ARTIVISM ist ein internationales Ausstellungskonzept, das zum ersten Mal in Berlin stattfindet. Es werden hauptsächlich digitale Prints von originalen Kunstwerken ausgestellt, die wie die sog. Exquisite Corpse präsentiert werden. Somit wird eines der Hauptanliegen von SHIM ECO erfüllt und nur ein sehr geringer CO2-Fussabdruck hinterlassen.
ARTIVISM umfasst drei Ausstellungen: Berlin, Bridgeport (New York/USA) und ARTSY und zeigt Werke von internationalen Künstler*innen verschiedener Generationen.
Erstmalig werden NFTs der rumänisch-französischen Künstlerin Alexandra Mas präsentiert und verkauft. Eine Auswahl der prämierten Kunstfilme aus ARTIVISM „The Dream“ (Sorano und Venedig, 2022) von Nana Dix, Maria Marshall und Bernard Garo& Marc Décosterd, können hier ebenso nochmal gesehen werden.
Zur Finissage am 30. Mai wird die luxemburgisch-russische Künstlerin Liza Sterligova-Diederich Live-Tätowierungen stechen.
ARTIVISM ist nachhaltig und für alle Beteiligten erschwinglich. Das Projekt wird unterstützt von SHIM Art Network, SHIM ECO und dem Kunst und Style Magazin THE EDGE.

*SHIM Art Network ist ein Kunstausstellungsunternehmen, das die Lücken in der Kunstwelt füllt, indem es Künstler*innen, Kurator*innen, Galerien, Universitäten und anderen Organisationen und Verbänden Ausstellungsmöglichkeiten für ihre Projekte im On- und Offline-Bereich bietet. SHIM Art Network kooperiert mit der E-Commerce Plattform Artsy.

*SHIM ECO ist eine Künstlergruppe, die 2021 in den USA gegründet wurde und Teil vom SHIM Art Network ist. Ihr zentrales Anliegen ist der Klimawandel, die Umweltveränderung und soziale Gerechtigkeit.

*ARTIVISM ist Ausdruck und Ergebnis der SHIM ECO-Gruppe.

Mehr Informationen finden Sie hier: https://www.mastassini.com/artivism; https://www.artsy.net/partner/shim-art-network https://www.shhhim.com/about

Einige Künstler*innen aus der Ausstellung: Nana Dix, Roz Delacour, Martin Dobbeck, Bernard Garo & Marc Décosterd, Anton Laiko, Sebastian Layral, Mina Lindschau, Maria Marshall, Alexandra Mas, Haralampi G. Oroschakoff, Dodi Reifenberg, Andreas Wolf, Daruuschh, Henri Kirsch

Eine multimediale Zeitreise duch Berliner Aktivismus

Gegründet im Sommer 2016 als Reaktion auf den politischen Rechtsruck, rekrutierte die Initiative Travestie für Deutschland: TfD über 75 Drags für den queervollen Einsatz gegen das unbegründete Böse. Mit international beachteten Plakatkampagnen legte sich die Berliner Aktivistinnentruppe v.a. mit Homoheilern, Rechtspopulisten und chauvinistischen Tendenzen in der Gesellschaft an, mit Genuss.

Neben Demos, Lesungen, Podcasts, Büchern und eigenem Pride March war es aber immer die Plakatkunst, die mit den Parolen der TfD in Verbindung gebracht wurden. Bevor sich dieses Kapitel schließt, feiert der gemeinnützige Travestie für Deutschland e.V. in den Räumen von PINK.ART die erste große Retrospektive.

Zum großes Fest findet am 6. Juli ein üppiger Salon statt: Es gibt Drag-Performances, es wird aus dem TfD-Buch „Schminken mit Tschechow“ gelesen, die letzten sieben Jahre mit den Gästen (kritisch) diskutiert – und es wird die Uraufführung des ersten Songs aus der TfD-Schmiede gefeiert, der live performt wird.

Vernissage: 7 Jahre TfD
Freitag, 30. Juni 2023 ab 18 Uhr

Galeriewochenende geöffnet: Sonntag, 2. Juli 2023, 15 – 18 Uhr

Salon: 7 Jahre TfD
Donnerstag, 6. Juli 2023 ab 19 Uhr | Einlass ab 18 Uhr

PINK.ART | Biesentaler Straße 24 | 13359 Berlin-Wedding
Eintritt frei, Spenden erbeten
Kontakt: event@pinkdot-life.de

Zeichnungsinstallation:
„Stumpfsinniger Gehorsam ist das schlimmste Verbrechen“
Sampsa Indrén, Finnland
Henrik Jacob, Deutschland
Mika Karhu, Finnland

*bloodyblackredrabbits (Performance & Installation)

Freitag, 30.06.2023 um 21 UHR

COPYRIGHTberlin hat in den zurückliegenden 24 Jahren Unmengen Künstler und Künstlerinnen ausgestellt, von dem einen oder der anderen haben wir entweder eine Arbeit als Geschenk erhalten oder etwas angekauft.

„Point de vue“ zeigt nun einen kleinen Einblick in unsere Sammlung.

German Tatami 01#2023
Die Schattenseite der Sonne
Thomas Whittaker Kidd und Cornelia Renz
Zeichnungen

Künstlerstatement Thomas Whittaker Kidd:

Meine zeichnerische Geste auf dem Papier ist ein visuelle Chiffre; eine Aktion, die fortlaufend eine mit ihr verschränkte Reaktion hervorruft. Diese störungsgefärbte Reaktion wird liebkost und führt damit zu einer Transformation, so wie ein Zen-Tweaker Transzendenz anregen würde.

Thomas Whittaker Kidd (geboren in Fall River, Massachusetts), ist ein in Los Angeles lebender Künstler, Dichter und Performancekünstler. Seine Arbeiten und Installationen werden International gezeigt. In Los Angeles bei ACME, Angles Gallery, Carl Berg Gallery, Richard Heller Gallery, bG Gallery, 0-0 LA , in New York bei The Hole, Shrine, Patrick Parrish Gallery, Lombard Freid Projects Western Exhibitions in Chicago, L’INCONNUE, Montreal, Galleri Golsa in Oslo, ARTAe Galerie, Leipzig, Gnes B. Galerie Boutique, Tokio, Japan. Als Kurator hat er die Ausstellungen The Unruly and the Humorous (Angles Gallery), Created Worlds and Altered Histories (JK Gallery) und Dirty Minds: Life On Earth (BG Gallery) in Los Angeles kuratiert. Er hielt Vorträge an Universitäten wie an der UCLA (LA), der Loyola Marymount University, an der California Polytechnic State University (CA), San Luis Obispo (CA), der San Jose State University, San Jose (CA). Seine Arbeiten waren Teil der Ausstellung To Live and Paint in LA im Torrance Art Museum in Torrance (CA).
>>> www.thomaswhittakerkidd.com

Cornelia Renz entwickelt ihre Arbeit als künstlerische Reflexion über politische, soziale und kulturelle Phänomene, oder wie sie sagt: „(…) Kunst ist für mich ein performativer Erkenntnisprozess.“ Sie untersucht vorhandenes Bildmaterial aus den unterschiedlichsten Medien und nutzt es als Vorlage für ihre Hinterglaszeichnungen. Dabei dient ihre Biografie als Impetus und Material. Die Collage ist prägend für ihre künstlerische Praxis. Seit ihrem Aufenthalt in Israel weitet sie ihre ursprüngliche zweidimensionale Arbeitsweise aus und kombiniert ihre Zeichnungen, Found Footage und Wandarbeiten zu Rauminstallationen, in die sie zunehmend die Arbeiten anderer Künstler*innen einbezieht. Kuratieren ist Teil ihrer künstlerischen Praxis.

Sie war Stipendiatin des Kunstfonds Bonn, der Art Cube Artists‘ Studios Jerusalem, des Künstlerhauses Schloss Balmoral und des Else-Heiliger-Fonds; Träger des Schering-Preises für Bildende Kunst, des Marion-Ermer-Preises und des Schüngel-Preises für Grafik. Einzelausstellungen hatte sie u.a. ins Museum Montanelli, Prag, Kunstverein Konstanz, Kunsthalle Memmingen, Kunsthaus Erfurt, Nolde Stiftung Berlin, Kunsthalle Göppingen, Galerie Goff+Rosenthal in NYC und Galerie Anita Beckers, Frankfurt. Sie nahm an Gruppenausstellungen in Galerien und Museen in Paris, Tel Aviv, Jerusalem, Prag, New Orleans, Bregenz und in ganz Deutschland teil.

>>> https://www.corneliarenz.info

Art Exhibition by António Lago and Live audiovisual performance by Pratyay Raha and Tiny Domingos

Eröffnung mit LIVE PERFORMANCE

Ein künstlerisches Rechercheprojekt zur Repräsentation im öffentlichen Raum von Gesellschaft im Wandel

Silke Koch’s künstlerische Arbeiten erkunden biografisch motiviert, wie sich Gesellschaft und ihre Utopien im öffentlichen bis in den privaten Raum hinein repräsentieren. Dabei verwendet sie verschiedene Medien wie Fotografie, Video, Skulptur und Interventionen im öffentlichen Raum. Allen Arbeiten liegt eine ortsspezifische Recherche zugrunde. In der künstlerischen Umsetzung kreiert Silke Koch Möglichkeitsräume, um traditionelle Vorstellungen und Wahrnehmungen zu hinterfragen und zu erweitern.

Für die Einzelausstellung im Spor Klübü zeigt die Künstlerin zwei Werkgruppen. Eine Serie zeigt Bilder aus ihrem unveröffentlichten Fotoarchiv von 1994/95. Diese zeigt eine heranwachsende Generation, wie sie sich inmitten politischer Wirren und gesellschaftlicher Veränderungen spielerisch öffentliche Freiräume und Statussymbole aneignet sowie als Gegenspieler dazu moderne Architektur-Fassaden der 1980er Jahre.

Eine weitere Serie von Fotografien recherchiert „im Heute“ im öffentlichen Raum nach dessen Bestand von Zeichen, Utopien und Vorstellungen einer Gesellschaft, die bereits das Zeitliche segnete. Sie prüft das Versprechen und Erwartungen mit dem gesellschaftlichen Wandel ab 1989 auf eine „noch“ bessere Welt. Dabei bleiben Brüche nicht aus. Die analoge Kamera fokussiert auf Räume – scheinbar unbeachtet anmutende Situationen fern ab großer Schauplätze der Repräsentation von Gesellschaft.

www.silkekoch.de

Gefördert durch die Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien

IntermediateObjects ist der erste Höhepunkt der multidisziplinären, praxisbasierten Forschung der Künstler:in Kristina Stallvik über Ökosysteme des unabhängigen Verlagswesens. Die Werke in der Ausstellung sind sowohl eine Dokumentation von Stallviks investigativen Dialogen als auch eine Vermittlung der sozialen und materiellen Geschichte des Risographendrucks. Durch die Ausstellung der physischen Schablonen, die für den Druck einer gleichnamigen Forschungspublikation verwendet wurden, belebt Intermediate Objects diese traditionell weggeworfenen Produkte der Vervielfältigung. Die in der Ausstellung verwendeten Schriften, die mit den von Full Auto Foundry entwickelten Werkzeugen erstellt wurden, erforschen das kollaborative Potenzial der Schablone selbst als kreative Methode.

Der Begriff „Schablone“ stammt aus einer Reihe von etymologischen Verwandten: „stansel“ (Verzierung), „estinceller“ (glitzern), „scintilla“ (Funke). Diese altenglischen, französischen und lateinischen Begriffe beschreiben das Pendeln zwischen zwischen Durchlässigkeit und Undurchlässigkeit, den die Schablone erfordert. Während des Paläolithikums diente der Körper selbst als erstes Schablonenwerkzeug. Höhlenmalereien entstanden durch das Aufsprühen von Pigmenten auf die Hand, eine Technik, die später durch kompliziertere Ritzungen in Blätter und pflanzliches Material ersetzt wurde. Die Risograph-Maschine ist stark von dieser Tradition beeinflusst. Sie erzeugt Drucke, indem sie Tinte durch eine Papierschablone auf Reisbasis drückt – eine Methode, die als „ineffizient“ angesehen und in den frühen 2000er Jahren durch die Xerographie ersetzt wurde. Das Festhalten des Riso-Unternehmens an der schablonenbasierten Drucktechnik – einer Zwischentechnologie zwischen Siebdruck und Digitaldruck – schuf letztlich die Voraussetzungen für ihre Beliebtheit bei Künstler:innen und Selbstverleger:innen. Die Publikation Intermediate Objects greift auf diese Geschichte zurück, um Themen des zeitgenössischen Verlagswesens zu behandeln, von der sich entwickelnden Beziehung zwischen einer Ausstellung und ihrem Katalog bis hin zu der überraschend glatten Vergänglichkeit eines Buchobjekts. Eine kleine Bibliothek früherer Arbeiten aus Stallviks Verlagsprojekt, Cover Crop, wird ebenfalls in der Ausstellung zu sehen sein.

Kristina Stallvik (geb. 1999, NYC) ist Künstler:in, Forscher:in und Gründer:in des Verlagsprojekts cover crop. Zu ihren jüngsten Ausstellungen und Präsentationen gehören Non Productive Readers: a Performance, Between Bridges, Berlin (2023); Slow Leak, a.p., Berlin (2023); Bubble Bath, Magma Maria, Frankfurt (2023); Act 1, Nylistasafnid, Reykjavik (2023); Dyre Lekeplass, Kunsthall Trondheim, Trondheim (2022); und A Thing Shared, Automat, Philadelphia (2022). Zu seinen jüngsten Veröffentlichungen gehören Landing (Lumbung Press, documenta 15, 2023). Stallvik lebt und arbeitet in Berlin, Deutschland. Seit Frühjahr 2023 ist Kristina Stallvik Kanzlerstipendiatin der Alexander von Humboldt-Stiftung mit Art Laboratory Berlin als Gastinstitution. Xier hat die kollektiven Strukturen des unabhängigen Künstlerbuch- und Zine-Verlags in Berlin erforscht.

Birgit Bellmann
Barbara Hindahl
Carlos Silva
Andreas Wolf

Eröffnung: 15. März, 19 Uhr

Ausstellungsdauer: 17. März–14. April 2024
Öffnungszeiten: 
Sonntag: 14:30 –17:30 Uhr | Montag: 17:30–21:30 Uhr
und nach vorheriger Vereinbarung per E-Mail

Die Ausstellung bei Wolf & Galentz ist die erste in der neuen Reihe konkret abstrakt, die sich Strömungen des zeitgenössischen, nicht gegenständlichen Bildes widmet. Prozesshafte Bildentwicklung trifft auf konzeptuelle Herangehensweisen, Op-Art auf abgezeichnete Krakeleien, genau Geplantes auf monate-lange Intuition in Zeitlupe.

Neben Werken der vier Künstler:innen werden im 
Kabinett der Galerie auch Arbeiten des verstorbenen 
Op-Art-Künstlers Jürgen Peters zu sehen sein.

Abbildung: Birgit Bellmann green groups_d, Sprühlack auf Aluminium, 85 x 85 cm, 2023 (Detail)

Ich habe immer versucht, mit meiner Arbeit die Menschlichkeit auszudrücken. Das, was es bedeutet, ein zerbrechliches menschliches Wesen zu sein. Ich hoffe, dass meine Kunst die Toleranz und das Verständnis zwischen den Menschen fördern wird. Oft haben meine Arbeiten die Form eines Mannes oder einer Frau und manchmal eines Hundes.

Als Material verwende ich meist Holz.

Joakim Sederholm

Artwork. Sorrow, 2023, 21 x 21 x 83 cm, bemaltes Holz

Toolbox Kabinett: Anton Laiko

NFTs aus der Sammlung @AWahllos

Pilvi Ojala

Mein Interesse gilt der Art und Weise, wie die Dinge installiert werden. Zum Beispiel sind Bühnenbild, Illusionen, künstlich und „authentisch“ Themen, die mich faszinieren. Darüber hinaus interessiere ich mich auch für Museen. Kunstmuseen, historische Museen, biologische, wissenschaftliche, Theater- und Filmmuseen, nicht zu vergessen die Museen, die Kuriositäten aller Art zeigen.

Als Mensch bin ich neugierig. Als Künstlerin wechsle ich von einer Technik und einem Medium zum anderen, was als Konzentrationsschwäche erscheinen mag. Ich male, ich zeichne, ich mache Animationen und ich baue dreidimensionale Werke. Obwohl für mich das Grundmotiv eines Künstlers darin besteht, alle Arten von visuellem Material zu sammeln, es zu bearbeiten und ein visuelles Kunstwerk zu komponieren. Ich bin wie ein Sammler, der die Welt um mich herum beobachtet, entdeckt und verdaut.

Für mich ist Kunst ein Medium, um verschiedene meiner Interessen zu kombinieren und somit eine Art persönliche Wunderkammer zu schaffen. Sie ist eine Möglichkeit, mich auszudrücken und ein Versuch, mich in die Welt hineinzuversetzen und sie zu verstehen.

Toolbox Kabinett: Jakob Roepke

Provakant, obszön, zärtlich und augenzwinkernd lädt der rumänische Künstler Răzvan Lucian Bugnariu zu einer Reise in seine Welt: Bugnarius Objekte sind aufgeladen mit Gefühlen, Gedanken und Botschaften, die direkt und herausfordernd erscheinen, und doch immer intim und zerbrechlich anmuten. Die farbintensiven und an der Naiven Kunst angelehnten Bilder und Polaroids, die bewusst ungelenk erscheinen und doch punktgenau die Betrachtenden mit ihrern Botschaften zu Sexualität, Kirche, Glauben, Keuschheit und Wahrheit konfrontieren, beeindrucken durch ihre Wirkungskraft.

Bugnariu verarbeitet und dokumentiert seine leidvolle Reise aus einer transsylvanischen Kleinstadt, in der er schon als Kind wegen seines Andersseins gemobbt wurde. Von den Eltern gezwungen, lebte er jahrelang als orthodoxer Mönch, für sein homosexuelles Begehren als Sünder abgestempelt. Erst eine lebensbedrohliche Krankheit machte ihm schmerzhaft deutlich, dass Lebenszeit zu kostbar ist, um nicht authentisch zu leben: in seiner Kunst und in seiner Liebe zu Männern.

Heute lebt Bugnariu als queerer Flüchtling in Kopenhagen und Berlin und lebt endlich seine Queerness und Kreativität aus. Die Stärke seiner Arbeiten ist ihre Reinheit, und der Mut des Künstlers schonungslos offen existentielle Themen und Tabus aufzugreifen, brutal und ehrlich. Das Team von PINK.ART freut sich, seine erste Soloausstellung in Berlin zu präsentieren.

https://www.razvanlucianbugnariu.com/artworks18

Kulturpalast Wedding International zu Gast bei Euro Tourism Management:

Open Studio bei Maarja Nurk und Line Wasner: „Büsche“ / Malerei, Installation und Performance. Eröffnung am Freitag, 28.April 2023 um 20 UHR im ETM, Warschauer Str. 10, 10243 Berlin. Im April verlassen wir den Palast für eine Nacht, um uns dahin zu begeben, wo die Kunst entsteht- in die Ateliers und Arbeitsräume. Wir nehmen unseren Tresen, Personal und Gäste einfach mit und besuchen einen Zwischennutzungsraum, den die deutsch-estnischen KünstlerInnen Line Wasner und Maarja Nurk innerhalb der letzten 3 Monate für ein Arbeitsvorhaben angemietet hatten. Entstanden ist eine ausufernde Naturbetrachtung als Rauminstallation. Ein Ausflug ins Grüne. Wir freuen uns über Begleitung. An diesem Abend bleibt der Kulturpalast geschlossen.

