung DEATH von Richard Najorka am Freitag, 24 Januar 2025, 18:00–21:00

In DEATH werden Objekte, die im Zusammenhang mit Tod, Trauer und Erinnerung stehen, in ihrer Materialität sowie in ihrer räumlichen und sozialen Einordnung hinterfragt. DEATH ist Richard Najorkas erste Einzelausstellung. Er hat an der Städelschule in Frankfurt am Main studiert und lebt in Berlin.

Geöffnet nach Vereinbarung bis 21. Februar, bitte kontaktieren Sie: richardnajorka@outlook.de

Öffnungszeiten am Kolonie Wedding Wochenende:
Freitag, 31. Januar: 19:00–21:00
Sonntag, 02. Februar: 14:00–17:00

Galerie/Projektraum TOOLBOX
Koloniestraße 120
13359 Berlin-Wedding
U-Bahn Osloerstraße

An Feiertagen ist die Toolbox geschlossen

Herzliche Einladung zur Vernissage am 28.2.2025 von 19–22 Uhr in Toolbox

In ihren fotografischen Arbeiten beobachten Petra Karadimas und Kaisu Koivisto eine Natur, die weniger pittoresk als aus dem Gleichgewicht geraten zu sein scheint.

Karadimas beschäftigt sich mit Natur in einem städtischen Umfeld – fotografiert Gebäude, anonyme Strukturen und die Vegetation, die daneben gedeiht. Gemeinsam bilden sie ein Netz visueller und kultureller Bezüge, in dem die Natur oft die Zwischenräume der Stadt einnimmt oder unversehens über die ihr zugewiesenen Räume hinauswächst.

Koivisto hingegen reist in den hohen Norden und seine unbewohnten Landschaften, um Veränderungsprozesse zu untersuchen. Sie fängt Landschaften ein, die nicht mehr still und unberührt sind, aber selbst angesichts der sich abzeichnenden ökologischen Notlagen beunruhigend schön bleiben.

PETRA KARADIMAS (geb. 1967, lebt in Berlin, Deutschland) fotografiert ihr alltägliches urbanes Umfeld. Ausgehend von Details in ihrer Umgebung hinterfragt sie eine auf scheinbar beiläufigen urbanen Szenarien basierende Wahrnehmung und untersucht Fragmente von Natur und Landschaft in den Zwischenräumen der Stadt. Baustellen, Brachflächen und transitorische Räume bilden den Ausgangspunkt für eine Untersuchung urbaner Codes und Strukturen, die in einem städtischen Umfeld aufeinandertreffen und interagieren. www.karadimas.de

KAISU KOIVISTO (geb. 1962, lebt in Helsinki, Finnland) arbeitet in den Medien Fotografie, Skulptur und Installation. Ihre Interessen sind tief im Norden verwurzelt: seine Landschaften, seine politischen Dimensionen und die dort stattfindenden Veränderungen. In ihren laufenden Fotoprojekten Conversations With Ice und Soft Ice erkundet Koivisto arktische Landschaften, die von Eis, Meer und Felsen geprägt sind. Die Präsenz und die Folgen menschlicher Aktivitäten werden als eine entfremdete Landschaft und Gedankenwelt sichtbar. http://kaisukoivisto.com/

Ausstellung 1. bis 22. März 2025

Öffnungszeiten Toolbox: Mi – Sa 15:00 – 19:00

Kolonie Wochenende Sonntag, 1. März, 14:00 – 18:00

Zeichnungen und Gemälde

Von den Rändern Europas,

Von den Rändern der Kultur,

Und von den Rändern des Geistes.

Die ausstellenden Künstler:innen sind Alexei Gordin (EST), Anna Emilia Järvinen (FI), Jussi Kekkonen (FI) und Jussi Pyky (FI).

Geöffnet am Kolononie–Wochenende: So.: 27.04.2025 von 14-18 Uhr

25.4.-24.5.2025

Öffnungszeiten: Mi-Sa 15-19 Uhr

Die Ausstellung wurde von der Finnischen Kulturstiftung unterstützt.

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Galerie/Projektraum TOOLBOX

Koloniestraße 120

13359 Berlin-Wedding

U-Bahn Osloer Straße

An Feiertagen ist die Toolbox geschlossen

An Feiertagen ist Toolbox geschlossen

Herzlich willkommen zum SPRING CLAMP

Mo 5.5.2025, Einlass 17:30

Ein klangvoller Abend mit guter Laune, Auftritten der drei finnischen Gruppen Timate ynts, Blowjob und uRge sowie einer Klangskulptur von Araiké Da Silva, die während der Veranstaltung aktiviert werden kann.

Timate ynts ist eine improvisierte experimentelle Gruppe, deren Musik hauptsächlich auf Synthesizern, verstimmten Gitarren, Feldaufnahmen und Gesang basiert. https://timateynts.bandcamp.com/

Blowjob ist ein experimentelles Holzbläser-Trio, das minimalistische, selbst geschriebene und improvisierte Musik/Sound-basierte Stücke spielt. Ihr Stil flirtet mit Pop, Renaissance und zeitgenössischer klassischer Musik, verbunden mit einer sanften Ambient-Drone-Ästhetik. Das Ensemble besteht aus einer Klarinette, einer Bassblockflöte und einem Fagott.

uRge ist ein Duo, das die Schnittstellen zwischen Performance und Konzert auf spielerische und feministische Weise erforscht, indem es versteckte performative Praktiken der Musik sichtbar macht. Sie versuchen aktiv, maskuline und essentialisierende Vorstellungen von „reiner Musik“, die mit klassischer Musik und experimenteller elektronischer Musik verbunden sind, zu demontieren. In der Praxis arbeiten sie mit Techniken wie analoger Klangsynthese, digitaler Klangbearbeitung, experimentellen Mikrofontechniken, akustischen Instrumenten und Text.

Einlass ab 17.30 Uhr

@Galerie Toolbox

Koloniestraße 120, Berlin Wedding

Eintritt frei (pay what you can); die Spenden gehen vollständig an Gaza Champions. Facebook: https://www.championgaza.xyz/

Willkommen zur Eröffnung am Fr, 30. Mai 2025 um 19 Uhr
Ausstellung: 30.05.-21.06.2025

Geöffnet am Kolononie Wedding Wochenende: So.: 01.06.2025 von 14-18 Uhr
Öffnungszeiten: Mi-Sa 15-19 Uhr

.. AND BEYOND THE INFINITE ist eine Kollaboration der Mannheimer Galerie Strümpfe und dem deutsch-finnischen Projektraum Toolbox.
Zwölf Künstlerinnen aus Berlin, Heidelberg und Mannheim, deren Arbeiten sowohl in der Toolbox als auch im Projektraum art.endart präsentiert werden, bilden die Basis für den ersten Teil dieser Zusammenarbeit, in deren Folge Künstlerinnen der Toolbox dann im September in der Galerie Strümpfe in Mannheim zu Gast sein werden.
Der Titel der Ausstellung umschließt sowohl die Einzigartigkeit der einzelnen Positionen – karikaturhafte Gegenständlichkeit trifft abstrahierende Finesse – als auch die spartenübergreifende Fülle (Malerei, Zeichnung, Knetbild, Fotografie, Objekt und Video) der Exponate selbst.

Teilnehmende Künstlerinne und Künstler:
Mitsuko Hoshino (Hd), Inessa Siebert (Hd), Jutta Steudle (Ma), Line Wasner (B), Annalena Winkler( Ma), Eric Carstensen (Ma), Jürgen Eisenacher( B), Alexander Horn (Ma), Henrik Jacob (B), Heiko Sievers (B) und Fritz Stier (Ma).

Artwork: Analena Winkler: Concert, 2024, Graphit/Papier, 28 x 42 cm.

Herzlich willkommen zu unserer nächsten Vernissage am Freitag, den 26. September 2025, um 19 Uhr.