Antoine Lortie hinterfragt die Rolle und Zukunft des Künstlers in einer Gesellschaft der virtuellen Interaktionen, der Unterhaltung und der Überwachung, der Privatisierung des Imaginären, der Macht von Algorithmen und der Polarisierungen.
In einem Kontext, in dem das zeitgenössische Kunstschaffen größtenteils von öffentlicher Förderung abhängt, untersucht er die Fallstricke der ideologischen und normativen Vorschriften, die den Ausschreibungen von Wettbewerben zugrunde liegen, für die Entfaltung und die Verbreitung neuer Praktiken und unterstreicht die Notwendigkeit für jede neue Generation von Kunstschaffenden, ihre eigenen Codes zu erfinden und neue Verträge zu fordern.
Für seine erste Einzelausstellung in Europa lässt sich dieser postdigitale Künstler ganz selbstverständlich von seinen neuen Musen Basiops, Princess Institutiona und Princess Politica sowie von seinem eigenen Avatar Agrophobe begleiten. Die Ausstellung bietet Gelegenheit zu beobachten, wie er die treibende Kraft der grundsätzlichsten Diktate innerhalb der öffentlichen Finanzierungsnetze umleitet, Dekolonialismus, soziale Gerechtigkeit, Klimaverantwortung (u.a.), um eine Maschinerie in Gang zu setzen, die aus der Aneignung von Raumschiffen und Figuren, die direkt aus japanischen Anime zu stammen scheinen, aus 3D „objets trouvés“, recycelten Environments aus Videospielen und virtuellen Realitäten besteht. Ein digitales Potpourri, genährt von einem alchemistischen Humus aus Ablehnungsschreiben und konkreten Beispielen von Zensur, dass sich auch in der Malerei und der Bildhauerei wiederfinden lässt. Zwei Gattungen, mit deren Codes er ebenso geschickt und bevorzugt spielt wie mit Maus und Tastatur und die der Künstler nutzt, um einen hybriden und transmateriellen kollektiven Alltag darzustellen, der durch die zunehmende Durchdringung von virtuellen und physischen Welten gekennzeichnet ist.
Ein origineller Ansatz und ein mitreißender Vorschlag, der von philosophischen Überlegungen zur Kybernetik und zum Posthumanismus sowie von einem starken Wunsch nach regem Austausch getragen wird, der in einer Reihe von Diagrammen zum Ausdruck kommt, die Wege in Richtung Freiheit, Leichtigkeit und Futurität aufzeigen. Tiny Domingos

Mit Tales from the DxCOLONIZER knüpft ROSALUX an seine ursprüngliche Bestimmung als Plattform für die Reflexion zeitgenössischen Schaffens an. Das Format der Ausstellung wird evolutiv sein. Online- und Offline-Aktivitäten werden im Laufe der Ausstellung entwickelt. Bitte besuchen Sie unsere Website und unsere sozialen Netzwerke, um diese zu verfolgen.

Geboren 1989, Québec. Antoine Lortie erhielt seinen Bachelor of Fine Arts an der Laval University im Jahr 2013 und seinen Master of Fine Arts (MFA) mit Auszeichnung an der Royal Academy of Fine Arts in Brüssel im Jahr 2016. Er lebt und arbeitet derzeit in Québec City. Seine Arbeiten sind Teil der Sammlung des Musée national des beaux-arts du Québec und sind in mehreren Privatsammlungen in Frankreich, England, Belgien und Kanada vertreten.

Mit freundlicher Unterstützung der Vertretung der Regierung von Québec in Berlin

OHNE TITEL

Agnieszka Borkowska und Andrzej Koston zeigen Objekte und Malerei.

Die Vernissage findet am 28.04.2023 ab 19:00 Uhr statt
Die Öffnungszeiten sind:
Samstag und Sonntag von 14:00 – 18:00 Uhr

Do – So 14 – 18 Uhr,
Freitag 28. April: 14 – 21 Uhr

Vicious Cycle

Artistic Research on Climate Crisis

Cammack Lindsey | Gülşah Mursaloğlu | Sybille Neumeyer

Der Workshop vermittelt einen Einblick in die künstlerische Praxis und Forschung des südkoreanischen Künstlerinnenkollektivs RICE BREWING SISTERS CLUB (RBSC). Im Mittelpunkt ihrer Arbeit steht der Ansatz der „sozialen Fermentation“, den sie mit den Teilnehmer:innen erkunden werden. In dem Workshop werden die RBSC ihr neues Kunstprojekt TERRESTRIAL-CELESTIAL vorstellen, das während ihrer aktuellen Residenz in Berlin (seit April 2022 – laufend) in Verbindung mit Berliner Gemeinschaftsgärten und Gärtner:innen entstanden ist.

Der Titel der Ausstellung „Vicious Cycle“ (Teufelskreis) bezieht sich auf diesen geschlossenen Kreislauf von menschlicher Umweltverschmutzung und deren Rückführung in den menschlichen und nichtmenschlichen Körper. In der Ausstellung befassen sich die Künstler in ihren investigativen und forschungsorientierten Arbeiten mit dem Problem des Mikroplastiks im Boden, den Auswirkungen des Klimawandels und den Folgen übermäßiger landwirtschaftlicher Aktivitäten auf Wasser, Boden, Tiere und Wildtiere. Mehr lesen unter https://artlaboratory-berlin.org/de/ausstellungen/

Ute Lindner und Patrick Huber.

touché verbindet die örtliche und inhaltliche Nähe der Betreiber*innen der Ausstellungsorte COPYRIGHTberlin und Kronenboden, die seit 15 Jahren nebeneinander internationale Kunst zeigen. Das Thema der Berührung wird in zweierlei Hinsicht aufgegriffen: Zum einen über den Austausch untereinander und zum anderen über die Technik, die die Exponate miteinander verbindet, denn es handelt sich um Fotogramme im erweiterten Sinne.

Kronenboden zeigt Ute Lindners Langzeitbelichtungen von Museumswänden, auf denen Gemälde über 30 Jahre ihre Schatten hinterlassen haben. Kombiniert werden diese mit Patrick Hubers schamlos-frechen Fotogrammen von Dessous auf Omas Damast-Stoffe mithilfe des Cyanotypie-Verfahrens. Die gebrauchten Stoffe, aus denen sinnbildlich die eigenen Träume gemacht sind, werden hier humorvoll umgedeutet.

COPYRIGHTberlin zeigt die „Handygramme“ von Karen Stuke aus den 90er-Jahren, bei denen das Licht der Displays das Fotopapier belichtete. Sie werden ergänzt durch Arbeiten aus der Zeit des Lockdowns, den „Italogrammen“ aus der Serie Finding Italy in My Kitchen, ein Versuch, dem verordneten Gefängnis über die Küche zu entfliehen.

• „A portrait of the AI as a young Cyber Oracle“ – Interactive Installation und Oper 2019
  Die Arbeit zielt darauf ab, die Erschaffung einer künstlichen Intelligenz und ihre Funktionsweise einer breiten Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Dabei geht es um die Reproduktion von Vorurteilen in Programmierungen, den Verlust der Kontrolle in einer von Maschinen überwachten Welt und die Utopie, ein allwissendes Big-Data-Orakel zu befragen. Das Publikum kreiert mittels des Programms Texte und Musik, auf welche eine Opernsängerin improvisiert.
• „Heimatmaschine“ Interactive Installation 2020
  Das emotional aufgeladene Konzept der „Heimat“ wird mit vermeintlich rein rationaler Technologie konfrontiert. In aktuellen deutschen Parteiprogrammen, Literatur und wissenschaftlichen Texten wird eine künstliche Intelligenz geschult, um unsere kulturellen Daten zu den Themen Heimat und Zugehörigkeit zu interpretieren und uns zu sagen, was diese Begriffe in einer ungewissen Zukunft tatsächlich bedeuten könnten.
• „Remote Rules and Rituals“ Performance 2021
  Wie können die Rituale des Theaters genutzt werden können um die Ritualhaftigkeit spiritueller Maschinen darzustellen und Vorhersagen über eine ungewisse Zukunft zu treffen? Das Publikum wurde eingeladen, aktiv teilzunehmen, das Zuhause zu erkunden und Alltagsgegenstände mit neuen Bedeutungen aufzuladen ohne die eigenen vier Wände zu verlassen.
• „Dichotomy“ Installation 2021
  Die Installation visualisiert die Zusammenhänge von Mustererkennung und Begriffen, welche sich mit Hoffnungen und Ängsten in Assoziation mit künstlicher Intelligenz beschäftigen.

Patrick Huber, Ute Lindner, Karen Stuke

touché verbindet die örtliche und inhaltliche Nähe der Betreiber*innen beider Ausstellungsorte, die seit 15 Jahren nebeneinander internationale Kunst zeigen. Das Thema der Berührung wird in zweierlei Hinsicht aufgegriffen: Zum einen über den Austausch untereinander und zum anderen über die Technik, die die Exponate miteinander verbindet, denn es handelt sich um Fotogramme im erweiterten Sinne.

Kronenboden zeigt Ute Lindners Langzeitbelichtungen von Museumswänden, auf denen Gemälde über 30 Jahre ihre Schatten hinterlassen haben. Kombiniert werden diese mit Patrick Hubers schamlos-frechen Fotogrammen von Dessous auf Omas Damast-Stoffe mithilfe des Cyanotypie-Verfahrens. Die gebrauchten Stoffe, aus denen sinnbildlich die eigenen Träume gemacht sind, werden hier humorvoll umgedeutet.

COPYRIGHTberlin zeigt die „Handygramme“ von Karen Stuke aus den 90er-Jahren, bei denen das Licht der Displays das Fotopapier belichtete. Sie werden ergänzt durch Arbeiten aus der Zeit des Lockdowns, den „Italogrammen“ aus der Serie Finding Italy in My Kitchen, ein Versuch, dem verordneten Gefängnis über die Küche zu entfliehen.

Tiia Matikainen

Eine menschliche Figur, die von einem schützenden Netz aus Pflanzen und Erde umhüllt ist, steht im Mittelpunkt der neuesten Skulpturen von Tiia Matikainen. Formen von Wurzeln und Sanddünen, die auf Tonoberflächen gemeißelt sind, nehmen die Gestalt von seltsamen Waldbewohnern an. Für die Künstlerin sind diese Skulpturen Wächterfiguren, eine schützende Schicht zwischen dem Menschen und der umgebenden Welt.

Der Wald und die damit verbundene finnische Mythologie sind wichtige Inspirationen für die künstlerische Arbeit von Matikainen. Eine der interessantesten ist die Vorstellung, vom Wald versteckt zu werden. Geister können diejenigen, die sich dort bewegen, dazu verlocken, sich in einer absurden Welt zu verlieren und aus dem Blickfeld der anderen zu verschwinden.

Das Verstecktsein im Wald steht nicht nur für Angst, sondern auch für Sicherheit und Verbundenheit mit der Natur, denn der Wald und seine Pflanzenwelt schützen uns und alles Leben auf unserem Planeten.
– Eins zu sein mit dem Wald, so dass man schließlich das Gefühl hat, sich in seinen Tiefen verloren zu haben.
Tiia Matikainen (geb. 1975, Kitee, Finnland) ist Bildhauerin und Keramikerin. Sie schloss 2002 den Master of Arts an der Universität für Kunst und Design Helsinki ab und lebt und arbeitet derzeit in Mänttä.

Weitere Informationen: http://www.tiiamatikainen.com

Toolbox Kabinett: Anna-Maria Balov (Berlin)

Kunst Studio 16 ist seit 2020 aktiv. Wir sind ein Projektraum, der meistens sowohl als Ausstellungsraum als auch Atelier und Dunkelkammer genutzt wird.

Der Ausstellungsraum hat im Oktober 2021, innerhalb eines Austausch Projekts bei dem der rumänische Künstler Andrei Ispas eingeladen war, eröffnet.

Araiké Da Silva und Severin Messenbrink arbeiten aktiv vor Ort und bieten Workshops für analoge Fotografie und Malerei/Zeichnung an.

Unser Fokus ist der Bezirk Wedding, im besonderen der Soldiner Kiez, den wir als einen kultureller Ort mit künstlerischem Austausch für alle mit-gestalten möchten.

Juha Sääski
Joyful light and gloomy shadows

Nadja Schöllhammer
Human Tangle

284.-25.5. 2024

Eröffnung: Fr 26.4. 2024, 19-21 Uhr

Galerie/Projektraum TOOLBOX
Koloniestraße 120
13359 Berlin Wedding
Mi–Sa 15–19 Uhr
U Bahn Osloerstraße

Mortality is elsewhere, mixed media on paper (watercolour, acrylic, colouring pencil, drawing charcoal on paper), 40 x 60 cm, 2022

Juha Sääski
Joyful light and gloomy shadows

Juha Sääski zeigt eine Sammlung von Mixed-Media-Arbeiten, die sich mit Licht und Schatten des menschlichen Lebens befassen. Mischtechnik bedeutet in diesem Fall: Acrylfarbe, Aquarellfarbe, Farbstift, Zeichenkohle, Bleistift auf Papier.

Ausgangspunkt für dieses Thema war eine eigene Erfahrung mit der fragilen Trennlinie zwischen Leben und Tod. Die Arbeiten sind in zwei Bereiche aufgeteilt, der größere Bereich ist gefüllt mit der bunten und fröhlichen Welt des Lebens, der kleinere Bereich zeigt schwarz-weiß und die kalten Schatten des Todes.

Sääski verwendet klischeehafte, naive, fröhliche und traurige widersprüchliche Elemente und einige humoristische Mittel. Indem er tragisch-komische und widersprüchliche Elemente kombiniert, versucht er, die Paradoxien, die Zerbrechlichkeit und die Schönheit des menschlichen Lebens zu beschreiben.

Nach Charlie Chaplin: „Das Leben ist aus der Nähe tragisch, aber aus der Ferne komisch“.

Juha Sääski ist ein finnischer Künstler, der 1952 in Helsinki geboren wurde und im Westen und Süden Finnlands lebt und arbeitet. Er hat hauptsächlich in Finnland, aber auch international ausgestellt, in Berlin in mehreren Einzel- und Gruppenausstellungen und in Deutschland u.a. in der Galerie Nord, Nürnberg, Galerie Nord/Kunstverein Tiergarten Berlin, Ludwig Museum, Koblenz und Kunstverein & Kunsthaus Viernheim. Sääski hat auch an Ausstellungen in Großbritannien, den USA, Schweden, Italien und Estland teilgenommen. Weitere Informationen und Lebenslauf auf den Homepages: www.juha-saaski.fi und auch www.galerietoolbox.com.

Ghosts at work (I)

Nadja Schöllhammer: “Ghosts at work (I)”, 2011/2024 ,
Papier, Cut-Outs, Zeitungsfragmente, Leim, Heißkleber, Tusche, Holz, Eierschale und Pflanzenteile,
53 x 72 x 20 cm
Foto und © Nadja Schöllhammer

Nadja Schöllhammer
Human Tangle

Nadja Schöllhammer erfindet Methoden des expandierenden Zeichnens. In der Galerie Toolbox zeigt sie eine Auswahl von Zeichnungen und Papierassemblagen. Schöllhammers Interesse gilt der Verwandlungsfähigkeit des menschlichen Bewusstseins und dem Zusammenhang zwischen individueller und kollektiver Existenz. In ihrer Werkgruppe „Human Tangle“ arbeitet sie mit zeichnerischen Transformationen menschlicher Körperformen. Mit Stift, Skalpell, Heißkleber und Tusche erforscht sie das Ausgangsmaterial Papier. Es entsteht ein Gewebe, in dem die individuellen Körper in einen größeren Organismus eingebunden sind.
Ihre Herangehensweise beschreibt sie folgendermaßen: „Durch expandierendes Zeichnen nähere ich mich einem Zustand, der in der sogenannten Wirklichkeit unmöglich scheint: Eine Parallelwelt, in denen die (vermeintlichen) Grenzen zwischen Mensch/Tier/Pflanze, männlich/weiblich, schön/hässlich verschwinden. Eine Gegenwelt zu gewohnten Wahrnehmungs- und Bedeutungshierarchien, in der vieles gleichzeitig möglich ist und Widersprüche aufgehoben sind.“
Nadja Schöllhammer, geb. 1971 in Esslingen am Neckar (D), hat zahlreiche Ausstellungen im In- und Ausland, z.B. bisher in der Kunsthalle Tübingen, Galerie Nord/ Kunstverein Tiergarten Berlin, Fengxian Museum, Shanghai, Marta Herford Museum, ARTER Istanbul, Arp Museum Rolandseck, Remagen u. v. m. Sowie zahlreiche Preise und Stipendien, u. a. vom Kunstfonds Bonn, Kunstpreis Künstlerhaus Schloss Balmoral, Berliner Senatsstipendium für Tokio, DAAD-Stipendien für Kolumbien und Mexiko, Akademie Schloss Solitude Stuttgart, u.v.m. Seit 2024 ist sie Professorin für Zeichnung an der Hochschule Hannover. Schöllhammer lebt und arbeitet in Berlin und Hannover. Mehr Info unter www.nadjaschoellhammer.de


Digging for identity – Künstlerduo Oskar Yves Atahr

Die Konstruktion von Identität auf unterschiedlichen Ebenen

Zuerst stellt sich die Frage welche Identitätsmaterialien die Kunst verwendet. Dann gibt es die Identitätsebene des Künstlers und zwar beginnend mit der Frage:
Was ist ein Künstler in unserer heutigen Welt, wer bestimmt das und was macht ihn aus?
Auf der nächsten Ebene stellt sich die Frage:
Was prägt eigentlich die Identität eines Individuums oder eines Künstlers? Orte prägen Identität mit, als Geburtsorte, Heimatorte oder als Orte, die einen anderen wichtigen Kontext für die Person besitzen.
Und letztendlich – Das ist dann die vierte Ebene –
spielen Menschen bei der Identitätsbildung eine wichtige Rolle. Denn Menschen um den Künstler herum prägen seine Identität(en) und die Personen, die den Raum betreten, sind wichtige Mitgestalter.

Fotos von der Veranstaltung finden sich auf:

https://my.hidrive.com/share/ohfb1nknuz#$/

Die Gruppenausstellung MATTER OF FLUX präsentiert drei künstlerische Projekte von WhiteFeather Hunter, Lyndsey Walsh und Shu Lea Cheang mit Ewen Chardronnet. Die ausgestellten Kunstwerke reflektieren kritisch über Natur, Materialität und Gesundheit weiblichen und nichtbinärer Körper durch künstlerische und wissenschaftliche Forschung: Sie erforschen die Verwendung von Menstruationsserum für Gewebekulturen, schlagen neue Formen der Pflege im Kontext weiblicher und nichtbinärer Gesundheit vor und diskutieren traditionelle und neue Möglichkeiten der Reproduktion. Im Zusammenhang mit der Gruppenausstellung wird Art Laboratory Berlin im Juni 2023 ein gleichnamiges Festival veranstalten, das ein breiteres Netzwerk von und für weibliche und nicht-binäre Künstlerinnen, Wissenschaftlerinnen und kulturelle(n) Akteur:innen in Kunst, (Natur)Wissenschaft und Technologie initiieren wird.

Art Laboratory Berlin
Prinzenallee 34, 13359 Berlin

DATEN UND ÖFFNUNGSZEITEN

Vernissage: 26. Mai 2023, 20 Uhr
Laufzeit: 27. Mai – 9. Juli 2023
Do – So, 14 – 18 Uhr

MATTER OF FLUX Festival

(in Kooperation mit FEMeeting)
Paneldiksussionen, Workshops, Lesegruppen und viele andere Aktivitäten von und für Frauen/ FLINTA* in Kunst, Wissenschaft und Technologie
15. – 18. Juni 2023
Mehr Informationen HIER!