Ausstellung: 26.9.–25.10.2025

Öffnungszeiten: Mi–Sa 15–19 Uhr

Kolonie Wedding Wochenende geöffnet am Sonntag, 28.9.2025 von 14–18 Uhr

Videowerke von Studierenden der Filmabteilung der Aalto-Universität, Helsinki, Finnland

Mit Werken von

Joona Ikonen, Mika Koskinen, Julia Matinniemi, Sanna Langinkoski and Joonas Veijanen

Die Ausstellung „Dünne Räume / Thin Rooms” taucht ein in den Raum zwischen der physischen und der spirituellen Welt, wo unsere gegenwärtigen Erfahrungen mit Erinnerungen und der Vergangenheit verschmelzen, die in diesem Raum nachklingt. Die Werke erkunden Erinnerungen, Spiritualität und individuelle Erfahrungen auf vielfältige und aufgeschlossene Weise. Sie fordern den Betrachter dazu auf, den Moment, in dem wir leben, zu erforschen und über die Bedeutung der Präsenz in diesem dünnen Raum nachzudenken, der die Vergangenheit von der Zukunft trennt.

Die Ausstellung ist Teil des Kurses Associative Visual Storytelling für Masterstudierende der Abteilung Film und Animation an der Aalto-Universität (Finnland). Der Kurs wird von dem bildenden Künstler und Hochschullehrer Mika Karhu geleitet, der auch die Ausstellung organisiert.

Joona Ikonen
Memory Lan, Kurzfilm, 5 Min.

Die Geschichte hallt durch die Korridore der Gegenwart, auch wenn wir uns weigern, sie zu hören. Das Werk zwingt den Zuschauer, sich mit den beunruhigenden Parallelen unserer Zeit auseinanderzusetzen. Sind Sie mitschuldig?

Mika Koskinen
Muodollinen lounas / Formelles Mittagessen, Animation, 2 Min.

Das formelle Mittagessen bezieht sich auf die Eucharistie und Rituale. Das Leben erscheint oft als eine Abfolge absurder Ereignisse. Ist es am Ende die Religion, die uns retten kann?

Julia Matinniemi
Villa Pfaffenlehne, Dokumentarfilm, 15 Min.

Jan, Julia und Silke besuchen ein letztes Mal die Villa Pfaffenlehne, ein heruntergekommenes Gartenhaus am Stadtrand von Erfurt, das Silkes Mutter und anderen Oma gehört.

Joonas Veijanen
Varjostus / Video+Audio, 2 Min. 25 Sek.

Treten Sie ins Licht (des Projektors).
Wenn Sie ins Bild treten, schneiden Sie ein Loch in das Bild.
Aber keine Sorge. Sie werfen einen Schatten.

Sanna Langinkoski
Zeitreisende, visuelle Kunst, Papier & Textil

„Auf Familienfotos von vor 80 Jahren sah ich eine Frau, die mir auffallend bekannt vorkam. Sie sah genauso aus wie ich.“

Das Werk schlägt eine Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart und reflektiert gleichzeitig die Schichten der Erinnerung, die Verbindungen zwischen den Generationen und die Vergänglichkeit der Geschichte. Es ist eine persönliche Reise durch die Zeit, in der die Fotografien eine Verbindung zu einer Person herstellen, deren Leben bereits beendet ist, deren vertrauter Blick jedoch in den Fotografien weiterlebt. Eines Tages werde auch ich eine Figur aus der Vergangenheit auf einem Foto sein.

Galerie/Projektraum TOOLBOX
Koloniestraße 120
13359 Berlin-Wedding
U-Bahn Osloer Straße

An Feiertagen ist die Toolbox geschlossen
On Bank holidays Toolbox is closed

Willkommen zu unserer Eröffnung am Freitag, 25. Juli 2025, 19 Uhr

Künstler:

Peter Hock (Berlin) und Mika Karhu (Finnland)