WhiteFeather Hunters Projekt The Witch in the Lab Coat (seit 2019) ist ein künstlerisches Forschungsprojekt (in Arbeit), das die Überschneidung von feministischer Hexerei und Tissue Engineering durch die Entwicklung einer körper- und performance-basierten Laborpraxis erforscht. Derzeit führt Hunter ihr Projekt, das bis Mitte 2023 laufen wird, am SymbioticA International Centre of Excellence in Biological Art an der University of Western Australia durch. The Witch in the Lab Coat umfasst das Unterprojekt Mooncalf, eine originelle Forschungsarbeit von Hunter, bei der es um die wissenschaftliche und kulturelle Erforschung der Entwicklung von Menstruationsflüssigkeit zur Verwendung in Gewebekulturen sowie um die Isolierung multipotenter Stammzellen aus Menstruationsblut geht. Diese Forschungsarbeit wurde von Merck/Sigma-Aldrich anlässlich des Internationalen Tages der Frauen und Mädchen in der Wissenschaft 2021 im Rahmen der Reihe #nextgreatimpossible vorgestellt.

Das Projekt Self-Care von Lyndsey Walsh erforscht den persönlichen Weg der Künstlerin und die Versöhnung mit der Diagnose ihrer BRCA1-Genmutation und die Auswirkungen von Präventionsmaßnahmen auf ihr Körpergefühl und ihre Vorstellungen von Selbstfürsorge. Self-Care stellt eine Realität vor, in der eine Person die Verantwortung für ihre Krebserkrankung übernehmen kann, entweder bevor sie an Krebs erkrankt sind oder nachdem er aus ihrem Körper entfernt wurde. Durch dieses Gerät wird die Erzählung von Krebs als körperlichem Feind in eine Erzählung über Pflegesysteme umgewandelt. Das Individuum bzw. die Trägerin des Geräts erhält die Möglichkeit, ihren Krebs als eine Erweiterung ihres eigenen Selbsts kennenzulernen, indem er sie mit Hilfe einer neuen technowissenschaftlichen Prothese annimmt. Self-Care ist ein künstlerischer Versuch, sich mit den Brüchen in der Identität auseinanderzusetzen, die durch den zunehmenden Einsatz der Gendiagnostik in der Medizin verursacht werden. Unter Verwendung des eigenen Körpers der Künstlerin webt Self-Care eine Erzählung über Gesundheit, Geschlecht und Identität, die versucht, sich den Grenzen des medizinischen Blicks zu widersetzen. Die Arbeit besteht aus einer speziell entworfenen Brustbinde, in der sich lebende Brustkrebszellen befinden, die es der Künstlerin ermöglichen, die Verantwortung für ihre Krebserkrankung zu übernehmen, bevor diese in ihrem Körper auftritt. Durch diese Vorrichtung erforscht die Künstlerin Pflegesysteme und rekontextualisiert die potenzielle Gewalt, die den Brüsten angetan wird, als Befreiung durch nichtbinären Geschlechtsausdruck.

Shu Lea Cheang wird zusammen mit Ewen Chardronnet das Projekt UNBORN0x9. Diese Kunstinstallation hinterfragt die Entwicklung von Föten in künstlichen Gebärmüttern außerhalb des Körpers (Ektogenese) und die Cyborg-Zukunft der Elternschaft. Das Projekt untersucht die Rolle der Geburtshilfe in der zunehmend technologischen Erfahrung der menschlichen Fortpflanzung und spekuliert über neue Arten der Bindung, die durch künstliche Gebärmütter entstehen können. Hier wird die Schwangerschaft in eine Hightech-Vision des Körpers als biologische Komponente eines kybernetischen Kommunikationssystems integriert. In Zusammenarbeit mit dem echOpen fablab, das sich mit der Entwicklung eines kostengünstigen opensource-basierten Echo-Stethoskops mit Smartphone-Anwendung befasst, hat UNBORN0X9 den Prototyp eines kreativen Werkzeugs geschmiedet und die (für Menschen) unhörbaren Ultraschallwellen in eine klangliche Konversation vergewandelt, die es Performer:innen und Musiker:innen ermöglicht, eine audiovisuelle und emotionale Ultraschallpartitur zu interpretieren. UNBORN0x9 ist eine Future Baby-Produktion, die von Shu Lea Cheang und Ewen Chardronnet zusammen mit zahlreichen Mitwirkenden initiiert wurde. Sie stellt das gemeinsame Bestreben dar, Themen wie die möglichen Auswirkungen der kostengünstigen Echo-Stethoskopie auf globale Gesundheitsprobleme, Fragen des Zugangs zu medizinischer Versorgung und Mutterschaft, Ektogenese und die Technisierung der Fortpflanzung sowie das Hin und Her zwischen der Science-Fiction-Fantasie und der Wissenschaft im Allgemeinen anzusprechen.

Art and Science. Encounter. By Prof. Dr. Anatoliy Kharkhurin
26.04.2024 ab 19:00 Uhr Eröffnung
um 20:00 Art Performance Experiment „Die Begegnung im Alltag“ (feat. Dr. Agniya Pasechnik)
03.05.2024 19:00 Uhr Vortrag „Paradox des kreativen Denkens“

Ein Dialog zwischen Kunst und Wissenschaft.
Wir verschmelzen die formale Sprache der Wissenschaft und die metaphorische Sprache der Kunst zu einer kohärenten Methode des kreativen Ausdrucks.
Anatoliy Kharkhurin, Ph.D. ist eine Mischung aus Künstler, Dichter und Wissenschaftler. Als Professor für Psychologie befasst er sich in seiner wissenschaftlichen Arbeit mit dem Zusammenspiel von Kreativität und Mehrsprachigkeit. Seine Forschungsergebnisse wurden in Monographien, Sammelbänden, wissenschaftlichen Zeitschriften und Enzyklopädien veröffentlicht. Doch sein Einfluss geht über die akademische Welt hinaus: Er hat das innovative Bildungsprogramm Plurilingual Intercultural Creative Keys (PICK) entwickelt, das mehrsprachige, interkulturelle und kreative Kompetenzen fördern soll. Anatoliys lebendige literarische Präsenz zeigt sich in seiner Initiierung des GOROD-Literaturprojekts in New York City und seinen umfangreichen Gedichtveröffentlichungen in Russland, Europa und den USA. Seine poetischen Bemühungen haben sich nach seinem Gedichtband „BCE“ weiterentwickelt und verbinden kognitive Psychologie mit poetischem Text und verschiedenen Kunstmedien. Derzeit sind seine experimentellen Arbeiten zwischen bildender Kunst und Poesie angesiedelt und werden in Ausstellungen in Berlin, Wien, Dubai und Moskau gezeigt.

Agniya Pasechnik ist eine Psychotherapeutin, die für ihre innovative Integration der Hypnotherapie in die klinische Praxis bekannt ist. Mit einem tiefen Interesse am psychologischen Phänomen der Begegnung erforscht sie die Anwendungen dieses Konzepts im Alltag und bezieht empirische Forschung effektiv in ihren therapeutischen Ansatz ein. Dr. Pasechnik ist außerdem Mitautor des PICK-Bildungsprogramms.

BAS CS-Galerie
Soldinerstr. 103, Berlin

Виставка «Графіка: Харківський осередок. Берлін 2024» об’єднала художників, які пов’язані з Харковом – одним із провідних центрів образотворчого мистецтва України. Мистецький осередок у Харкові був заснований у другій половині XVIII століття та набув потужного розвитку через діяльність у місті спеціалізованих навчальних закладів. В наш час Харків є головним художнім осередком сходу України. 

Виставка у Берліні презентує творчість художників різного віку, напрямків, творчих уподобань, але всі вони пов’язані через навчання в художніх навчальних закладах Харкова в різні часи. На виставці представлені роботи як провідних графіків Харківської школи, так і роботи молодих художників. Різноманітність графічних технік (офорт, літографія, ксилографія, акварель, туш, олівець, сепія, цифрова графіка тощо) демонструє широкий діапазон творчих можливостей та художніх стратегій. 

Під час війни в Україні харківські  художники продовжують працювати як у рідному місті, так і в різних країнах Європейського Союзу, де отримали захист. Ця виставка є формою підтримки митців прифронтового Харкова, які, незважаючи на суворі обставини воєнного стану в Україні, продовжують плідно працювати.

Куратор виставки док. Вячеслав Шуліка

Xудожникі:

Анжеліка Горгуновська
Віра Шашкова
Владислав Христенко
Вячеслав Старченко
Вячеслав Шуліка
Геннадій Лесничий
Дмитро Скляр
Жасмін Меліксетян
Ільдан Яхін
Катерина Барвінська
Катерина Гончаренко
Лариса Чайка
Максим Кілочко
Марія Десятнікова
Марія Филипенко
Михайло Ткач-Герман
Олександр Сердюк
Олександр Смородін
Олександр Якименко
Олександра Рудинець
Олексій Чорний
Ольга Бабак
Ольга Шуліка
Світлана Полякова
Роман Ногін
Таїсія Кравченко

Die Ausstellung „Grafik: Charkiwer Oseredok Berlin 2024“ vereint Künstler, die mit Charkiw verbunden sind – einem der führenden Zentren der bildenden Kunst in der Ukraine. Es wurde in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts gegründet und erlebte durch die Tätigkeit spezialisierter Bildungseinrichtungen in der Stadt eine starke Entwicklung. Heutzutage ist Charkiw das wichtigste Kunstzentrum im Osten der Ukraine.

Die Ausstellung in Berlin präsentiert die Werke von Künstlern unterschiedlichen Alters, Richtungen und künstlerischen Vorlieben, die jedoch alle durch ihre Ausbildung an den Kunsthochschulen Charkiws in verschiedenen Epochen miteinander verbunden sind. Die Ausstellung zeigt sowohl Werke führender Grafiker der Charkiwer Schule als auch Werke junger Künstler. Die Vielfalt der grafischen Techniken (Radierung, Lithografie, Holzschnitt, Aquarell, Tusche, Bleistift, Sepia, digitale Grafik etc.) zeigt die breite Palette der kreativen Möglichkeiten und künstlerischen Strategien.

Während des Krieges in der Ukraine arbeiten die Charkiwer Künstler sowohl in ihrer Heimatstadt als auch in verschiedenen Ländern der Europäischen Union, wo sie Schutz gefunden haben. Diese Ausstellung ist eine Form der Unterstützung der Künstler des kriegsnahen Charkiws, die trotz der schwierigen Umstände des Kriegszustands in der Ukraine weiterhin produktiv arbeiten.

                                                                                  Kurator der Ausstellung: Dr. Viacheslav Shulika

Künstler:

Anzhelika Horhunovska
Vira Shashkova
Vladyslav Khristenko
Viacheslav Starchenko
Viacheslav Shulika
Gennadii Lesnychyi
Dmitro Sklyar
Zhasmin Meliksetyan
Ildan Yakhin
Kateryna Barvinska
Kateryna Goncharenko
Larisa Tchaika
Maksym Kilochko
Maria Desiatnikova
Mariia Filipenko
Mykhailo Tkach-Herman
Oleksandr Serdiuk
Oleksandr Smorodin
Alexander Jakimenko
Oleksandra Rudynets
Alexej Tchernyi
Olga Babak
Olga Shulika
Svitlana Poliakova
Roman Nogin
Taisiia Kravchenko

Erstmals wird Yishay Garbasz' Fotoserie „In My Mother‘s Footsteps“ in Deutschland gezeigt, im Rahmen des Ausstellungsprogramms „3 Facets of Never Again“.

Die deutsch-israelische Künstlerin dokumentiert fotografisch eindrucksvoll die Stationen des Shoa-Überlebens ihrer Mutter. Die Arbeit über Trauma und das Schweigen sowie die Spuren, die es in Familie und Gesellschaft hinterlässt, entstand in einem 11 Jahre langen Prozess von Spurensuche und zahllosen Aufnahmen von den Orten des Geschehens. Dreizehn davon werden Seite an Seite mit den Worten ihrer Mutter als lebendige Chronik präsentiert – ein steiniger, teilnehmender Pfad und Gegenentwurf zum deutschen Eiertanz um Antisemitismus und der oftmals oberflächlichen Erinnerungskultur.

Das Prima Center Berlin selbst erhält zum 20-jährigen Jubiläum mit neuer, alter Führung ein queeres Makeover: Künstlerin Annamaria Balov und Journalistin Paula Balov, Erbinnen des vorherigen Betreibers und Künstlers Jovan Balov, setzen ab April seine Arbeit fort, unterstützt durch die Co-Kuratorin Jeanne Spada, den Freund*innenverein und Kolonie Wedding e. V. Der Fokus soll dabei auf queerer und (post-)migrantischer Kunst aus Berlin und Südosteuropa liegen, die geschlechtliche und nationale Zugehörigkeiten mit den Betrachter*innen bespricht, auch wenn sich keine abschließende Antwort finden lässt. Die Position zwischen den Stühlen Ost und West, in Berlin und Balkan, ist dafür bestens geeignet.

Über die Künstlerin: Yishay Garbasz ist eine interdisziplinäre Künstlerin mit Sitz in Berlin. In ihrer Arbeit erforscht sie das Erbe traumatischer Erinnerungen aus Krieg, Katastrophen und Marginalisierung. Ihr Prozess sucht das Unsichtbare sichtbar zu machen und das Unansehnliche zärtlich zu betrachten. Ihre Arbeiten wurden international in Einzel- und Gruppenausstellungen ausgestellt, darunter in Tokio, Seoul, New York, Miami, Boston, Berlin, Paris, London und auf der Busan-Biennale.

19.04., 19 Uhr - Vernissage
12.05., 19 Uhr - Finissage
 
Programm "3 Facets of Never Again"

Do What I Say or I Will Kill You Ausstellung @PixelGrain, 02.04.-02.05.
Rosenstr. 16, Mo-Fr 12-18 Uhr

The Only Rule of Making Good Art is to Punch Nazis, mit Tania Elstermeyer
Ausstellung @Spor Klübü, 26.04.-04.05.
Freienwalder Str 31, 27./28.04., 15-19 Uhr
Vernissage 26.04., Finissage 04.05, 19 Uhr

Ende November feiern wir den Fortbestand unserer kulturellen Ereignishalle mit einer SURVIVOR- SOLI- THANK YOU- GALA und einem Doppelkonzert. Live im Palast:

*Panika und Drop
2 Konzerte im Palast

Freitag, 29. November 2024
Beginn um 20 UHR

im
Kulturpalast Wedding International
Freienwalder Straße 20
13359 Berlin
www.kulturpalastwedding.com
info@kulturpalastwedding.com

Wer kann der kann und in ist wer drin ist: wir greifen in unseren Pool an auserlesenen Palastmusikanten und präsentieren mit Panika und Drop, zwei Bands der Local- Hero- SUV-Klasse.

Drop werfen alles was sie gerne mögen in einen Topf und kochen daraus ihr eigenes Groove- Jazz – Impro- Süppchen. Der Herd ist elektrisch, die Töpfe analog. Es wird solange gerührt bis die Küche endlich dreckig ist.

Panika arbeiten seit Jahren an der musikalischen Grundversorgung der nicht- arbeitenden Bevölkerung. Das Hungaro- Post- Punk- Psycho- Trio beschert der Zuhörerschaft einen letalen Surround- Sound der jeden Ohrenstöpsel tief ins Innenohr schießt und dort verdampfen lässt. Die Überlebenden können am nächsten Tag getrost ausschlafen und von einer besseren Welt träumen.

Es ist angerichtet. Wir freuen uns auf eine melange fatale.

Yö ry Artists‘ Association ist eine Verein für professionelle Künstler:innen aus verschiedenen Bereichen, die hauptsächlich in Helsinki tätig sind. YÖ in BERLIN ist eine Gruppenausstellung, die von Yö ry organisiert wird und Werke der im Verein vertretenen Künstler:innen präsentiert. Yö hat über 300 Mitglieder und eine Galerie in Helsinki in der Lönnrotinkatu. Die Räumlichkeiten stehen allen Künstler:innen zur Verfügung, nicht nur den Mitgliedern der Vereinigung. Yö ry ist nicht nur eine von Künstler:innen geführte Galerie, sondern ein Zusammenschluss von proaktiven und enthusiastischen Fachleuten aus verschiedenen Bereichen. Yö ist eine Bewegung und Gemeinschaft, deren aktives Handeln durch den Verein gefördert werden soll. Die große Mitgliederzahl ermöglicht es, auch die ehrgeizigsten Initiativen zu verwirklichen.

YÖ IN BERLIN ist der erste Ausstellungsaustausch zwischen Yö ry und der Galerie Toolbox. Die Ausstellung wird von den Gründungsmitgliedern von Toolbox zusammen mit den Yö ry-Mitgliedern Mia Makela und Henriikka Pöllänen kuratiert.

Die Ausstellung von Yö ry in der Galerie Toolbox umfasst Videokunst, visuelle Kunst und ein Portfolio-Schaufenster, in dem Sie die Werke der Yö ry-Mitglieder auf einem Bildschirm betrachten können. Die Videoarbeiten und Portfolios wurden im Rahmen eines offenen Aufrufs ausgewählt.

Alle Videos wurden in den 2020er-Jahren produziert. Die Videoarbeiten wurden für 3 verschiedene Vorführungsprogramme kuratiert. Remnants of the Wild präsentiert Videos von Earth Forces, Mia Makela und Lau Rämö, die unsere Partnerschaften mit der nicht-menschlichen Welt untersuchen. Tapestry of Time enthält Videoarbeiten von Johanna Väisänen, Hanna Råst, Joonas Jokiranta und Airbakers (Toivola & Wager), die den Widerhall der Vergangenheit in der Gegenwart aufdecken.

Close Encounters präsentiert eine Sammlung von Videos zur Erforschung von Intimität durch Performance-Kunst von Juhani Koivumäki, Kainulainen&Latva, Mari Hokkanen, Eoin O`Dowd, To Kosie, Sini Henttu und Ginko Shu.

Die Gemälde und Skulpturen in der Ausstellung bringen die Vielfalt der Materialien zum Ausdruck. Die Gemälde von Isabel Pathirane sind durch den starken Einsatz von Farbe und Ausdruckskraft miteinander verbunden. Tuomas Holst verwischt die Grenzen zwischen Malerei und Skulptur mit Werken, die aus recycelten Materialien hergestellt sind. Krista Blomqvists Serie „Creatures of the Night“ besteht aus Gemälden auf Kupfer, die sich im Laufe der Zeit entwickeln, während sich das Kupfer selbst verändert. Die Glasskulpturen von Henriikka Pöllänen und Kimmo Reinikka zeigen verschiedene Dimensionen des Materials Glas auf.

Das Kuratorenteam bestand aus den Toolbox-Gründungsmitgliedern Maija Helasvuo und Niina Räty in Zusammenarbeit mit den Vorstandsmitgliedern der Yö Association Mia Mäkelä und Henriikka Pöllänen.

Das Eröffnungsprogramm umfasst eine Performance von Tapani Pirog und einen Eröffnungsvortrag des Yö-Kuratorenteams.

Tapani Pirog wird  im Rahmen einer Ausstellungseröffnung eine neue performative Arbeit mit dem Titel Ich bin ein Baseball vorstellen, die für die Sammlung der Aamos Hillo Foundation erworben wurde.