Ausstellung: 26.07.-23.08.2025

Öffnungszeiten: Mo-Sa 15-19 Uhr

Unsere Duo-Ausstellung trägt den Titel Ausgang – Exit. Eine Alltagsdefinition des Wortes ist „ein Akt des Verlassens eines Ortes“ oder „ein Weg aus einem Gebäude“. So gibt es zum Beispiel überall in U-Bahn-Stationen „Ausgang“-Schilder, und Schilder, die auf Notausgänge hinweisen, können im Falle eines Brandes Leben retten. Das Wort Ausgang hat auch eine tiefere philosophische Bedeutung. „Exitus“ kommt aus dem Lateinischen und bedeutet Ausgang, Abschluss, Ende oder Tod. Unser letzter Ausgang ist der Übergang von einem Zustand zum anderen, vom Leben zum Tod. Die Nazis benutzten den Begriff mit grausamer Ironie und nannten das Eingangstor des Konzentrationslagers Sachsenhausen „Eingang A“ und das Ausgangstor „Ausgang Z“. Auch in den langwierigen Kriegen in der Ukraine und im Gazastreifen wird verzweifelt nach einem Ausweg, einem Ausgang, gesucht.
Die Besucher:innen unserer Ausstellung können vor Alexander Horns kleinformatigen Gemälden in Acryltusche auf MDF und Ilkka Sariolas großformatigen, expressiven Kohlezeichnungen mit der Metapher „Ausgang“ als Ausgangspunkt über Sackgassen und wie man aus ihnen wieder heraus-kommt reflektieren.

Alexander Horn lebt und arbeitet in Mannheim und Ludwigshafen, Ilkka Sariola in Helsinki. Wir sind uns 2017 zum ersten Mal begegnet, als wir beide an der Gruppenausstellung Nachstein im Pro-jektraum Toolbox in Berlin teilgenommen haben. Sofort hatten wir das Gefühl eines besonderen und tiefen Verständnisses füreinander und für die Kunst des anderen. Dies ist unsere dritte Duo-Ausstellung in Deutschland.

Galerie/Projektraum TOOLBOX
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Ilkka Sariola, rom series Requiemm Hind & Shani, 230 x 150 cm, charcoal on paper, 2023-2025

Alexander Horn, aus der Serie Only the Rocks Remain

Juha Sääski & Henrik Jacob
Galerie/Projektraum TOOLBOX
28.3.-19.4. 2026
Vernissage: Fr. 27.3. 2026, 7 pm

Geöffnet am Kolonie-Wedding Wochenende: Samstag: 28.3. 2–5 pm. Sonntag: 29.3. 2–5 pm

Öffnungszeitens: DiFr: 14–18 Uhr

Ende März zeigen der finnische Künstler Juha Sääski und der Berliner Künstler Henrik Jacob zwei Arbeiten, die sich gegenseitig bezugnehmend ergänzen und den Galerieraum grundlegend verändern.

Straßenansichten – Stillleben der Straße

Juha Sääski zeigt Ölgemälde, die die Schlafplätze von Obdachlosen im Tageslicht und in verschiedenen Städten zum Motiv haben. Er nähert sich dem Thema, indem er Schlafutensilien wie Matratzen, Decken, Zelte und Kleidung ohne die dazugehörige Person abbildet. Die einzelnen Elemente kombiniert er mit Street-Art- Motiven. Zuweilen sind die Eigentümer der vorgefundenen Habseligkeiten als zarte Linie vor einer Matratze oder an einer Wand hinter einem Zelt angedeutet und so in die Street-Art-Szenerie eingebunden.
Im Kontrast zu ihrer grauen und schmutzigen Umgebung sind die Decken, Zelte und Matratzen oft in farbenfrohen, leuchtenden Tönen gemalt. Dieser Widerspruch verstärkt den traurigen Unterton der Bilder und der menschlichen Tragödien dahinter. Die Arbeiten könnten als Straßenansichten – Stillleben – oder Stilleben der Straße beschrieben werden. Sie vermitteln zugleich ein Mitgefühl für das harte Leben am Rand der Gesellschaft.