Tapani Pirog ist ein in Helsinki lebender Ultramodernist und Postexpressionist.
https://www.instagram.com/aetherblau/
www.pirog.fi

Weitere Informationen zum Programm werden zu einem späteren Zeitpunkt auf den Websites von Yö und Toolbox verfügbar sein.

https://www.yory.fi/fi/etusivu


https://www.galerietoolbox.com/

Artwork: Johanna Väisänen

Residency: 10. Mai – 7. Juli 2024

COLLOQUIUM (mit Alice Cannavà und Karolina Żyniewicz): 21. Mai 2024, 19 Uhr (vor Ort!)
Freier Eintritt; Anmeldung erforderlich:
https://pretix.eu/artlaboratoryberlin/in-progress/4146152/

Public Visits: 31. Mai und 28 Juni 2024, 17 – 21 Uhr
Und donnerstags und freitags nach Vereinbarung:
alice@occultomagazine.com

Open Occulto Treffen: 2. Juli 2024, 18 Uhr

Die Herausgeberin von Occulto, Alice Cannavà, wird vom 10. Mai bis zum 7. Juli 2024 bei Art Laboratory Berlin mit einer Residency zu Gast sein und die kommende Ausgabe Occulto 8: Photographic, die im Juli 2024 erscheinen wird, redigieren und gestalten. Das temporäre Redaktionsstudio bei Art Laboratory Berlin bietet die Gelegenheit, die Arbeit bei der Entstehung eines Magazins zu öffnen und sichtbar zu machen, sein performatives Potenzial und den Reichtum seiner Nebenprodukte und Nebenwirkungen aufzudecken.

Occulto 8: Photographic befasst sich mit der Fotografie aus künstlerischer, historischer, technisch-wissenschaftlicher und ethischer Sicht und baut spielerisch auf dem transdisziplinären und genreübergreifenden Ansatz auf, den Occulto im Laufe der Jahre entwickelt hat. Wie üblich wird die Ausgabe reich bebilderte Essays mit Kunstprojekten und experimentellem Sound kombinieren. Zu den Beiträgen gehören unter anderem die Autorin und Medientheoretikerin Valie Djordjevic, die Filmemacherin Laura Lukitsch, das Londoner Alternative Photography Collective, und die Künstlerin und Fotografin Martina della Valle.

Die Öffentlichkeit ist eingeladen, die temporäre Redaktion ein weiteres Mal am 28. Juni 2024 zwischen 17 und 21 Uhr zu besuchen. Zu diesem Anlass wird in den Räumen des Art Laboratory Berlin Publishing Matters, ein kleiner temporärer Buchladen mit Editionen von Occulto, Art Laboratory Berlin und einer Auswahl von Verlagen, Künstler:innen und Kulturprojekten aus Berlin und darüber hinaus, eingerichtet. Margherita Pevere, Karolina Żyniewicz und Theresa Schubert, Sina Ribak, Chiara Garbellotto, Selen Solak und Para Journalsind unter den bestätigten Gästen, und weitere werden angekündigt. Es wird wieder eine Station zum Basteln von Zeitschriften für Kinder und Erwachsene geben, und das in Arbeit befindliche Archiv für Fotografie wird auch zum Stöbern zur Verfügung stehen.

Alice Cannavà ist eine unabhängige Kulturproduzentin, Designerin und Herausgeberin. Sie studierte Bildende Kunst in Mailand und Wien und besucht derzeit Kurse in Wissenschafts- und Technikgeschichte an der TU Berlin. Als Herausgeberin produziert sie Occulto Magazine – eine unabhängige Zeitschrift, die Naturwissenschaften, Humanistik und Künste zusammenbringt – und seit kurzem auch die Occulto Editions – eine vielfältige Landschaft von Zines, Künstlerbüchern und Sonderausgaben. Als Designerin ist sie in der Kulturszene aktiv: Zu den jüngsten und laufenden Kooperationen gehören die Kunst- und Forschungsplattform Art Laboratory Berlin, das feministische experimentelle Musikfestival Heroines of Sound (Berlin), das Zentrum für Kunst und Medientechnologie V2_, Lab for the Unstable Media (Rotterdam) und der Künstler und Forscher Martin Howse (Berlin/London). Als Kulturarbeiterin kuratiert und performt sie bei Veranstaltungen und Workshops in Berlin und darüber hinaus. Seit 2020 ist sie Teil des erweiterten Teams von Art Laboratory Berlin als Designerin und Programmierin von Print- und Digitalmedien. 2023 wurde sie Teil des Festivals und Netzwerks MATTER OF FLUX. 2024 gestaltete und produzierte sie das Buch MATTER OF FLUX. Art, Biopolitics, and Networks with Care, herausgegeben von Regine Rapp.

Die Ausstellung „ASSASSINS“ von Nina E. Schönefeld zeigt ausgewählte Kurzfilme aus den Jahren 2018-2021, die sich mit politischen Aktivisten beschäftigen, die sich für politischen Wandel, Meinungsfreiheit und den Erhalt der Natur einsetzen. Die ausgewählten Videos haben einen Bezug zu aktuellen politischen und ökologischen Weltthemen.
Was alle Aktivisten in Schönefelds Videos eint, ist der extreme Wille, sich der allgegenwärtigen politischen Lähmung entgegenzustellen. Schönefelds „ASSASSINS“ gehen auf die Straße und schrecken, wenn nötig, auch vor Militanz nicht zurück.
Die Ausstellung umfasst die Videoarbeiten SNOW FOX (2018), ART IS MY REVENGE (2019), N.O.R.O.C.2.3. (2020) und C.O.N.T.A.M.I.N.A.T.I.O.N. (2021).

Nina E. Schönefeld wurde in Berlin geboren. Sie studierte an der Universität der Künste Berlin und am Royal College of Art in London. Ihre Arbeiten wurden u.a. in der Berlinischen Galerie, im Heidelberger Kunstverein, im Haus am Lützowplatz und in internationalen Institutionen wie dem Goethe-Institut Peking und dem Aram Art Museum Korea gezeigt. Neben ASSASSINS wird sie in diesem Jahr zwei weitere Einzelausstellungen präsentieren: RIDE OR DIE im KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst in Berlin und NO FUTURE HOPE im Lothringer 13 (München) in Kooperation mit den Münchner Kammerspielen. Nina E. Schönefeld lebt und arbeitet in Berlin.

Geöffnet Samstags 15-18 Uhr

Geführte Tour am Donnerstag, 13.06.24 um 10 Uhr

„Uff – Wohlbefinden durch aggressive Scheinlösung kognitiver Dissonanz als hegemoniale Leitkultur“
Thomas Behling
01. – 08.06.2024

Eröffnung/Opening: Fr/Fri, 31.05.2024, 19:00

Öffnungszeiten/Opening hours: Sa/Sat, 01.06. + So/Sun, 02.06., 15:00-18:00
03. – 08.06. nach Vereinbarung/by appointment, Tel.: +49-(0)179-8593744

Im Zuge des Klimawandels sind wir kurz davor, mehrere Kippmomente zu überschreiten, bei denen Kettenreaktionen ausgelöst werden, die eine nicht mehr zu stoppenden Weitererwärmung des Planeten über Jahrhunderte bedeuten – mit schweren klimatischen Veränderungen, Wetterextremen, Missernten, Hunger und Flucht apokalyptischen Ausmaßes. Ja, wirklich: glauben wir der Wissenschaft, so geht es darum, dass menschlicher Lebensraum in kontinentalen Ausmaßen verloren geht. Alles andere ist Aberglauben.

Der Gedanke daran ist sehr unangenehm, vor allem, wenn das eigene Verhalten dazu beiträgt, dass sich das Desaster nicht mehr abwenden lässt. Es gibt verschiedene Strategien, mit diesen sehr unangenehmen Gefühlen umzugehen. Eine sehr erfolgreiche Strategie ist, diejenigen zu bekämpfen, die für unsere unangenehmen Gefühle verantwortlich sind wie z. B. Wissenschaftler*innen oder andere „Klimaterrorist*innen“. Dies lässt sich nach Belieben mit verschiedenen anderen Strategien kombinieren wie z. B. diverse Formen von Aberglauben oder Brettvordemkopf. Da ist vieles sehr populär, wie z. B. die Idiotie, Wirtschaft gegen Umweltschutz ausspielen zu wollen oder die Freiheit zum unbegrenzten Konsum über Menschenleben zu stellen und zur unverhandelbaren Errungenschaft der Menschheit zu erheben oder eher symbolische Gesten zur Gewissensreinwaschung zu nutzen.

Wir befinden uns in der wohl schwersten Kulturkrise der Menschheitsgeschichte: Steht doch die gesamte menschliche Entwicklung der letzten 10 000 Jahre infrage. Müssen wir wirklich all das auf den Müll tun und uns zurück in die Altsteinzeit aushungern lassen – wohlgemerkt wohl in die aller düstersten Zeiten dieser, und das in dieser Düsternis auch noch bis zum Ende der menschlichen Existenz überhaupt (bei den letzten vergleichbaren Klimakatastrophen brauchte der Planet jedes Mal etwa 10 Millionen Jahre, um sich ökologisch wieder ganz davon zu erholen). Oder können wir in letzter Sekunde (also jetzt) doch noch eine gewaltige Transformation wagen, bei der wir wirklich schöne Errungenschaften unserer Kultur hinüber retten können, ohne dass es das ganz große Desaster wird?

Uff.

Thomas Behling beschäftigt sich in seiner Arbeit mit der Frage, wie sich in dieser Situation noch Kunst machen lässt. Er möchte mit seinen aktuellen Arbeiten zu einer Reflexion der Situation beitragen. Um das Ausmaß begreifen zu können, brauchen wir eine Perspektive, die uns eine größere Distanz gibt: Seine oft historischen Fundstücken nachempfundenen Objekte ebnen Erkenntnis über die Entlarvung von Schein, Täuschung und Verklärung. Er benutze überkommene Bild-Ästhetiken, weil sich darin viel mehr von unserer heutigen Weltsicht und unserm heutigen Denken verbirgt, als uns bewusst und recht ist. Mit vermeintlichen Überbleibsel einer früheren Zeit leitet er in die Krisen und Konfliktzonen der Gegenwart, damit das, was bereits durchlebt wurde, nicht vergebens war. In seinen Arbeiten verbirgt er vieles, was wir gerne sehen würden und zeigt, wie wir sehen wollen. Dabei geht auch er mit großer Freude sich selbst auf den Leim.

https://www.thomas-behling.de

Audiovisual Ambient Listening im Palast. One night show am letzten Tag im Mai.

Aspekte armenischer Malerei. Von Iwan Ajwazowski bis Narine Zolyan

Eröffnung: Freitag 29. August 2025 ab 19.00 Uhr.

Ausstellungsdauer bis Sonntag 28. September 2025.

Öffnungszeiten: Samstag 30. August von 13 bis 19 Uhr, Sonntag 31. August von 13 bis 19 Uhr und nach der Koloniewochenende nach Vereinbarung.

Seit 2008 präsentiert InteriorDAsein regelmäßig Positionen der armenischen Bildenden Kunst und beherbergt inzwischen eine Sammlung von Leinwänden und Papierarbeiten zahlreicher Künstler:innen armenischer Abstammung. Die Ausstellung „Aspekte armenischer Malerei. Von Iwan Ajwazowski bis Narine Zolyan” zeigt Werke aus dem Zeitraum von 1860 bis heute aus der Sammlung des Projektraums sowie als Leihgaben aus Berliner Sammlungen. Die Ausstellung lädt zum Gespräch über die Orientierungen und Entwicklungen in der Malerei einer Kulturnation ein, die seit der Antike um ihr Überleben kämpft und seit einigen Jahren erneut Vertreibung und das Leben in der Diaspora in Kauf nehmen muss.

Es werden Werke der Malerei und Druckgrafik von Künstler:innen gezeigt, die die armenische bildende Kunst maßgeblich beeinflusst haben:

Iwan Ajwazowski (1817-1900), Akob Kodjojan (1883-1959), Gohar Fermanjan (1899-1958),
Mariam Aslamazyan (1907-2006), Mher Abegyan (1909-1994), Tigran Tokmajyan (1923-2004), Petros Malayan (1927-1997), Gayane Khachaturyan (1942-2009) und anderen

sowie Werke zeitgenössische Künstler:innen:

Seda Bekaryan (1953 -), Narine Zolyan (1957 -), Narek Avetisyan (1969 -)  und anderen

Armenien ist ein altes Kulturland im Kaukasus, das stets um sein Überleben kämpfen musste. Über tausend Jahre lang war es zwischen Persien, dem Osmanischen Reich und seit Anfang des neunzehnten Jahrhunderts auch dem expandierenden Russland geteilt. Die Identität der Armenier blieb jedoch durch ihre eigene christliche Kirche, ihre alte indogermanische Sprache und Kultur bestehen. Erst im 20. Jahrhundert, nach dem Zerfall der russischen und osmanischen Reiche, erlangte ein kleiner Teil des historischen Siedlungsgebiets für vier Jahre eine kurze Unabhängigkeit. In dieser Zeit musste sich das Land nicht nur um die Überlebenden des Völkermords kümmern, sondern sich auch gegen den neu entstandenen türkischen Nationalstaat behaupten. Schließlich wurde es in die UdSSR eingegliedert. Die kurze kulturelle Blütezeit der Armenischen Sozialistischen Republik endete im Chaos, in erneuten Kriegen um Grenzen und Siedlungsgebiete sowie der Demontage gesellschaftlicher Strukturen. Die Republik Armenien, die einst selbst zahlreiche Intellektuelle aus der Diaspora in das Sowjetreich integrierte, würde von vielen Armeniern verlassen. Heute ist Armenien ein unabhängiger Staat, der wieder von Krieg, Bedrohung und Existenzangst geplagt wird. Es ist gut möglich, dass das Leben in der Diaspora und die Kultur im Allgemeinen zu den wichtigsten Grundsteinen des Überlebens als eigene Nation werden.

Die Armenier sind nicht orthodox und beten keine Ikonen an. Abbildungen waren aber auch nie verboten, wie es bei den Nachbarvölkern der Fall war. Armenische Manuskripte waren reich verziert und Kirchen waren mit Fresken und Mosaiken geschmückt. Die Verbindung zu Europa war seit Jahrhunderten eng. Dies geschah durch den gemeinsamen Glauben an Christus, den Handel, Diaspora-Zentren und später auch durch Studienreisen. Der letzte armenische König, der mit den Kreuzrittern ziehen musste, ist in Frankreich bestattet. Bedeutende Bibliotheken und Sammlungen armenischer Kunst sind in Portugal, Frankreich, aber auch in Deutschland zu finden.

Gohar Fermanjan „Porträtstudie“, 30er Jahre.

In Armenien entwickelte sich die Malerei als eigenständige Kunstform vergleichsweise spät. Russland spielte eine bemerkenswerte Rolle bei der Entstehung nationaler Malschulen. Auch Studienreisen nach Europa waren dafür entscheidend. Nach dem Zweiten Weltkrieg wanderten zahlreiche Künstler nach Sowjetarmenien aus und beeinflussten die Entwicklung der bildenden Kunst. Die Malerei der Jahre 1960 bis 1970 wird als Goldenes Zeitalter bezeichnet. Bemerkenswert ist, dass es in der armenischen Hauptstadt Jerewan mit dem 1972 eröffneten Museum für Moderne Kunst (MAMY) bis heute weltweit die einzige öffentlich zugängliche Sammlung armenischer moderner Kunst bleibt. Die Nationalgalerie Armeniens verfügt über eine umfangreiche Sammlung klassischer armenischer Kunst. Mehrere Filialen der Nationalgalerie und des Museums für Moderne Kunst präsentierten erfolgreich Sammlungen der Malerei, Plastik und Grafik in Dilidjan, Vanadzor, Gjumri, Dschermuk und Kapan. Selbst in der Republik Artsakh (1992–2024) gab es bis 2020 eine beachtliche Sammlung, die bei der Eroberung der Stadt durch aserbaidschanische Streitkräfte geplündert wurde. Das Schicksal der Kunstwerke ist heute völlig ungewiss.

Es werden immer wieder Versuche unternommen, die Frage zu beantworten, was die bildende Kunst Armeniens auszeichnet. 2015, zum hundertsten Jahrestag des Genozids an den Armeniern gab es einige Ausstellungen in Diaspora-Zentren, wie Paris oder Los-Angeles. Selbstverständlich entwickelt sich sowohl das Verständnis des Bildes als auch der künstlerischen Schöpfung weiter. Dialog, Vergleich, Zusammenstellung und Besprechung sind ein integrierter Bestandteil dieser Weiterentwicklung.

Die Ausstellung basiert auf die Sammlungen der armenischen Kunst aus Berlin. Wir danken Frau Carola Schild und Dr. Doctor Girajr Khoucharian für die Bereitschaft uns Kunstwerke auszuleihen.

Beitrag über die Ausstellung in der September-Ausgabe von ADK (Armenisch-Deutsche Korrespondenz) Nr. 208 als pdf:
ADK_Nr208_Aspekte

Sergey Parajanow (oder laut Wikipedia Sergei Iossifowitsch Paradschanow) war einer der bedeutendsten Filmregisseure der Sowjetunion. Gleich drei Nationen: Armenier, Georgier und Ukrainer beanspruchen ihn als ihr Volksgenie. Der am 9. Januar 1924 in Tiflis, Georgien, geborene Filmemacher studierte in Kiew, Ukraine, wo er auch seine ersten Filme drehte. Sein erster Spielfilm von 1965, Schatten vergessener Ahnen, der in Deutschland unter dem Titel Feuerpferde in die Kinos kam, wurde gleich im ersten Jahr seiner Uraufführung auf dem Filmfestival von Thessaloniki mit der Goldenen Medaille ausgezeichnet und erhielt Preise in Frankreich und England. In der Sowjetunion erlangte der Film Kultstatus. Sergej Parajanow wurde nicht nur durch seine Filme bekannt, die international große Beachtung fanden und vermutlich sogar Pier Paolo Pasolini beeinflussten, sondern auch als bildender Künstler und prominenter Häftling sowjetischer Lager. Federico Fellini unterstützte ihn jahrelang und versuchte, die internationale Aufmerksamkeit aufrecht zu halten. Parajanow wurde in Armenien sehr verehrt, sein Film Die Farbe des Granatapfels (1969) gilt bis heute als Ikone. 1988 wurde in der armenischen Hauptstadt Eriwan noch zu Lebzeiten des Filmemachers ein stattliches Museum eröffnet, das seinem Leben und Werk gewidmet ist. Sergej Parajanow starb 1990 in Jerewan. 2018-2019 widmete das Filmmuseum Potsdam dem Filmemacher eine große Ausstellung. InteriorDAsein als Projektraum mit integrierter Werkstatt für Präsentationslösungen unterstützte die Ausstellung mit der Rahmung einer Textilarbeit des Filmemachers und dem Rücktransport des Kunstwerks in das Museum nach Jerewan. Mit dem Direktor des Parajanow-Museums, Zaven Sargsyan, sind wir in engem Kontakt geblieben und freuen uns nun, in der Ausstellung zum 100. Geburtstag Parajanows auch seine Fotodokumentationen zeigen zu können, die er uns in Berlin in der Sammlung übergeben hat.

Zaven Sargsyan und Archi Galentz im Filmmuseum Potsdam, Dezember 2018.