Berlin Wall – eine andere Berliner Mauer

Auch Henrik Jacob widmet sich in seiner Arbeit „Berlin Wall“ eher einem Nebenschauplatz – einem Ort, der nicht im Zentrum des gesellschaftlichen Lebens steht und dennoch viel über dieses aussagt – dem sogenannten „stillen Ort“. Bezugnehmend auf die Fliesen des Fußbodens der Toolbox Galerie verlängert er diese in den Raum hinein und über die Wände. Dabei benutzt er den Werkstoff Knete um Schritt für Schritt die Toilettenwand einer Original – Berliner Bar in die vordere Ecke der Galerie einzufügen. Wie auch Jaha Sääski interessieren ihn dabei Graffiti- Rückstände, Tags und Sticker als Zeichen zwischenmenschlicher Kommunikation und nicht zufällig erinnert die Wandinstallation aus bunter Knete auch an eine ausufernde Timeline mit Kommentaren und Bildern in den sozialen Medien. Zugleich ist seine Installation eine Momentaufnahme des urbanen Lebens, die den White Cube der Galerie transformiert, entweiht und humorvoll erweitert.

Viel Vergnügen beim Erkunden!

Présage bedeutet vorausahnen oder ankündigen: oft eine Warnung oder eine Ahnung für etwas, das passieren wird – typischerweise etwas Unangenehmes oder Unwillkommenes. Es kann sich auch auf eine Intuition oder ein Gefühl der Vorahnung über die Zukunft beziehen. Im Wesentlichen ist es ein Zeichen oder ein Omen, das ein bevorstehendes Ereignis andeutet.
Eine gewisse Spannung liegt in den Werken von Claudia Brieske und Michelle Lloyd: ein zugrundliegendes Gefühl der Unruhe steigt langsam auf, manifestiert sich leise und wartet lauernd. Es zeigen sich die Zeichen und der Druck der aufgestauten, aufgeladenen Energie – sei es von einer seismographischen, meteorologischen oder einer anderen atmosphärischen Kraft – kündigt sich an und erfordert Freigabe.

Während die Interpretationen der beiden Künstlerinnen aus unterschiedlichen Perspektiven und künstlerischen Disziplinen, Video, Ton und Malerei, hervorgehen, konzentrieren sie sich gleichermaßen auf das Unbehagen im eingefrorenen Zeitfragment unmittelbar vor dem Ausbruch …

Diese ‚présage‘ ist immateriell, eine nicht zu greifende Zukunft, die dennoch physische und psychische Spuren in der Gegenwart erzeugen kann.
Michelle Lloyd and Claudia Brieske, both artists from the Atelierhaus Mengerzeile, are showing work from the painting series « ONSET » and the video/sound installation created in Istanbul,
« Falling Forward Slightly ». This exhibition at the TOOLBOX gallery in Wedding launches the art space exchange between TOOLBOX and Kunstraum m3.

Künstlerinnen

Michelle Lloyd und Claudia Brieske, beide Künstlerinnen aus dem Atelierhaus Mengerzeile, zeigen in der Galerie TOOLBOX den Malerei-Zyklus „ONSET“ und die in Istanbul entstandene Video/Klanginstallation „Falling Forward Slightly“. Diese Ausstellung bildet den Auftakt zum Austausch der Projekträume TOOLBOX und Kunstraum m3.
https://www.atelierhaus-mengerzeile.de/
https://www.lloyd-artwork.com/
https://claudia-brieske.net/work/Falling-Forward-Slightly-2023/

Jürgen Baumann, Dietrich Walther

Opening | Vernissage: Friday, 30.01.2026, 7 pm | 19 Uhr

Open on Kolonie Weekend: Saturday 31.01. and Sunday 01.02. : 2-5 pm | 14-17 Uhr

Exhibition | Ausstellungsdauer: 30.01.–22.02.2026

Finissage: 22.02.2026: 5 pm | 17 Uhr

Opening Times: Öffnungszeiten:
Friday and Saturday | Freitag und Samstag: 3–7 pm | 15–19 Uhr

Dietrich Walther und Jürgen Baumann präsentieren eine Ausstellung in der die einzelnen Arbeiten einen intensiven konfrontativen Dialog führen. In räumlicher Trennung und in unmittelbarer Nähe zueinander. Dadurch wird das Trennende und Verbindende der beiden künstlerischen Positionen sichtbar.

J. Baumann arbeitet in extremer Nähe zum realen Objekt und definiert somit einen sehr kleinen Bildausschnitt, D. Walther bezieht seine Bildquellen als Found Footage aus den Tiefen des World Wide Web, beschränkt die Reduktion von Bildinformationen aber auf als Körper erkennbare Inhalte.