Die Ausstellung, die am Freitag, den 29. November 2024, im InteriorDAsein eröffnet wird, ist bemerkenswert als Initiative armenischer Vereine, die in Deutschland lebende Landsleute einluden, den Geburtstag des bekannten Filmemachers mit Kunstwerken zu feiern. Anahid Babayan von der Armenischen Kulturgemeinde Leipzig e.V. organisierte den Aufruf und vermittelte die erste Ausstellung im Atelier von Eduard Panosian in der Leipziger Innenstadt. Am 30. August waren 25 Künstler in der Ausstellung vertreten. Danach wurde die Ausstellung nach Halle an der Saale eingeladen und von Ararat Kultur Halle-Hoffe Saale e.V. den Kunstinteressierten präsentiert. Nun kommt die Ausstellung nach InteriorDAsein, wo seit 2008 zahlreiche Ausstellungen auch der armenischen bildenden Kunst gewidmet waren. Wir freuen uns besonders, dass wir weitere Künstlerinnen und Künstler für diese Ausstellung gewinnen konnten. Sowohl aus Berlin als auch aus dem Ausland. Zu sehen sind Gemälde, Zeichnungen, Drucke, Collagen und Assemblagen, Fotografien und KI erzeugte Bilder. Die Liste der Künstler ist lang:

Elina Aboyan (Leipzig), Avo Arakelian (Berlin), Maria Arend (Berlin), Sirarpi Asatryan (Berlin), Avag Avagyan (Berlin), Suren Changlyan (Oldenburg), Zorik Davidyan (Chemnitz), Silvina der Meguerditchian (Berlin), Rosanna Eisenmenger-Karapetyan (Berlin), Samvel Gabrielian (Leipzig), Archi Galentz (Berlin), Stepan Gantralyan (Berlin), Sam Grigoryan (Berlin), Mariette Grigoryan (Bremen), Eva Harut (Dresden), Ararat Haydeyan (Saathain), Hasmik Hovsepyan-Haydeyan (Kleinkmehlen), Hratch Kaloustian (Halle Saale), Gagik Kurginian (Berlin), Elina Martirosyan (Berlin), Hakobyan Mkhitar (Siegen), Anahit Mkrtchyan (Oranienburg), Michail Schnittmann (Berlin), Nagash Tarzyan (Hürth), Ani Tiedemann (Oranienburg), Armen Vanetyan (Berlin), VAZO (Vazgen Pahlavuni Tadevosyan)(Die, Frankreich) und andere.

Am Sonntag den 1. Dezember ab 18 Uhr laden wir Sie zum musikalischen Abend mit Roksana Vikaluk, Ukrainische Sängerin, Komponistin und Multiinstrumentalistin. Im Rahmen der Gruppenausstellung zum 100. Jahrestag von Parajanov. Inspiriert vom Meisterwerk Schatten vergessener Ahnen trägt Roksana vocale Improvisationen ukrainischer Volkslieder vor und teilt mit uns einige Geschichten aus dem Leben ihrer Familie im Bezug zum über den großen Meister.

Die Ausstellung in InteriorDAsein bleibt bis 9. Januar 2025 und ist nach den Öffnungszeiten während Kolonie Wochenende nach Vereinbarung zugänglich.

Sehen Sie auch: https://armenier-leipzig.com/ausstellung-von-30-08-14-09-2024-100-geburtstag-sergey-parajanow-vernissage/

Ein Bericht auf englisch im Armenian Mirror Spectator, Boston, USA:

https://mirrorspectator.com/2024/12/19/armenian-artists-in-germany-unite-around-parajanov-anniversary/

„Blütenmaske“ ist ein Versuch künstlerischer Darstellung der Erfahrungen von Flucht, Trennung, Isolation und Fremdheit, die eine junge Frau aus der Ukraine seit mehr als 2 Jahren nach dem Kriegsbeginn in ihrer Heimat macht und die sie hier in Form von symbolischen Zeichnungen präsentiert. Die Illustrationen zu diesem Thema sind gleichzeitig mit den dramatischen Ereignissen entstanden und drücken ihre persönlichen Reflexionen über das Geschehene aus.
Anastasiia K. wurde 1996 in Saporischschja, Ukraine geboren und studierte Design an der Nationalen Luftfahrtuniversität sowie an der Staatlichen Akademie für Design und Kunst in Charkiw. Ihre Arbeiten wurden bereits in der Gruppenausstellung „War Knocked on the Door to my House“ in der Show Gallery, Los Angeles, 2023 gezeigt. Die Ausstellung „Blütenmaske“ ist ihre erste Einzelausstellung.

Künstlerinnen aus Wales und Berlin in Toolbox

Eröffnung: 28.6.2024, 19 Uhr
Ausstellung 30.6.-20.7.2024

Künstlerinnen:
Wales: Marja Bonada, Katie Cyfenw, Penny Hallas
Berlin: Susanne Ring

Öffnungszeiten. Mo–Do 15–19 Uhr

Susanne Moll

Zur Eröffnung spielen:

Juliane Heise – Akkordeon

Michael Vorfeld – Perkussion

„Zuhause Atem Fenster/Home Breath Window/Ev Nefes Pencere“
Özlem Sarıyıldız
29. 06. – 13.07.2024

Eröffnung: Fr, 28.06.2024, 19:00

Öffnungszeiten: Sa, 29.06. + So, 30.06., 15:00-18:00
01. – 13.07. nach Vereinbarung, Tel.: +49-(0)179-8593744

„Zuhause Atem Fenster/Home Breath Window/Ev Nefes Pencere“ ist eine Einzelausstellung von Özlem Sarıyıldız, die eine multimediale Installation mit Sound- und Videomaterial zeigt. In ihrer Arbeit verwendet Sarıyıldız die komplexe Klanglandschaft der Nacht des Putschversuchs 2016 in der Türkei sowohl als grundlegendes Element als auch als Metapher, um die weitläufige sozio-politische Landschaft des Landes zu artikulieren, die das Leben der Menschen in den folgenden Jahren tiefgreifend beeinflusste.

Die Ausstellung basiert auf einer umfassenden Archivrecherche von Materialien aus der Presse und dem Internet und reproduziert die Klanglandschaft jener turbulenten Nacht. Sarıyıldız sammelt auch persönliche Geschichten und Erzählungen, um ein Archiv der Gefühle zu schaffen, das eine emotionale Karte der Zerstörungskraft des Putschversuchs und der darauf folgenden gewalttätigen Reaktionen bietet. Darüber hinaus bietet die Ausstellung selbstreflexive Einblicke in ihre persönliche Migrationsgeschichte und erforscht Methoden zur Heilung von Traumata, wodurch sie sowohl als persönliche als auch als politische Erzählung positioniert wird. Dies lädt die Betrachtenden dazu ein, sich mit den umfassenderen Auswirkungen sozio-politischer Umwälzungen auseinanderzusetzen. Der Name der Ausstellung, der Etel Adnan entlehnt ist, bereichert diese vielschichtige Erzählung.

Website Özlem Sarıyıldız: https://utopictures.com/

Die Ausstellung ist Teil des Project Space Festival mit der Eröffnung am 28. Juni.
https://projectspacefestival.berlin/de

Foto: „Zuhause Atem Fenster/Home Breath Window/Ev Nefes Pencere“, video installation, 2024, Özlem Sarıyıldız

///////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////
Interview with Özlem Sarıyıldız by Şehnaz Layıkel Prange – On “Ev Nefes Pencere” / “Home Breath Window” – June 2024

First of all, I would like to share that it is a great pleasure for me to conduct this interview with you dear Özlem. As someone who has been following your concerns around making art and who is especially interested in the psychic aftermath of difficult experiences, I am very happy and curious about this exchange.
Thank you for proposing this interview and giving me the opportunity to reflect on my solo exhibition ‚Home Breath Window‘ together.

I would like to start with a question, the answer to which will hopefully give us a better idea about your concern regarding this work of yours. What was the moving motivation for you? And is there something specific you would like to achieve through this work?
This project has lingered in my mind for many years, a project whose direction and form I have intermittently focused on and then set aside. I have long known that I wanted to create a work based on the sounds of the coup attempt night, using that soundscape to reflect on what we experienced that night and the subsequent events. However, finding the form of the work and having the time to revisit it took a while.

In various conversations with my friends about the attempted coup night, I realised that there are many gaps in our memories of that night. Even though we discuss many recent events, we either recall that night in a way that hinders its details or avoid talking about it altogether. There are many reasons for this, which we might discuss later, but as I saw that this state of forgetting and remembering, which I initially assumed was unique to me, is a collective state, I wanted to produce a work that slightly uncovers what remains in our personal memories of that night, thereby partially airing out the memory and making the remembered a part of the collective memory. This work is the result of that desire and, if possible, serves as a naive tool for healing from that night.

As you have already mentioned, you focus on the sounds of the night more than images depicting the incident. Why did you choose sounds primarily?
In recent history, we have experienced many events largely through narratives constructed with images, and that is how we remember them. This does not mean that there are no common images in the collective memory of the coup attempt night; however, in my opinion, the way we experienced and recall that night is predominantly shaped by sounds rather than images: This night had a unique soundscape with distinct characteristics. Therefore, „Home Breath Window“ aims to partially recreate the chaotic and traumatic atmosphere through the sounds of the 2016 coup attempt night in Turkey, as we primarily witnessed it through sounds. I believe that this eerie soundscape has an intensity that creates a visceral impact, like a lump in the stomach, serving as a metaphor not only for that night but also for the broader socio-political landscape of the country. The violent sounds of that night can describe the night itself through their physical effects on the body. That is why I chose to focus on sounds rather than images when discussing the coup attempt night in this work.

In terms of visuality, you introduce a totally different video footage, which might at first instance look irrelevant, in addition to making use of existing images regarding the night in the news and it is the moving image of ploughing, i.e. moving snow away in layers. Why this metaphor? What does it represent for you?
These snow ploughing images, taken from live broadcasts of cameras on snow ploughing vehicles in Ankara in February 2021, have no direct connection to the coup attempt night and depict a different season. However, as soon as I saw these images, I felt I could speak about that night through a montage created with these distant images. The image I had been seeking had arrived!

As a metaphor, ploughing also highlights the relationship between social memory and individual memory. Revisiting events that have a room in our memories but have been covered and trying to make sense of them today, returning to that day through the emotions related to that night, and bringing those emotions back to light is part of this effort. In a sense, it is remembering that night by recalling the emotions of that night. This process is part of healing and rebuilding on both an individual and collective level, both while producing the work and while watching it together.

It is obvious that you rather focus on the emotional impact of the night. In the exhibition text, it is written that you would like to create “an archive of feelings”. It reminds us of Ann Cvetkovich ́s work with the same title (“An Archive of Feelings”), through which she introduces an alternative approach to trauma by focusing on feminist and queer experiences. Doing this, one of her main concerns was also depathologizing trauma. Could you please talk
a bit about your understanding of an archive of feelings? Is it a documentation process alternative to existing national narrative that has been created around the coup attempt or is it something more than this for you as in the case of Cvetkovich?
Ann Cvetkovich’s concept of ‚archive of feelings‘ has been a cornerstone in my work for the past seven years, including this project. Cvetkovich moves beyond viewing trauma strictly as a medical or psychological disorder by focusing on feminist and queer experiences. This approach highlights that trauma is both an individual and collective experience, emphasising its broader social and cultural dimensions. Cvetkovich argues that trauma reveals how personal experiences are understood within social and cultural contexts. This perspective is vital in my approach and a fundamental principle in the exhibition.

The archive aims to make visible the traces left by that night in our memories through personal stories and narratives. While official narratives are often shaped by political and military perspectives, my archive emphasises the emotional experiences of individuals. This approach aligns with both Cvetkovich’s conceptual framework and my political objectives.

I also would like to talk a bit about the title of the work. “Home Breath Window”. Of course, it has many associations. But I would like to hear it from you. Why, how and at which point did you decide upon this title?
The day I saw the snowplows and fully decided on the form of the work, it had a completely different name. The initial name referred to the inability to access knowledge in the short term, and the resulting unease in both the body and sociopolitical life. However, this name changed over time, paralleling the impact the work had on me. Gradually, I thought the name of the work should function intermittently, referring to ruptures, different openings, and breath intervals. The trio of words that appeared in English translations of the two different texts by Etel Adnan had already been circling in my mind for a long time as a striking image. However, encountering these words in the Turkish translations of the texts as ‚Ev Nefes Pencere‘ (Home Breath Window) created a closer and more profound connection for me due to both the sounds of the words in my native language and the impact of hearing them in my mother tongue. This trio could describe both my experience of the coup attempt night in Istanbul and all the decisions and states I went through afterward; it pointed to a constriction and an opening. This name expanded the work and seamlessly attached itself to it.

If we think of the title once again, all the words are directed in a way towards the inside. The first association that comes to my mind is someone sitting at home that night, listening to their own breath in the midst of all the chaos and looking outside through the window to try to understand what is going on. Does this association resonate with what you try to do?
Yes, this analogy reflects one aspect of the work. The name „Home Breath Window“ avoids distinguishing between inside and outside, yet sitting at home on that night, trying to understand what was happening amidst the chaos outside, perfectly captures the fundamental emotion at the heart of the work.

Could you please tell us a bit more about the process of the work? How did you decide on the
form and the content? How did you choose and inform your subjects? How did you manage the process? In other words, how did this all evolve for you?
I’ve already mentioned that the project lay dormant for a long time, but I began to find its form when I encountered the snowplows. This work could have been designed as a single-channel video; however, from the start, I had a clear vision of how I wanted the viewer to experience the piece. I knew I didn’t want the viewer to be locked into a single position while watching; instead, I wanted them to move physically between the sounds and images. Just as we lost our sense of direction in the unsettling atmosphere of that night, I wanted the viewer to lose their sense of orientation within the space. Therefore, I decided on a multi-screen design that spreads throughout the space. I established the dominant soundscape, a collage of noises from the internet, television, and streets, as the fundamental sound spread throughout the space. In this way, I created a sound that would kick the stomach of anyone who entered the space.

Apart from this archival research, I asked approximately 50 friends to record audio of their experiences from that night. I persistently choose to speak with my friends for this kind of work. These experiences do not aim to represent the entirety of that night; rather, they are a small effort to name and share the experiences we often discuss or avoid in casual conversations. Some of my friends said they didn’t want to revisit that night, so they didn’t send recordings. However, over 40 people shared their stories. I decided that the way these narratives were listened to had to be different from the sound collage spread throughout the space; to hear an individual voice within that chaos of sound required a deliberate, intentional gesture, not something passively experienced. Therefore, I chose a more intimate listening mode for these individual stories, one that could only be heard up close with headphones. In this way, the viewer would have the experience of listening at different levels with different gestures.

So, you gathered from your subjects what they lived through and what they remember about that night. Although we already know that traumatic memories are usually blurry and have gaps as you have also mentioned, it is remarkable how vivid and detailed most of their memories regarding that night are, perhaps due to the outstanding character of the experience and the processing of them afterwards. What would you like to say about these narratives? Is there anything specific you would like to share with us?
These experiences are very precious to me. Their content provides a compelling reason to rethink. They emphasise erasing the dichotomy between the collective and the individual, highlighting their interconnectedness and constant multi-directional osmosis. Before sharing their recordings, I messaged, called, or met with each friend in person. Many thought their experiences of the attempted coup night were too ordinary to be ‚useful‘ for this project. Others felt that their accounts might not be meaningful since they experienced the attempted coup outside of Turkey. Interestingly, there was a proximity in the ways people described their environment and atmosphere when they heard about the coup. They often depicted a clear divide between before and after. They mostly drew a detailed happy, peaceful summer scene, followed by a rupture that struck like a lightning bolt, bringing indefinite and bad news. These discussions and conversations helped us delve into the scope and meaning of the archive of feelings, as defined by Cvetkovich, which focuses on the emotional and psychological experiences of individuals. I am grateful to my friends for sharing their stories with me, as their openness made this work possible.

How did you plan the editing of the video footage and the sound recordings? How did you decide upon the sequence? Is there a specific feeling you would like to transfer through the editing? Another aspect that I noticed in the narratives is that the flow of the night was disrupted due to the coup attempt. In most of the narratives there is a depiction of before and after. Do you think that this disruption had an influence on the editing process of the work?
When planning the editing of this work, I aimed to reflect the fragmented and disrupted nature of the attempted coup night. The night was full of ruptures in both the flow of events and people’s experiences, lacking a linear flow, and its editing and presentation should reflect this. Therefore, I highlighted this fragmentation in the montage. This work attempts to create a montage using multiple monitors rather than one flat surface. While sequencing the audio and images, I considered the chaos, constant interruptions in information flow, and prevailing uncertainty. This was to ensure that the audience could recall or at least sense the same disruption and uncertainty. In individual recordings, people also separated their memories into before and after the events. I highlighted this fragmentation in the overall collage.

The work also has a triggering character due to its intensity. It brings us back to that night in a way with all its unbearable side. At the same time, we know that it is not so often that we talk about what had happened or what we lived through since the incident in such detail. Can we say that your work is in a way an attempt of opening “the black box” or starting a conversation, especially when we think of the nonverbal memory around traumatic events? In other words, is it an attempt of symbolising the nonverbal traces of the event?
Yes, absolutely. The work aims to start a conversation, both verbally and through its relation to nonverbal memories of traumatic events. Verbal conversation is important because words matter. However, the work also draws on nonverbal memories associated with such trauma.

Overall, not discussing the coup attempt for long led me to explore how sound impacts the body. In my view, recognizing nonverbal memory’s importance is essential for creating spaces and methods to express and process these memories, aiding healing and recovery from trauma. Nonetheless, this work also seeks verbal communication to discuss what remains in our memories and from our experiences and to write our histories with our narratives.

In contemporary queer theories on trauma, “rupture” is a frequently used concept together with its potentialities, especially for creating cracks in official narratives. You also mentioned the concepts of “rupture” and “healing” up to now. How do you view “rupture” as an experience in that sense? Do you also think that ruptures have a potentiality and if so can we call this a potentiality for “healing”?
Definitely! „Rupture“ is a significant concept used to challenge and create cracks in official narratives, allowing diverse experiences and identities to emerge. This idea disrupts monolithic representations and fosters new spaces for understanding and healing.

In my work, in line with these approaches, I view rupture as a critical tool for engaging with the past and envisioning new futures. Rupture, in this sense, is a crack for me, a way of claiming the world as a whole rather than asking for bits of it. By focusing on the sounds and fragmented memories of the coup attempt night, I aim to create a space for exploring these ruptures and initiating healing, aligning with queer trauma theories that see rupture as a site of potentiality for new forms of solidarity and understanding.

As far as I know, you experienced that night also in Turkey. Is there a resonance between your subjects ́ experiences and yours? Do your subjects perhaps in a way speak also in the name of you? Or put in another way, was formulating a statement of yours a concern for you while editing their experiences or do you situate yourself rather as a mediator?
Yes, I experienced the night of the coup attempt in Istanbul, amidst the very sounds depicted in the sound collage. I can say I resonate with each described individual experience. In this sense, I feel more like both the owner and listener of these experiences, rather than just a mediator. Ownership here is closer to taking responsibility than possession. These are not the exact experiences I had during the coup attempt, but they could have been mine; not the same, but close; not mine, but neighbouring experiences…

As you also know, the context that the work is exhibited always adds another level of meaning. What does the fact that the work is exhibited in Berlin, Wedding in summer of 2024 mean to you? How does this or might influence the work and its impact?
It’s hard to say. The context is established not only by the fact that this work is being done in this city today but more so by the fact that I am in this city today. This work allows me to reflect on the start of my migration to Germany and reconsider a common milestone for the ’new wave‘ of migrants. Creating a piece about that night means returning to the start of my migration journey and temporarily concluding the migration-related works I’ve pursued for the past ten years. In this sense,
this work serves as the epilogue to my oral history-based migration trilogy. An epilogue that reverses the process, constructing the future or the outcomes of the story by insisting on its memory, saying, ‚let’s do and let’s see.‘ However, I have to underline, this work is not about migration.

My intention was also to conclude the interview with two related questions. I know that your works mostly have a sociopolitical emphasis. What does it mean to you to do work on the sociopolitical issues of Turkey?
For me, this primarily means continuously establishing and rebuilding a connection with Turkey. However, I do not consider Turkey a self-contained entity; I evaluate it in the context of this work. This represents a position that emerges from the sum of my experiences and places of residence over the years. I am here now, but I am also there. There is no separation between these positions. I feel obligated to address the issues I care about, whether here, there, or in between. The claim is significant, but I always insist that we should not shy away from it: My works constantly question the impact of power on knowledge production and how it shapes social structures, insisting on writing our own history. In doing so, they become tools for establishing political subjectivity and aligning with those who seek to shape history. These works are a means of resistance and solidarity, a method for addressing the burning issues inside me, and a way to bring individual and collective memories closer together—a way of inhabiting the world. Talking about Turkey, in this sense, is part of this framework.

Lastly, I remember that, in one of our conversations, you mentioned that this is your last work on migration. Would you like to share with us why you reached this point and where your journey leads to?
For nearly ten years, I have been producing works utilising various materials and media, focusing on various aspects of migration, both in Turkey and Germany. Throughout this process, I believe I have addressed numerous issues that had accumulated and needed to be expressed. I cannot say exactly how long this process will continue, but for now, it feels like this period is coming to a close. That is why I refer to this work as an epilogue, the end of my migration trilogy. Now, it is time to focus on other things.

Thank you so much for sharing all this generously and I wish an impactful journey to your work.
Thank you! On this occasion, I want to thank Matthias Mayer from Spor Klübü and the workers of the Project Space Festival for hosting ‘Ev Nefes Pencere.’ Also, I thank all my friends once again for sharing their stories with me.

Simo Ripatti (Finnland) and Patrick Huber (Berlin) in Toolbox.

Eröffnung: 26. 7. 2024, 19 Uhr

Ausstellungsdauer 28.7.–24.8.2024

Simo Ripatti
Possessed, 2023
Videoinstallation

Die Arbeit beschreibt die Beobachtung auf der Grundlage der Erinnerung und wie die kontinuierliche Beobachtung neuer Dinge die Zuverlässigkeit des Erinnerungsbildes beeinflusst. Ausgangspunkt sind meine Gedanken über die Zufälligkeiten des Daseins und der Ereignisse und wie sie auf das eigene Verständnis treffen und dadurch einen Standpunkt bilden. Die dadurch gebildete Sichtweise bestimmt auch, wie die Erinnerung eingefärbt ist und wie lange man die Erinnerung als zuverlässig betrachten kann.
Die Wahrnehmung ist die Grundlage für den Bezug zur Realität, aber erst der Vergleich mit der Erinnerung, das Hinterfragen von Erinnerung und Wahrnehmung und das bewusste Denken bilden eine verlässliche Erfahrung. Meiner Meinung nach ist das in vielerlei Hinsicht das Merkmal, das die Erfahrung dieses Werks ausmacht.

Patrick Huber

Zeichnungen und Objekte

Patrick Huber: Füßeln – aus der Serie “Techtelmechtel”, Holz, Wachs, ca 100 x 40 cm

Öffnungszeiten: Mi–Sa 3–7 pm

Galerie/Projektraum TOOLBOX
Koloniestraße 120
13359 Berlin-Wedding
U-Bahn Osloerstraße

An Feiertagen ist die Toolbox geschlossen

Science Fiction is the Best Friction bei ROSALUX ist eine kollektive Ausstellung von Künstler:innen der Galerie Durden and Ray aus Los Angeles, Nixxxon aus Mexico City und Künstler:innen aus Berlin. Diese experimentelle Ausstellung zeigt Bilder und Szenarien von unvorhersehbaren Erfindungen und Kunstwerken als gestischen Versuch, sich mit der Entwicklung positiver zukünftiger Möglichkeiten auseinanderzusetzen und diese zu beeinflussen; hin zu nicht vollständig verstandenen Ergebnissen.
Science Fiction is the Best Friction kann eine amouröse Reibung zwischen den Künstler:innen, Objekten und Ideen für die Erfahrung dieses Ereignisses sein.

Teil der B-LA-M Kunstaustausch, der vom 27. Juni bis 14. Juli 2024 in Berlin stattfindet.

Oona Hylands Active Forgetting ist die erste von zwei Ausstellungen mit irischer zeitgenössischer Kunst bei Wolf & Galentz.
Thematisch zentral in Oona Hylands Arbeit ist das Vergessene und Verdrängte, das, was totgeschwiegen wird, Menschen, die mundtot gemacht worden sind. Ihr besonderes Interesse gilt der Erkundung von künstlerischen Mitteln, die die Prozesshaftigkeit des Vergessens und auch des Erinnerns nicht nur darstellen, sondern erlebbar machen.

Ausgehend von ihren bevorzugten künstlerischen Mitteln – Druckgrafik, Mokuhanga (japanischer Holzschnitt,Druck), Cyanotypie – erschafft die Künstlerin installative, kinetische Werke mit Zeichnung, Skulptur und Video, mit denen sie versucht, durch Bewegung und Erzählung Traumatisierungen darstellbar und erfahrbar zu machen. Statik und Stille – das Verstummen – kontrastiert sie mit dem Miteinander-Reden, das in der Zeit stattfindet und zwischen Menschen.

Die titelgebende Arbeit Active Forgetting beleuchtet den institutionellen Missbrauch in irischen Mutter- und Säuglingsheimen und den zugehörigen sogenannten Magdalene Laundries (Wäschereien), in denen unverheiratete schwangere Frauen interniert wurden und Zwangsarbeit leisten mussten (vom späten 19. Jahrhundert bis in die 1990er-Jahre). Viele der Frauen und ihrer Kinder sind in den Heimen gestorben, oft an Unterernährung. Erst seit den 2010er-Jahren wird dies in Irland öffentlich thematisiert. Oona Hylands eigene Mutter hat ihren ältesten Bruder in einem solchen Heim, dem Bon Secours Mother and Baby Home in Tuam, Irland, zur Welt gebracht, worüber in ihrer Familie lange Zeit nicht geredet wurde.

Vita:

Oona Hyland studierte Kinematografie am Ballyfermot College of Further Education (BCFE) Dublin, Irische Kunstgeschichte am Trinity College Dublin (TCD, Master 2017) sowie Art Research and Collaboration (Kunstforschung und Zusammenarbeit) am Institute of Art Design + Technology Dublin (IADT, Master 2022). Sie hat in den letzten Jahren an zahlreichen Residencies teilgenommen, darunter Fundació Joan Miró, Agalab Amsterdam, BKN Schweden und Edition Basel. Sie stand 2021 auf der Shortlist für den On Paper Print Award in Barcelona. 2022 erhielt sie den Emerging Artist Award des DLR in Dublin. 2021 wurde sie in die Royal Society of Painters/Printmakers in London aufgenommen. Sie ist Mitglied bei Graphic Studio Dublin und 9 Dragonheads. Oona Hyland lebt und arbeitet in Dublin.

Das Ausstellungsprojekt wird unterstützt von

Roberto Aarnio’s creative journey led to a new way of creating for him by exploring mundane materials like sandpaper and various adhesive tapes. While adhesive tape was not in any way new to him, it became an intriguing medium due to its challenging properties. Achieving a novel use required a sense of discipline. Different thoughts emerged during the creation of these works; some reflect personal journeys, while others are open to interpretation.

Brigitte Wilhelm – Arbeiten in Plexiglas

Eröffnung Samstag 20. Juli 18 Uhr

Die Künstlerin Brigitte Wilhelm (*1939) ist anwesend.

• Musik: Margarete Huber Gesang & Tomas Bächli Klavier

cantos blandos – weiche kanten
textilkunst und textile objekte von constanza carvajal

Vernissage 30.8.2024 19:00
Ausstellung vom 31.8 – 29.9.2024
Öffnungszeiten:
Freitags bis Sonntags von 14:00 bis 18:00

Kuratorin Urszula Usakowska-Wolff

mehr informationen über constanza carvajal:

www.constanzacarvajal.com

Constanza Carvajals immersive Textil-Installationen

Die in Santiago de Chile geborene, in Berlin lebende Künstlerin Constanza Carvajal schafft außergewöhnliche Textilobjekte an der Schnittstelle zwischen Malerei und Skulptur, zwischen Innen und Außen, zwischen dem öffentlichen und privaten Raum. Aus weißen Leinwandbahnen und Unistoffen, die sie mit geometrischen und figurativen Mustern bemalt, gestaltet sie einzigartige immersive Wohnlandschaften und Leseräume, die aus überlebensgroßen, mit Kissen ausgestopften Matratzen und anderen häuslichen, alltäglichen, zum Teil zweckentfremdeten Utensilien bestehen. Auf der Vorderseite sind sie mit Bildern bedeckt, für die Constanza schwarze Siebdruckfarbe benutzt. Sie muten wie ein Mosaik aus persönlichen und kollektiven nichtlinearen Erzählungen und Erinnerungen an und beziehen sich auf Künstlerinnen, Motive und Ereignisse, die Constanza persönlich bewegen. Auf der Rückseite schlängelt sich ein rotes Wellenmuster durch den Stoff. 

Unter der Decke befestigt, breiten sich die Matratzenskulpturen im Raum aus und heben damit die Grenzen zwischen den Wänden und dem Boden, zwischen den Besucherinnen und Besuchern, die sich darauf setzen oder legen können, zwischen Objekt und Subjekt auf. Constanza Carvajal verzichtet bewusst auf Hierarchien, sie lädt das Publikum ein, mit ihren gleichermaßen weichen und straffen Textilskulpturen zu interagieren, sie durch die eigene körperliche Präsenz zu aktivieren, miteinander zu sprechen und ihre eigenen Geschichten zu erzählen, die dadurch zur gemeinsamen Geschichte aller daran Beteiligten wird. 

Constanzas Installationen vermitteln eine Atmosphäre der Geborgenheit und der Sicherheit auch deshalb, weil sie banale, gewöhnliche, oft übersehene und vertraute Dinge des Alltags wie Matratzen, Kissen, Regale, Latschen, Boxsäcke, alte Stickereien, auf den Straßen gefundene Textilien, Meisenknödel und Kartoffeln in genuine Kunstwerke, oft in Form von Collagen, verwandelt. 

Neben den großformatigen Textilskulpturen arbeitet Constanza Carvajal kontinuierlich an der Serie unter dem Titel »Bücher ohne Worte«. Es sind kleine Softbooks aus Stoffresten, mit Stickereien, Acrylbildern und Symbolen versehen, die wie ein geheimnisvolles Zeichenalphabet aussehen. Sie sind eine Art intimes Tagebuch und Archiv, wo sich Gefühle, Empfindungen, Träume, Ideen, zu realisierende oder nicht realisierte Projekte der Künstlerin spiegeln, die sie nur auf diese nonverbale Weise ausdrücken kann. Sie laden dazu ein, in Constanzas Welt einzutauchen. Auch wenn sie sich einer eindeutigen Interpretation entziehen, entfalten sie durch ihre Sinnlichkeit und Haptik eine magische Wirkung.

Für den Projektraum art.endart konzipierte Constanza Carvajal eine In-situ-Installation unter dem Titel »cantos blandos«, was auf Deutsch »weiche kanten« bedeutet. Es ist ihre erste Einzelausstellung in Berlin, in der eine Reihe der für die Künstlerin charakteristischen Textilobjekte gezeigt wird. Das Publikum ist eingeladen, mit den Kunstwerken in direkten Kontakt zu treten, darauf Platz zu nehmen, sich mit anderen Besucherinnen und Besuchern zu unterhalten und sich geborgen zu fühlen. Und gemeinsam einen lebendigen Ort der Kommunikation zu kreieren, in dem Raum, Objekt und Mensch ein Ganzes bilden.

Text und Fotos © Urszula Usakowska-Wolff

Mehr zu der Ausstellungseröffnung…

Ein Porträt A. Merkels und das Kabinett Merkel II ist Ausgangspunkt einer raumgreifenden Bildinszenierung.

Das Porträt aufgeblasen, vervielfältigt, teilweise bis zur Unerkennbarkeit überlagert, erinnert an eine Medienwand, die durch integrierte Leuchtstoffröhren strahlend ins Licht gesetzt wird. Eine Art Vexierbild, entsteht, was ist Vorder-, was Hintergrund, was bestimmt, das Porträt oder die Überlagerungen. Wie bei den Bouquinisten oder einer Losbude kann die  Bilderwelt hinter weißen Klappen jederzeit wieder verschwinden. Hinzu kommen Dinge vom Glück, Hoffnung und vom Geburtstag der Kinder.

Eröffnung: Fr 23.02.2024, 19 Uhr | Ausstellung: 25.2-23.3.2024

Geöffnet am Kolonie-Wochenende, So 25.02. 24, 14-18 Uhr

Toolbox Kabinett:

Iris Germanica, eine schlichte Blume, die man in ganz Europa sieht

Iris Germanica ist die Göttin von allem

Iris Germanica ist mein trauriges Lied von der vergehenden Zeit

Ich betrachte meine Malerei als einen lebenden Organismus. Am Anfang steht eine Idee, etwas, das mich stört und das Licht sehen will. Das erste Bild ist ein Keim, das zweite ein Blatt, das dritte ist vielleicht eine Blume und zehn Bilder ergeben einen Körper.

Ich würde sagen: Ich male zum Vergnügen, zum Vergnügen des Erkennens: Das ist es!

Ich hoffe, dass die Samen des Gesehenen aufgehen!

In meiner Malerei lasse ich mich von Assoziationen und Wünschen leiten. Ich möchte etwas malen, das ich noch nie gesehen habe, das sich aber dennoch beim Sehen offensichtlich anfühlt. Dieses Gefühl des Erkennens ist es, das die Malerei für fertig erklärt.

Ich bin vor zehn Jahren nach Berlin gezogen, und während ich diese Bilder male, erlebe ich auch diese Zeit wieder, eine Zeit, in der das Leben permanent zweigleisig ist.

Iris Germanica ist eine fragmentierte Saga über Zeit, Verlust, Immigration, Nation, Mythos, Botanik, Städte und Evolution. Einige Teile sind verloren gegangen, andere wurden verändert, es ist alt, aber nicht original. Es ist aufrichtig, aber nicht wahr.

Ich bin eine bildende Künstlerin, die in Helsinki und Berlin lebt. Meinen MFA-Abschluss machte ich 2011 an der Universität derBildenden Künste in Helsinki, wo ich auch meine Doktorarbeit über die Bedeutung von Farben und Sehen schreibe. Meine Arbeiten wurden in mehreren Einzel- und Gruppenausstellungen in Finnland, Dänemark und Deutschland gezeigt, darunter in der Helsinki Kunsthalle, der Forum Box Gallery und beim Festival Kunst am Spreeknie/Transformart.

Siiri Haarla

Helsinki 23.1.2024

Kunstwerk: Iris Germanica ‚Nibelungen‘ Ölgemälde auf Leinwand, 140x100cm, 2023 (Detail)

Toolbox Kabinett:

Hildegard Skowasch
*in Essen. Lebt und arbeitet in Berlin.
Studium an der Kunstakademie Münster und an der Ecole supérieure des Arts Plastiques, Tourcoing (Frankreich).
Die Arbeitsschwerpunkte von Hildegard Skowasch sind Skulptur (Papier/ Keramik), Zeichnung und Druckgrafik. Ausgehend von der Form schafft sie mit unterschiedlichen Materialien Projektionsflächen und eine eigene Welt mit inhaltlichen Verschiebungen, Möglichkeiten und Sichtweisen des Seins.

Sie ist Initiatorin künstlerischer Kollaborationen, wie „Hildegard Projekt“ oder „Generator“.
Seit 1989 hat sie zahlreiche Aufenthaltsstipendien u.a. im Künstlerhaus Schloss Wiepersdorf, im Virginia Center for Creative Arts, USA, in der Saari residence der Kone Foundation, Finnland oder im KKVV Luleå, Schweden.
Sie stellt international aus.
2019 war sie mit einer umfassenden Werkschau im Polnischen Nationalmuseum in Gdansk und 2022 mit einer weiteren großen Einzelausstellung in der Städtischen Galerie BWA in Olsztyn vertreten.

Im Kabinett der Galerie Toolbox zeigt sie keramische Wandarbeiten.

Hildegard Skowasch: o. T., 2019, Keramik glasiert, ca 20 x 20 x 20 cm

Galerie/Projektraum TOOLBOX

Koloniestraße 120

13359 Berlin-Wedding

U-Bahn Osloerstraße

Mi, Fr-Sa 15-19 Uhr, Do 16-20 Uhr

An Feiertagen ist die Toolbox geschlossen

Finnish painter Roberto Aarnio inquires into oneself with his mental landscapes that are meant to question emotions and one’s own space among others. Juxtaposed against his mental landscapes are representations of concepts, conjectures and playful exaggerations. These incomplete or inefficiently organised pieces come together in a composition called “Fragments”.

“Fragments” delves into the essence of human existence by waving through our emotions and perceptions with vivid mirroring pieces. The exploration of introspection and the dynamic interplay between conjectures and exaggerations are the focal points of his works.

The complexity of every-day life intertwined with nature, as well as our milieu of existence provide the stage for Aarnio’s work. He compares the routine life and its emotional journey while viewing these fragments as a whole.

Ein Archipel ist eine Gruppe von Inseln, die in geringer Entfernung voneinander liegen und zu einem gemeinsamen System zusammengeschlossen sind.

Mit dieser Metapher beschreibt die ukrainische Künstlerin Aglaya Nogina die Essenz der Verbindung zwischen ihr und ihren engen Freunden. In den letzten zwei Jahren hat der Krieg sie wie tektonische Bewegungen in verschiedene Teile der Welt geteilt, aber ihre innere Einheit ist unerschütterlich geblieben. Die Serie von großformatigen Porträts reflektiert über Weiblichkeit, weibliche Stärke, innere und äußere Schönheit und die starke Kraft der Freundschaft.

Aglaya arbeitet mit eigenen Texten und verwendet der Xerolithographie als Drucktechnik.

Dieses Projekt beinhaltet eine Beteiligung:

Die Fotoreferenzen, die in den fertigen Werken enthalten sind, wurden direkt von den Modellen selbst erstellt. Das Bild ihrer „Insel“ entstand durch einen offenen Dialog über die Natur des Abgebildeten.