Beide lassen wir unsere Objekte eine Transformation durchleben, die in der Montage als Tableau oder auch als mehrteiliges Bild Neues entstehen lässt, das mit der ursprünglichen Bildquelle nicht mehr viel zu tun hat.
Beide arbeiten wir mit dem menschlichen Körper, der, so wie wir ihn zeigen, durchaus Verunsicherung und Unbehagen erzeugen kann.
Die Rezipient*innen dieser Arbeiten müssen sich einlassen auf ein Wechselspiel zwischen Betrachter und Betrachtetem, Nähe und Distanz. Sie erleben die De- als auch Rekonstruktion menschlicher Körper und werden letztendlich angeregt, ihre eigene Aufmerksamkeits-ökonomie zu überprüfen, die zunehmend vom durchscrollen einer großen Bilderflut aus dem Netz geprägt ist.

Herzlich willkommen zur nächsten Ausstellung im Toolbox Finnish German Art Space Berlin. Dieses Mal präsentieren wir folgende Künstler:

Dr. Riitta Rainio Forschungsteam

Niina Räty Gemälde

Maija Helasvuo Skulpturen

Eröffnung | Vernissage: Freitag, 27.02.2026, 19–22 Uhr

Geöffnet am Kolonie-Wochenende: Sonntag, 01.03. : 14–18 Uhr

Ausstellungsdauer: 1.–21.03.2026

Öffnungszeiten: Di–Fr: 14–18 Uhr

Sonic Wonderland – Visuell–akustische Simulationen von hallenden Felsen

Jami Pekkanen, Julia Shpinitskaya, Noora Vikman, Elina Hytönen–Ng, Gjermund Kolltveit, Riitta Rainio

Die visuell-akustischen Simulationen von Sonic Wonderland entführen die Besucher:innen in einige der beeindruckendsten akustischen Umgebungen Finnlands: die hallenden Felsmalereien von Siliävuori und die resonante Höhle von Hiidenkirnukivi. Digitale Modellierungs- und Auralisierungsmethoden lassen die Vergangenheit dieser heiligen Stätten in Bild und Ton wiederaufleben. Die Simulationen sind interaktiv, das heißt, um die Echos zu hören, müssen die Besucher selbst Geräusche erzeugen, beispielsweise durch Rufen, Klatschen oder das Spielen eines Instruments.

Das von der Kone Foundation (2023–2027) finanzierte Forschungsprojekt SacredSounds spürt das unbekannte akustische Erbe Fennoskandiens auf und rückt es ins Rampenlicht. Forscher der Universitäten Helsinki und Ostfinnland führen akustische Messungen an Klippen, Felsblöcken, Höhlen und Schluchten durch, die als heilig oder besonders gelten, und dokumentieren die Stätten mit LiDAR-Scans, Luftaufnahmen und Fotografien. Außerdem führen sie Archivrecherchen und Interviews durch, um herauszufinden, wie Menschen diese Orte zu verschiedenen Zeiten erlebt haben.

Sonic Wonderland – Visuell–akustische Simulationen von hallenden Felsen

Jami Pekkanen, Julia Shpinitskaya, Noora Vikman, Elina Hytönen–Ng, Gjermund Kolltveit, Riitta Rainio

Die visuell-akustischen Simulationen von Sonic Wonderland entführen die Besucher in einige der beeindruckendsten akustischen Umgebungen Finnlands: die hallenden Felsmalereien von Siliävuori und die resonante Höhle von Hiidenkirnukivi. Digitale Modellierungs- und Auralisierungsmethoden lassen die Vergangenheit dieser heiligen Stätten in Bild und Ton wiederaufleben. Die Simulationen sind interaktiv, das heißt, um die Echos zu hören, müssen die Besucher selbst Geräusche erzeugen, beispielsweise durch Rufen, Klatschen oder das Spielen eines Instruments.