Vielen Dank für die Blumen!
Blumen und Blumenmotive waren schon immer in der Malerei präsent. Sie inspirierten mit
ihrer Form, Farbe und ihrer Verbindung zu den Gefühlen und Beziehungen zwischen Mann
und Frau zahllose Künstler, die Blumen in ihren Werken unzählige Male festhielten. Die
ikonischen Sonnenblumen von Van Gogh, die Seerosen von Monet, die Blümchen von
Warhol und Takashi Murakami sind fast jedem bekannt. Die Kunstgeschichte hat den langen
Weg der Evolution der Blumenbilder festgehalten, angefangen bei den symbolischen
Bedeutungen, die mittelalterliche Meister schufen, über die Sprache der Blumen der
Moderne bis hin zu den neuesten Konzepten der zeitgenössischen Kunst. Durch Blumen
können unzählige Themen reflektiert werden, darunter Sexualität, Identität, Erinnerung,
Dekolonialisierung, Krieg und Tod.
Die Ausstellung "Vielen Dank für die Blumen!" reflektiert kritische Überlegungen zu den
Beziehungen zwischen Blumen und Menschen in der Kunst sowie zum Schenken von
Blumen.
Wann bekommt man Blumen und empfindet es als Beleidigung, Degradierung oder fühlt
sich missverstanden? Wenn Blumen anstelle einer Gehaltserhöhung für besondere
Leistungen oder als Entschuldigung für grobes Fehlverhalten überreicht werden? Wenn tiefe
Verletzungen oder aufopferndes Verhalten mit einem Strauß Blumen ausgeglichen werden
(sollen)? Sicherlich hat jede Frau schon einmal eine merkwürdige Situation mit Blumen
erlebt.
Warum werden Blumenbilder trotz ihres langen Weges immer noch mit weiblicher und
entsprechend nicht ernsthafter Kunst assoziiert? Wenn du eine Frau bist und Blumen malst,
wirst du höchstwahrscheinlich auf der Ebene "schön" oder "nicht schön" kritisiert, und
möglicherweise wirst du auch mit einem Vergleich mit einem der großen weißen Männer
konfrontiert. Nur selten wird jemand an Georgia O'Keeffe denken, und fast niemand wird
Lubaina Himid, Wole Lagunju, Woody De Othello oder Ebony G Patterson nennen.
'Vielen Dank für die Blumen!' — werden die Künstlerinnen Yanka Smetanina und Sarah
Schultz in dieser Situation sagen und ihre Untersuchungen der Blumenmotive fortsetzen.
Sarah Schultz arbeitet an der Schnittstelle von Kunst, Bildung und Gesellschaft. In ihren
Gemälden bezieht sie sich auf die Werke klassischer Meister und bezieht geometrische
Ornamente, Symbole und Allegorien des zeitgenössischen Lebens ein, um ein komplexes,
integriertes Werk zu schaffen. Warme, weiche Farben, natürliche Erdtöne und goldenes
Licht sind das Markenzeichen ihrer Arbeit. Schultz nutzt die Natur als Fokus, um die Grenze
zwischen innerer und äußerer Welt zu erforschen, und lässt den Betrachter in eine
poetische Welt eintauchen, die Fakten und Fiktion, Ereignisse und deren Interpretation
miteinander verbindet.
Yanka Smetanina ist eine in Berlin lebende multidisziplinäre Künstlerin, Absolventin der
Moskauer Universität für Buch und Presse und des Masterstudiengangs UdK Kunst im
Kontext. Die Arbeit umfasst Experimentalfilme, Performances, Bilder. In ihrer Malerei praktiziert
Smetanina einen sehr unterschiedlichen ironischen und konzeptuell-kritischen Ansatz, der 
durch eine lebendige, kontrastreiche Farbpalette verstärkt wird. Die Künstlerin
assoziiert den konzentrierten grotesken Raum der Andersartigkeit, den sie schafft, mit der
Problematik der erzwungenen Frauenmigration und balanciert dabei auf der Kippe zwischen
Tragik, Aggression und Lachen.

Vernissage: Fr. 31 Mai 2024 18 – 21 Uhr
Soldiner Str. 103 , 13359 Berlin
Performance, Happening 19.30
Ausstellungsdauer und Öffnungszeiten:
Sa. I Juni
13-16 Uhr
So.2 Juni
Workshop für Kinder und oder Erwachsene 11-13 Uhr
Ausstellungsdauer 13-16 Uhr

Teilnehmende Künstlerinnen:

Sarah Schultz
https://sarahschultz.de/
https://www.instagram.com/sarahschultz_khf/

Yanka Smetanina
https://www.yankasmetanina.art/
https://www.instagram.com/yankasmetanina/

@Yanka Smetanina Du sprichst so gut Deutsch, 2024, Öl auf Leinen, 80 x 100 cm.

@Sarah Schultz. Zeitalter der Aufklärung, 2023, Öl auf Leinen, 180 x 250 cm.

Konzert am 28. April um 18 Uhr

Sue Schlotte – Cello

Michael Vorfeld – Perkussion

Die Cellistin Sue Schlotte gibt Konzerte in den unterschiedlichsten Formationen und

solistisch. Sie bezieht ihre Stimme mit ein und benutzt neben dem traditionellen Bogen

einen Rundbogen. Sue Schlotte arbeitet mit Künstler*innen aus den Bereichen Tanz, Malerei,

Performance und Literatur. Sie ist Initiatorin der Konzertreihe Stille & Fülle in Bonn, gibt

Workshops für Cello-Ensemble, CelloByHeart, TaKeTiNa und freie Improvisation.

www.sueschlotte.de

Michael Vorfeld, Musiker und bildender Künstler, spielt Perkussion sowie selbst entworfene

Saiteninstrumente und realisiert elektro-akustische Klangarbeiten. Er ist aktiv in den

Bereichen experimentelle Musik, improvisierte Musik und Klangkunst. Michael Vorfeld

entwickelt Installationen und Performances mit Licht und Klang, arbeitet mit Fotografie und

Projektion. Er ist Mitglied verschiedener Formationen und kooperiert mit Künstler*nnen aus

unterschiedlichen Bereichen. Seine vielfältigen Aktivitäten umfassen umfangreiche

Konzert-, Performance- und Ausstellungstätigkeiten in Europa, den USA, Asien und

Australien.

www.vorfeld.org

*AFTERMARS

synth-pop-punk-pseudo-post-industrial-neo-hardcore-noise-country-no-no-wave-low-fi-folk

Konzert & Installation

Freitag, 26. April 2024

Einlass ab 20 UHR im

Kulturpalast Wedding International
Freienwalder Straße 20
13359 Berlin – Wedding
www.kulturpalastwedding.com

Am Freitag freuen wir uns auf ein Konzert, bei dem noch nicht einmal die Band eine Idee davon hat, wie es sich anhören könnte. Die Berliner Band, bestehend aus den Musikern und Künstlern Sébastien Brault (voc, keyboard), Thomas Jocher (trumpet) und Tom Früchtl (guit.), greifen tief in die Kiste der spontanen Geistesgegenwart und präsentieren Impro vom Allerbesten. Das kann und muss wehtun, aber auch am Freitag werden Heerscharen von Fans und Freunden des trio infernale sich auf den Weg des selbstgewählten Leids begeben:

„…Skill ist scheiße, Einstellung rockt. Für AFTERMARS sind Musikgenres – einschließlich „Punk“ – wie Wörter in einem Wörterbuch, aus denen Sätze gebildet werden. Und Können ist nicht irrelevant – es wird vielmehr durch die Dringlichkeit untergraben, ein Lied aus dem Nichts zu zaubern, egal unter welchen Umständen. Ja, es ist improvisierte Musik, aber was sie antreibt, ist eher das Leben als die Musik. Manchmal subtil, manchmal fast unerträglich, öffnen AFTERMARS immer eine neue Büchse voller Würmer – seien es Ohrwürmer oder fleischfressende Würmer …“

Was man hören kann, wird auch zu sehen sein. Begleitend zum verwegenen Auftritt gibt es auch eine künstlerische Interaktion in Form einer Garderobeninstallation. Aftermars- wir wollen ein Kind von dir.

Mehr zur Band unter:
https://aftermars.net/
https://aftermars.bandcamp.com/
https://www.instagram.com/aftermars/

Der Advent naht, der Weihnachtsmann ist auf dem Weg, sein Stellvertreter aus Schokolade schon jetzt zu verspeisen.

Am Freitag, dem 24.11.23 und Sonntag, den 26.11.23 jeweils von 18:00 bis 22:00 zeigen Sebastian Herrling und Dima Dobrovolskij Collagen, die sich künstlerisch mit dem Thema Weihnachten, dessen spirituellem Ursprung und seiner Kommerzialisierung in der heutigen Zeit auseinandersetzen.

Obwohl sich die meisten von uns nach Ruhe, Besinnlichkeit und Liebe sehnen, artet es häufig in Hektik und Stress aus. Dabei erfasst der “Konsumterror” inzwischen weite Teilen der Welt. Ein Grund mehr für das Duo Euch zur Reflexion über dieses Thema anzuregen.

Live Battle nur am Freitag, den 24.11.23 um 20:00

Die Ausstellung findet in dem Projektraum @bascsgallery im Wedding, Soldinerstraße 103, 13359 Berlin statt, unterstützt von NO VIRGIN WALLS. Während des “Kolonie Wedding Wochenendes” laufen parallel viele andere Ausstellungen. Weitere Informationen findest Du auf der Projektseite oder @koloniewedding

Kunstausstellung/Präsentation von zeitgenössischer Kunst aus Poznan, Paris und Berlin in den Projekträumen der Kolonie Wedding e.V.
Myopia, Kurzsichtigkeit, bzw. eingerahmte Sichtweise und das Verständnis der heutigen Zeit und ihre Prägung wird interpretiert durch eine Vielfalt an künstlerischen Medien wie Malerei, Zeichnung, Objekte, Fotografie, Video und Installation.
Myopia2 ist die Fortsetzung der gleichnamigen Reihe, die im Frühjahr 2023 in der UAP Galerie in Poznan stattgefunden hat und ist verteilt auf die Projekträume der KW Berlin: COPYRIGHTberlin, Kronenboden, UQBAR und art.endart.

Kuratiert wird das Projekt von Rafal Gorczynski und Patrick Huber.

Kinderwochenheim
Fotoausstellung aus der Serie East Side Story II , Eisenhüttenstadt 2020
Anna Peschken und Marek Pisarsky

10:1
Rauminstallation von Marc Tobias Winterhagen 2023

Die Eröffnung/Vernissage der Kunstpräsentationen ist am Freitag um 19:00 Uhr. Die Finissage findet am Sonntag statt. Alle Freunde von art.endart sind herzlich eingeladen.

Sa.30.09. 16 Uhr Kuratorenführung durch die Ausstellung MYKOPIA

artists from Poznan, Berlin and Paris
Sławomir Brzoska
Katarzyna Górczynska
Rafał Górczynski
Wojciech Hora
Henrik Jacob
Karolina Komasa
Anne Peschken / Marek Pisarsky
Veit Stratmann
Line Wasner
Marc Tobias Winterhagen

MYOPIA_2
a cooperation of
UAP Poznań – Kunsthochschule
COPYRIGHTberlin
Schwedenstraße 16 13357 Berlin
Koneneboden
Schwedenstraße 16 13357 Berlin
Uqbar
Schwedenstraße 16 13357 Berlin
art.endart
Drontheimer Str. 22 13359 Berlin

CLASH! Otamatone, Cello, Toy Piano & Gesang

Neue Musik & Uraufführungen

von und mit Manuel Fischer-Dieskau (Cello, Otamatone), Fidan Aghayeva-Edler (Toy Piano), Margarete Huber (Sopran)

Zwei Spielzeuginstrumente treffen auf Cello und Gesang

Mit Musik von John Cage, Uraufführungen von Fischer-Dieskau und Huber, Trio-Improvisationen und Alter Musik (Händel, Bach)

Dazu sind Projektionen von Ute Lindner & Patrick Huber zu erleben.

Donnerstag, 19. Oktober, 20 Uhr – Eintritt frei

Ort: COPYRIGHTberlin, Schwedenstraße 16, 13357 Berlin

Info: www.copyrightberlin.de

Das Konzert ist Teil 1 von „Clash & Motion“ – Zwei Konzerte mit Neuer Musik für ungewöhnliche und gewöhnliche Instrumente, Gesang und Objekte

(Teil 2 folgt am 28.10., MOTION: „Ensemble Cooperativa“ spielt Neue Musik von Morton Feldman, Willem Schulz, Angelika Höger, und Margarete Huber für Cello, Violine, Gesang, Stimme, Klavier, Nähmaschine, kinetische Objekte, Electronics und Zuspiel. // Ensemble Cooperativa: Edith Murasova, Mezzosopran / Christina Gürtler, Stimme / Djamilija Keberlinskaja, Klavier / Willem Schulz, Cello / Susanne Schulz, Violine, kinetische Objekte / Peter Schwieger, Synthesizer, Nähmaschine, Objekte / Katharina König, Akkordeon, Laptop. // Dazu ist eine Projektion von Karen Stuke zu erleben. Ort: Kronenboden, Schwedenstraße 16, 13357 Berlin)

MOTION:

Ensemble Cooperativa

spielt Neue Musik von Morton Feldman, Willem Schulz, Angelika Höger, und Margarete Huber

und publikumsoffene Improvisationen

für Cello, Violine, Gesang, Stimme, Akkordeon, Klavier, Nähmaschine, kinetische Objekte, Synthesizer, und Zuspiel

Ensemble Cooperativa:

Edith Murasova Mezzosopran / Christina Gürtler Stimme / Djamilija Keberlinskaja Klavier / Willem Schulz Cello / Susanne Schulz Violine, kinetische Objekte / Peter Schwieger Synthesizer, Nähmaschine, Objekte / Katharina König Akkordeon, Laptop

Dazu ist eine Projektion von Karen Stuke zu erleben.

Samstag 28. Oktober 20 Uhr – Eintritt frei

Ort: Kronenboden, Schwedenstraße 16 13357 Berlin

Das Konzert ist Teil 2 von „Clash & Motion“ – Zwei Konzerte mit Neuer Musik für ungewöhnliche und gewöhnliche Instrumente, Gesang und Objekte.

(Teil 1 ist am 19.10. „CLASH! Otamatone, Cello, Toy piano & Gesang“: Neue Musik & Uraufführungen von und mit Manuel Fischer-Dieskau (Cello, Otamatone), Fidan Aghayeva-Edler (Toy Piano), Margarete Huber (Sopran). Zwei Spielzeuginstrumente treffen auf Cello und Gesang. Mit Musik von John Cage, Uraufführungen von Fischer-Dieskau und Huber, Trio-Improvisationen und Alter Musik (Händel, Bach). Dazu sind Projektionen von Ute Lindner & Patrick Huber zu erleben. Donnerstag, 19. Oktober, 20 Uhr – Eintritt frei. Ort: COPYRIGHTberlin, Schwedenstraße 16, 13357 Berlin.)

Soziales versus Medium kein Widerspruch?
Die diesjährigen Arbeiten stehen ganz im Zeichen „sozialer“ Medien. Wie sie uns
zusammenführen, aber auch trennen. Welchen Einfluss haben sie auf unsere
Gesellschaft? Welche Medien sind eigentlich sozial?
Im ersten Teil #Gesellschaft geht es darum die Bandbreite unserer Gesamtheit zu
belichten und ein persönliches Ideal zu visualisieren, abgebildet auf drei Gemälden.
(Acryl auf Aluminium/Glas)
Mit der zweiten Serie #Soziales Medium, geht der Künstler Radio Thomas experimentell den Fragen
nach: Kann Kunst sozial sein? Lässt sich der Wert eines Gemäldes von dessen Preis
trennen?
6 Gemälde, 6 Preise, 1 Versuch und 1 Ziel. Gemeinschaft.
Es soll ein gemeinsamer Wert entstehen, der dabei viel höher ist als der Einzelwert eines
Gemäldes. Allegorisch steht die Materialität der 6 Gemälde (Acryl auf Beton und
Pappelholz) für unseren Lebensraum.

PLENTY OF SPACE TO THINK –
tot chuvak artist&illustrator

Vita

I am Alex Zhalibo, an artist, designer, and animator with a keen interest in the intersection of aesthetics, culture, and humor.

I was born in 1992 in Minsk. As an art teacher with expertise in drawing, design, and animation, I am always working hard, improving my ability to infuse my work with creativity and innovation that is both intellectually and emotionally stimulating.

Artworks of mine have been widely recognized, and I am fortunate to have pieces in private collections across various countries, including America, France, and the Netherlands. Notably, one of my canvases was purchased by the family of Marlene Dietrich, a tribute to my commitment to excellence.

Currently based in Berlin, I have been honored to showcase my work in few exhibitions and participate in the prestigious Berlin Photo Week 2022. I have also had the privilege of exhibiting my work at Rotes Rathaus, where my unique perspectives on humor and everyday life have been widely appreciated.

My art is a fusion of different forms, including drawings, paintings, sculptures, and animations. Whether through new exhibitions, residencies, or collaborations with like-minded individuals, I am committed to continuing my artistic journey and contributing to the rich tapestry of human creativity.

In Search of Missing Pieces

Ausstellung der Salvage Art von Maurus Knowles

In Search of Missing Pieces ist eine Ausstellung mit Collagen, Assemblagen, Objekten, Skulpturen und Installationen aus Fundstücken, Bruchstücken, Restbeständen, Hinterlassenschaften, Überbleibseln.

„Salvage Art“ ist die Kunst des Bergens. Es gibt fliegende Stühle, alte Schubladen, leere Rahmen, Gebrauchsgegenstände, Zeug. Und ganz oft diese Puppen, einzelne und mehrere Teile von ihnen. Vielleicht ist dies ja der Künstler, oder ihr, oder wir. Da ist jedenfalls Jemand, Jemand ist immer da. Jemand sucht die fehlenden Teile – das allermeiste kommt von der Straße, und stößt dabei auf Wesen der Dinge, ihre Habseligkeiten, auf Spuren der Gründe, warum, wie und wodurch sie sind, wie sie sind. Fehlende Teile, Dinge, Wesen haben die Angewohnheit, ziemlich rätselhaft, zumindest sonderbar zu bleiben, und immer unvollständig. Der Witz, den das fast immer auch hat, kommt wohl aus der Ironie des Zufalls. Der Staub, der gehört dazu: Es braucht halt manchmal ganz schön lange.

In seiner Kindheit und Jugend in Hildesheim nahm Maurus Knowles tiefe Einblicke in die deutsche Schrebergartenwelt und lernte, alte Mauersteine zu lieben. Nach seiner Ausbildung zum Buchhändler im Hamburger Männerschwarm zog es ihn nach Berlin. Lange Zeit in Kultur und Medien erwerbsarbeitend, war er zuletzt Gründer und Inhaber der queeren Bar, Kunstgalerie und Eventlocation Ludwig in Neukölln. Ursprünglich von Zahlen und Wörtern kommend, erlebt er seit gut 15 Jahren die Mixedmedia Art als Herzstück seines Daseins.

PINK.ART freut sich auf euren Besuch der Vernissage am 24. November.

PINK.ART | Biesentaler Straße 24 | 13359 Berlin-Mitte
Vernissage am Freitag 24. November ab 18 Uhr
Besuch vom 25. November bis 17. Dezember 2023 nach Absprache
Kontakt: event@pinkdot-life.de

PINK.ART ist ein Projekt der PINKDOT gGmbH. PINKDOT gGmbH ist eine Trägergesellschaft, die es sich zur Aufgabe gemacht hat, Communitys zu stärken und zu unterstützen. Sie steht ein für Sichtbarkeit und produktive, Community übergreifende Netzwerkarbeit. Für neue Ideen und Projekte die der am Gemeinwohl orientierten, friedlichen und diversen Gesellschaft dienen. PINK.ART ist Mitglied des Kolonie Wedding e.V. und wird regelmäßig Rundgangführungen und Künstler*innengespräche anbieten. Als Kooperationspartner konnte PINK.ART das Prima Center Berlin: PCB gewinnen.

Ulu Braun Videoscreening/Talk
Fr., 10.11.2023, 19:30

Die drei gezeigten Videoarbeiten („Die Flutung von Viktoria“ 2004, „Architektura“ 2015, „Burkina Brandenburg Komplex“ 2018) repräsentieren das breite Spektrum von Ulu Braun. Sie erforschen die Schnittstellen zwischen malerisch-performativer Videokunst und Hybrid-Autorenfilm und beleuchten auf poetisch-ironische Weise die Einflüsse sozialer, ökonomi-scher und medialer Globalisierung auf unsere Zivilisation.

Ulu Braun (1976 ) lebt und arbeitet in Berlin und Lieksa (Fi). Er studierte Malerei und Film an der Universität für angewandte Kunst Wien, Kunstakademie Helsinki und der Filmuniversität Babelsberg. Seine Arbeiten werden seit 2004 regelmäßig in Kunstinstitutionen sowie auf Film- und Medienfestivals gezeigt.