Das von der Kone Foundation (2023–2027) finanzierte Forschungsprojekt SacredSounds spürt das unbekannte akustische Erbe Fennoskandiens auf und rückt es ins Rampenlicht. Forscher der Universitäten Helsinki und Ostfinnland führen akustische Messungen an Klippen, Felsblöcken, Höhlen und Schluchten durch, die als heilig oder besonders gelten, und dokumentieren die Stätten mit LiDAR-Scans, Luftaufnahmen und Fotografien. Außerdem führen sie Archivrecherchen und Interviews durch, um herauszufinden, wie Menschen diese Orte zu verschiedenen Zeiten erlebt haben.

Weitere Informationen:

riitta.rainio@helsinki.fi

Fisch

Niina Räty

Seit fünf Jahren sind Fische mein Thema. Zander, Barsch und Heringe – manchmal auf Wachspapier, manchmal auf einem Teller. Was fasziniert mich an diesen glänzenden Kreaturen?

Stilllebenmalerei fasziniert mich. Es geht darum, zu lernen, Dinge zu betrachten. Die Geschichte der Malerei ist voller Stillleben mit Fischen – silberne Fische auf silbernen Platten, grobe Fischschuppen zusammen mit durchscheinenden Zwiebeln oder feuchte Meeresfrüchte, die auf der schmutzigen Theke eines Marktstandes glänzen. Als Motiv ist ein Fisch mit Bedeutungen aufgeladen, oft mit christlichen. Vor allem scheint er oft die pure Freude am Malen widerzuspiegeln – das Vergnügen, das sich aus der Suche nach Licht und Glanz ergibt.

Natürlich sind auch Fische selbst faszinierend. Stinkende, sogar abstoßende, längliche Kreaturen, seltsam und stumm. Fische sind wertvoll und doch fremd, sie werden aus der Tiefe geholt, um als Nahrung zu dienen. Die Grenze zwischen zwei Welten wird einfach so durchbrochen.

Am meisten interessiert mich jedoch die Ähnlichkeit. Der Fisch ist Materie, genau wie das Gemälde, der/die Betrachtenden und die Malerin. Dieselbe feuchte, sprachlose Substanz. Indem ich Fische male, male ich uns alle – Fleischstücke, die ohne zu fragen in diese fremde Umgebung gezogen wurden.

Vielen Dank

Kone Foundation und Alfred Kordelin Foundation

Maija Helasvuo

Meine Skulpturen thematisieren das Erlebnis der Begrenztheit des Lebens, unsere Abhängigkeit von der eigenen physischen Existenz und insbesondere von anderen Menschen.
Ein Mensch ist Teil menschlicher Gemeinschaft. Unsere sozialen Interaktionsfelder bestimmen zu großen Teilen die Rahmenbedingungen unseres Handelns. Sogar unsere Abgrenzung und Isolation stehen immer in Beziehung zu anderen. Unsere Fähigkeit zu Intimität ist der Ausgangspunkt unserer Existenz. Unsere Fähigkeit sich um andere zu sorgen trägt uns von Generation zu Generation. Selbstständigkeit ist unabdingbar, und doch steht auch sie in Beziehung zu anderen, zu unseren vielfältigen Gemeinschaften.

Da wir weder die uns umgebenden Interaktionsfelder noch unsere Beziehungen zu anderen mit den Händen greifen können, brauchen wir Skulpturen als eine Konkretisierung unserer abstrakten Erlebnisse. Ich fühle und sehe Skulpturen weiterhin als funktionierendes Mittel des symbolischen Denkens menschlicher Gemeinschaften. Tatsächlich gilt dies bereits seit frühzeitlichen Kultobjekten.

Herzliche Einladung zu unserer  nächsten Vernissage

Die Galerie/Projektraum TOOLBOX präsentiert eine Ausstellung mit:

Margret Holz, Berlin (Skulptur) und Pilvi Ojala, Finnland (Collage, Zeichnung)
25.34.–22.5. 2026
Vernissage Freitag, 24.4. 2026, 19 Uhr

Margret Holz

„Margret Holz widmet sich in ihrem vielgestaltigen Werk seit Jahrzehnten auf unterschiedlichste Weise dem Einwirken von Zeit auf Geschichte, auf das Gedächtnis von historischen und fiktiven Orten und ganz haptisch als Einwirkung auf das bildhauerische Material. Mit der Skulptur »Fallen shadow 01« aus ihrem Projekt Shadow phenomena zeigt die Bildhauerin eine abgeklappte Fläche, die amorphe, schattenartige Formen aufweist in verformtem Stahl. Was wir hier sehen, ist das langsame und konzentrierte Eindringen der Hitze durch Feuer in das Material Stahl, durch die kontrollierte und präzise Bearbeitung der Bildhauerin. Die ehemals gleichförmigen Flächen verformen sich unter der Kraft der Hitze und die farblichen Nuancen der Schatten zeugen von der formgebenden und auch zerstörerischen, archaischen Kraft des Feuers. In Margret Holz’ minimalistischen Skulpturen materialisiert sich bildhauerische Handlung, die sowohl als Brandmal als auch als Metapher eingebrannter Zeit für die nicht abbildbaren Schatten der Geschichte gelesen werden können.

In ihrem Jahrzehnte langem Schaffen materialisieren sich die Schatten der Erinnerung, werdengreifbar und gegenwärtig, und werfen ein metaphorisches Licht auf mögliche künftige Spuren von Krisen transnationaler und ökologischer Verflechtungen, Grenzziehungen und der
Störanfälligkeit von offenen gesellschaftlichen und natürlichen Systemen.“ Veronika Witte
Margret Holz, geboren 1942, studierte Textildesign an der Fachhochschule für Kunst und Design
Hannover und Malerei und Bildhauerei an der HdK Berlin, jetzt UdK Berlin. Skulptur, Fotografie
und Druck sind die wesentlichen Arbeitsbereiche. Ausstellungen in Deutschland, Polen,
Frankreich, Belgien und der Schweiz. Sie lebt und arbeitet in Berlin.

Margret Holz ist Mitglied im Deutschen Künstlerbund, sculpture network und dem
Künstlerinnennetzwerk Frauenmuseum Berlin.
www.mabois.de
@margretholzbois (instagram)

Pilvi Ojala

Als bildende Künstlerin hatte ich die Möglichkeit, mit verschiedenen Werkzeugen und Materialien frei zu experimentieren, und ich glaube, ich habe meinen eigenen, einzigartigen künstlerischen Weg gefunden. Die bildende Kunst hat mir die Chance gegeben, mein Interesse auf viele verschiedene Themen zu richten. Ich interessiere mich für die Präsentation von Dingen und verschiedene Arten der Präsentation; Inszenierung, Illusionen, Künstlichkeit und Authentizität sind Themen, die mich faszinieren.

Für mich ist Kunst nicht nur ein Ausdrucksmittel, sondern auch eine Möglichkeit, die Welt wahrzunehmen und mich als Teil von ihr zu verorten. Ich bin neugierig, Neues auszuprobieren, und wechsle oft zwischen verschiedenen Methoden und Medien. Das mag manchen wie Konzentrationsschwäche erscheinen, ist für mich aber ein zentrales Motiv für mein künstlerisches Schaffen. Im Laufe meiner Karriere habe ich, geleitet vom jeweiligen Thema, verschiedene Methoden und Präsentationsformen ausprobiert.
Als Künstlerin möchte ich Traditionen fortführen und mich gleichzeitig erneuern. Erneuerung kann in kleinen Dingen bestehen, ist aber wesentlich dafür, dass Kunst sowohl ihren Schöpfer als auch den Betrachter zufriedenstellt. Mir ist wichtig, mit den Händen etwas zu erschaffen und das Ergebnis wertzuschätzen, ebenso wie die Menschlichkeit im Allgemeinen und der Versuch, die Welt durch Beobachtung und Achtsamkeit zu verstehen. Ich greife auf Themen der Kunstgeschichte zurück, bemühe mich aber, sie in einen zeitgenössischen Kontext zu übertragen und mit meiner eigenen Erfahrungswelt zu verbinden. Obwohl meine Werke oft von Melancholie durchzogen sind, hoffe ich, dass auch ein Hauch von Humor und Hoffnung mitschwingt.