Mehr Infos: www.ulubraun.com

Die Flutung von Viktoria (22 min, 2004)

Eine Gruppe von Touristen durchquert mit dem Reisebus ein letztes Mal die traumhafte Weltenlandschaft, in der antike Trümmer und futuristische Gewächshäuser vom Fortschrittsglauben der menschlichen Kultur zeugen. Der utopische Ort Viktoria wird zum Schauplatz eines surrealen Dramas, in dem archaische Motive und moderne Lebenswelten aufeinander treffen. Dieser Gegensatz zeigt sich auch bei den Protagonisten: Während der weltgewandte Reiseleiter Henkel eine Tauchexpedition in künftige Unterwasserwelten plant, sehnt der Reisende im gelben Anzug das Wasser als eine Rückkehr zu den Ursprüngen herbei. Die Umsetzung mit Miniaturen entrückt das bedrückende Szenario in eine spielerische, märchenhafte Atmosphäre, die von den ausdrucksstarken Gesichtern und den real bewegten Figuren getragen wird. (Videonale 10)

Architektura (15 min, 2015)

Anstatt das Rad neu zu erfinden, erfindet Ulu Braun das strukturelle Potenzial des Ziegelsteins in dieser revisionistischen Fabel über die Urbanisierung unseres Planeten durch die Menschheit neu. Mit spielerischen und visuell verdichteten digitalen Collagen stellen Brauns assoziative Tableaus eine „alternative“ Vision unserer Welt zusammen, in der die Natur in die Stadt eindringt (und umgekehrt). Wir werden von einem beruhigenden Erzähler durch postapokalyptische, postkapitalistische Lebensräume geführt, in denen das Materielle mit dem Metaphysischen, das Wörtliche mit dem Figürlichen koexistiert (Seifenblasengebäude stehen neben verfallenen Kirchen, die zu Autohäusern umfunktioniert wurden). Architektura erinnert an den kindlichen Erfindungsreichtum unserer Zivilisation bei der Schöpfung und Zerstörung, während wir das Erbe, das wir an unsere zukünftigen Generationen weitergeben, hinterfragen. (Andrei Tănăsescu, Bucharest)

Burkina Brandenburg Komplex (19 min, 2018)

Ein scheinbar afrikanisches Dorf, von Deutschen bewohnt. Der Film Burkina Brandenburg Komplex beschreibt eine geografische Konstruktion, die „unser“ mediales und kollektives Afrika-Bild bedient und mit Ungenauigkeiten auf die Probe stellt. In einer Mine taucht ein archäologischen Fundstück auf: ein Ferrari®. Wir begleiten Joachim in seinem Alltag. Er möchte gerne ein gemeinsames Energieprojekt verwirklichen. Das Museum für preussisches Kulturgut wird von einer woman of color geleitet. Sie präsentiert Artefakte westlicher Konsumkultur mit besonderem Schwerpunkt auf deutsche Güter. Joachim ist in die rituelle Energieerzeugung vor Ort involviert, wird aber zum Höhepunkt von der Zeremonie ausgeschlossen und katapultiert sich schließlich selbst aus der „Story/History“. (68.Berlinale, 2018)

„ZERO TOLERANCE“
One Night Group Show

Fr., 24.11.2023, 19:00

Künstler*innen:
Boris Abel, Michelle Alperin, Franck-Lee Alli-Tis aka V Stylianidou, Volker Andresen, claudia balster & hannah goldstein, Robert Barta, Norbert Bauer, Matthias Beckmann, Thomas Behling, Antje Blumenstein, Sascha Boldt, Gunnar Borbe, Ulrike Buck, Johannes Bünemann, Kai Bornhöft, Astrid Busch, Ulu Braun, Daniela Lehmann Carrasco, COUNCIL OF MANY (Alexine Chanel + Mickaël Faure), Rolf Czulius, Lea D’Albronn Allexandre, Henrike Daum, Annedore Dietze, Mirjam Dorsch, Stefan Draschan, Stefan Ebner, Tatiana Echeverri Fernandez, Knut Eckstein, Irena Eden & Stijn Lernout, Tania Elstermeyer, Roland Fuhrmann, Roman Frechen, Anne Gathmann, Ingo Gerken, Robert Gfader, Monika Goetz, Karø Goldt, Massoud Graf-Hachempour, Harriet Groß, Berenice Güttler, Stephanie Hanna, Theemetra Harizani aka Dimitra Charizan, Andrea Hartinger, Michael Hauffen, Andreas Helfer, Christian Hellmich, Thomas Henriksson, Birgit Hölmer, Stephan Homann, Esther Horn, Fabian Hub, Henrik Jacob, Hubi W. Jäger, Thomas Jocher, Uwe Jonas, Silke Koch, Sebastian Körbs, Karen Koltermann, Erika Krause, Käthe Kruse, Philipp Lachenmann, Simone Lanzenstiel, Anett Lau, Niina Lehtonen Braun, Sabine Linse, Catherine Lorent, Antonia Low, Mahony, Nadja Verena Marcin, Matthias Mayer, Ulrike Mohr, Thomas Monses, Matthias Moravek, Peter Müller, Paula Muhr, Leo de Munk, Berit Myrebøe, Joe Neave, Rainer Neumeier, Lorcan O’Byrne, Jennifer Oellerich, Jürgen Olbrich, Lydia Paasche, Manfred Peckl, Wolfgang Plöger, Luisa Puschendorf, Kathrin Rabenort, Nika Radic, Benjamin Renter, Regine Rode, Römer + Römer, Maja Rohwetter, Julia Rüther, Özlem Sarıyıldız, Michel Santos, Sabrina Schieke, Adrian Schiesser, Marco Schmitt, Iris Schomaker, Richard Schütz, Michael Schultze, Veronika Schumacher, Olivia W. Seiling, Heiko Sievers, Heidi Sill, Johanna Smiatek, Erik Smith, Elisabeth Sonneck, Petra Spielhagen, Hans-Peter Stark, Gabriele Stellbaum, Ralf Tekaat, Anja Teske, Thea Timm, Miriam Tölke, Kata Unger, Sencer Vardarman, Gabriela Volanti, Yvonne Wahl, Klaus Walter, Line Wasner, Anja Weber, Marcel Friedrich Weber, Linda Weiss, Bettina Weiß, Julia Werhahn, Anke Westermann, Markus Willeke, Ila Wingen, Markus Wirthmann, Norbert Witzgall, Ina Wudtke, Sibylle Zeh, Rosa Zettl, Ella Ziegler, Michaela Zimmer

Seit 2005 titelten Zitate vergangener Dekaden (meist aus den 1980er Jahren) die jährlichen One Night Group Shows Ende November im Spor Klübü. Andere Projekte und insbesondere die Pandemie hatten zu einer 4-jährigen Pause dieses Ausstellungsformates geführt. Dieses Jahr wird der Faden wieder aufgenommen. „ZERO TOLERANCE“ steht als Begriff für viele zweifelhafte Strategien – insbesondere als Strategie der Kriminalitätsbekämpfung und Kriminalprävention. Hiermit wird der Polizei erlaubt – sozusagen präventiv – bei Ordnungsverstößen unterhalb der Straftatenschwelle, sogenannten Bagatelldelikten, hart ein- bzw. durchzugreifen. Bekannt wurde sie in den 1990er mit dem „New Yorker Modell“, gepowert vom republikanischen Bürgermeister Rudy Giuliani und dessen Polizeichef Bill Bratton, der sich damit auf die bereits in den 1980er Jahren aufgekommene „Broken-Windows-Theorie“ berief. In Folge geriet die Nulltoleranzstrategie als weltweiter Exportschlager und landete teilweise auch in der deutschen Kriminologie und Politik. Erfolg und Effizienz der Strategie blieben zweifelhaft und wurden offensichtlich nie eindeutig nachgewiesen. Die negativen Seiten lagen allerdings auf der Hand: übertriebene Freiheitsbeschränkungen, Entstehung von übermäßiger Polizeiwillkür und -gewalt, der Aufbau eines Kontroll- und Polizeistaats etc. Beim Überfahren einer roten Ampel mit dem Fahrrad in Manhattan oder beim offenen Alkoholkonsum auf der Straße musste man in den 1990er Jahren eben befürchten, im Gefängnis landen zu können. Eine weitere Nulltoleranzstrategie verfolgte die amerikanische Regierung unter Präsident Trump viele Jahre später im Hinblick auf die Einwanderung in die USA. Wenn legal oder illegal eingewanderte sowie asylsuchende Personen u.a. einen Eintrag im nationalen oder ausländischen Strafregister hatten, wurden sie umgehend inhaftiert und deportiert bzw. abgewiesen. Dabei wurden auch ohne Rücksicht Familien, z.B. Kinder von ihren Eltern, voneinander getrennt.

Was ist, wenn man die Nulltoleranz umdreht und aus einem anderen Blickwinkel betrachtet? Zum Beispiel genau gegen diese politischen Absichten und Akteur*innen und in der politischen Abgrenzung gegen rechts. Es kann nicht sein, dass z.B. einer Partei wie der AfD in Deutschland Toleranz entgegen gebracht wird, nur weil sie Menschen erreicht und Wählerstimmen erlangt, aber u.a. auf ein rechtsextremes, nationalsozialistisches, rassistisches, antisemitisches und queerfeindliches Gedankengut baut. Wer an dieser Stelle seine Nulltoleranzgrenze verlässt, seine Brandmauer einreist, erliegt der Komplizenschaft und macht den Rechtsextremismus hoffähig.

OKK lädt zur zweiten Runde der künstlerischen Pilzforschung ein. Dieses Jahr MYKOLOGICA II – open ateliers / Fotografie, Realpilze, Taxonomie, Zeichnung, experimentelles Labor. Die Veranstaltung läuft im Rahmen der Kolonie Wedding / Oktober 23

„Cinco Retratos“ [Fünf Porträts] ist eine zweiundzwanzigminütige Schwarz-Weiß-Looping-Installation von Gabriela Alcofra und Billy Cowie, die 2023 fertiggestellt wurde.
Sie erforscht die Möglichkeit eines gemeinsamen Territoriums zwischen Porträtkunst, frühem Film und Tanz.

Die Präsentation im Kronenboden wird die Weltpremiere des gesamten Werks sein.

dastehen / kopfstehen / nahestehen / aufstehen / danebenstehen / widerstehen / missverstehen / geradestehen / aufrecht stehen / krumm stehen / stehen, stehen, stehen

eine Ausstellung von Maïa Kleinknecht

Vernissage am Freitag 29.03.2024 um 18Uhr

Geöffnet am Kolonie Wochenende: Sa 30. – So 31. von 11-18Uhr

Laufzeit: 11. November – 4. Februar 2024
Do – So, 14 – 18 Uhr

Am Freitag 26 Januar 2024 bis 21 Uhr geöffnet

Art Laboratory Berlin freut sich, die Einzelausstellung der Bio Medien-Künstlerin Saša Spačal mit der neu produzierten künstlerischen Arbeit TERRA XENOBIOTICA (2023) anzukündigen, das auf ihrer aktuellen künstlerischen Forschung basiert.

Die Menschen haben eine zwiespältige Beziehung zum Boden, identifizieren und personifizieren sich oft mit dem Boden als ihrer „Heimat“ und sind auf seine Fruchtbarkeit angewiesen, um zu überleben – und behandeln ihn doch allzu oft als bloßen Schmutz. Diese Vernachlässigung ist in technologischen Zonen noch extremer, nicht nur in Industriegebieten, sondern auch in Kommunikations- und Transporträumen. In ihrem neuen Kunstprojekt TERRA XENOBIOTICA erforscht Saša Spačal das Leben des Bodens an Flughäfen. „Giftstoffe sickern in den Boden und schaffen ungewohnte Landschaften, die nach anderen Verwalter:innen verlangen – nach solchen, die navigieren und pflegen, anstatt zu bewachen oder zu extrahieren“, erklärt Spačal. „Da die Menschheit in einem fortlaufenden Zyklus gefangen bleibt, einem Warteschleifenmuster aus Starts und Landungen, lauert die Vorstellung einer endgültigen Landung in einer unvorstellbaren fernen Zukunft.“

Die Installation Eternity Scanner, die auf einem Aufenthalt im Rillig-Labor für Pflanzenökologie an der Freien Universität Berlin basiert, lädt die Öffentlichkeit ein, zu erforschen, wie Schadstoffe, insbesondere PFAS wie Teflon, so genannte ‚forever chemicals‘, in die Böden von Flughäfen eindringen. Sie bilden Gradients of Eternity, eine Datenbank, die als erste von vielen geschaffen wurde, um ein neuronales KI-Netz zu trainieren, das PFAS-Verschmutzungen auf Bodenchromas erkennen kann, und die metaphorisch die 85 Jahre seit der ersten zufälligen Entdeckung von PFAS symbolisiert. Die Besucher:innen werden eingeladen, ein Bodenchroma auszuwählen und es auf den Eternity Scanner zu legen, der wie ein zeitgenössisches Orakel wirkt. „Die Anweisung ist klar und überzeugend; unsere einzige erforderliche Handlung besteht darin, uns auf die fortwährenden Klanglandschaften des Scanners einzustellen“, bemerkt die Künstlerin. Angetrieben von einer künstlichen Intelligenz liest der Scanner das Chroma und erzeugt eine Sonifikation der darin enthaltenen Informationen, die wie ein klarer Ruf an eine neue Generation ergeht, die das Land nicht als Herrschaft, sondern als Verwandtschaft (kinship) betrachtet.

Der von Saša Spačal und der Kulturtheoretikerin Alison Sperling geschriebene Film Holding Patterns entwirft ein dystopisches Szenario einer nahen Zukunft, in dem Flughäfen zwar noch existieren, aber ohne Funktion sind, und beschäftigt sich mit der Verschmutzung von Boden und Erde. Entscheidend für Spačal ist die „Frage des Erdens, des Geerdet-Seins und der Erdung im einzigartigen Raum des ikonischen, stillgelegten Berliner Flughafens Tempelhofer Feld“. Der Film untersucht die komplexen und vielfältigen Epistemologien, die mit modernen Konzepten des Reisens und der Identität verbunden sind, und schlägt ein neues Modell der Verantwortung, der Fürsorge und des Verwaltens vor.

Art Laboratory Berlin hat bereits mehrfach mit Saša Spačal zusammengearbeitet: Die Künstlerin war mit mehreren Arbeiten bei den Ausstellungen The Other Selves. On the Phenomenon of the Microbiome (2016) und Nonhuman Networks (2017) zu sehen, präsentierte ihre künstlerische Forschung auf der internationalen Konferenz Nohuman Agents (2017). 2019 und 2022 hatte die Künstlerin mehrmonatige Art-Residency-Aufenthalte bei Art Laboratory Berlin und am Rillig Lab | Pflanzenökologie, Institut für Biologie, Freie Universität Berlin, die schließlich zur aktuellen Arbeit TERRA XENOBIOTICA führten.

Regine Rapp & Christian de Lutz

TERRA XENOBIOTICA | CREDITS

Wissenschaftliche Beratung: India Mansour
Storytelling: Alison Sperling
Film-Montage: Maja Andlovic
Installation: Dmitry Morozov
Assistenz: Flore Wormskamp

A concrete artifact that reinterprets a prehistoric symbol which appeared throughout every continent & a planetary hieroglyph made of steel off-cuts that inscribes the sigils of Neptune, Uranus & Pluto.

Opening: 24 November, 2023, 6 -10 pm in OKK/raum29 (Prinzenallee 29
13359 Wedding-Berlin)
Running time: 25 November -17 December, 2023

FLORILEGIUM

Zeichnungen von Peter Anders

„Das Refugium – Der Zufluchtsort“ von Timo Nentwig

Timo möchte unsere heutige Wegwerfgesellschaft nicht nur für das Verständnis von Material und Technik sensibilisieren, sondern diese auch dazu bewegen aus der virtuellen Welt auszubrechen. Wie seine vorigen Arbeiten bereits zeigten, so zeigt er uns hiermit die Entstehung eines harmonischen Zusammenspieles zwischen „Innen und Außen“.

„Jeder Körper braucht Raum, den Er mit sich füllen kann“ ist der Grundsatz für das künstlerische Schaffen.
Zum näheren Verständnis:

Timo möchte unsere Gesellschaft verdeutlichen, daß nicht alles was wir für „Müll“ halten, tatsächlich Müll ist und weg geworfen werden muss. Aus jeder scheinbaren „Unnützlichkeit“ kann man Kleines oder Großes neu in unser Leben integrieren. Was für unsere Gesellschaft oder für unsere Umwelt wieder nützlich bzw. wertvoll ist.
Mit seiner Arbeit stellt er sich gegen den Trend der heutigen Konsumgesellschaft und zeigt auf, daß nicht immer neue Materialen benötigt werden um „kleine Wunder“ zu erschaffen.
Timo möchte uns den Weg zurück zum Handwerk und der zwischenmenschlichen Beziehungen zeigen. Raus aus der virtuellen Welt unserer modernen Technik und raus aus der Anonymität.
Gemeinsam etwas schaffen. Hand in Hand wieder miteinander arbeiten und zusammen die Liebe zum Handwerk neu entdecken. Aus „Altem“ etwas „Neues schaffen und das Bewusstsein für unsere Mitmenschen und unsere Umwelt zurück zu erlangen“, das ist die Botschaft die Timo uns mit seinen Arbeiten verkörpern möchte.

Livemusik am 26.01.2024 ab 20Uhr von:

„SPLASH LEMON“

Andreas Günther Keys

Janco Bystron Drums

Wir zeigen nix – ihr zeigt uns was. Was auch immer. Bringt eure Kunstwerke und Posaunen in unsere leeren Räume und bestückt unsere kahlen Wände mit Kunst aller Art. Dazu gibts Live-Musik von wem auch immer. Wir freuen uns auf ein maximales Durcheinander und auf ein Zusammentreffen von visuellem und akustischem Sternenstaub. Hämmer und Nägel stellen wir zur Verfügung. Eine Anmeldung vorab ist nicht nötig. Bring your stuff!

Das Koloniewochenende kommt und Hannelore ist dabei! Am Freitag freuen wir uns auf den weiteren Auftritt des spektakulären Berliner Post- Music- Duos auf unserem abgetanzten Dielenboden:

HANNELORE (Tom Früchtl & Catherine Lorent)

Freitag, 23.Februar 2024 ab 20 UHR

im Kulturpalast Wedding International
Freienwalder Strasse 20
13359 Berlin – Wedding
http://www.kulturpalastwedding.com

HANNELORE ist ein Musikprojekt der Berliner KünstlerInnen Catherine Lorent und Tom Früchtl, die – im Kulturpalast vor eigenen Bildern und Objekten und mit Gitarre, Schlagzeug und Gesang – einen hochenergetischen Soundteppich gegen alle Regeln der Kunst und des guten Benehmens erzeugen. Wer einmal dabei war kommt wieder.

Das Jahr 2024 könnte entscheidend sein. Ein weiterer Staat könnte von der Weltkarte verschwinden. Vollständig oder innerhalb der uns bekannten Grenzen. Nach mehreren Jahren des Albtraums, der sich um uns herum abspielt, und der Tragödie in unserem Inneren, scheint diese Möglichkeit nicht mehr unvorstellbar. Letztes Jahr haben wir Armenier einen wichtigen Teil unseres Heimatlandes verloren – Arzach. Ein unabhängiger demokratischer Staat, auch bekannt als Berg-Karabach. Armenien ist in Gefahr. Die Ukraine ist in Gefahr. Wer ist der nächste? Wir sind Künstler, und wir haben keine fertigen Rezepte, wie wir Frieden und Stabilität, Wohlstand und Vertrauen in die Zukunft zurückbringen können. Aber uns ist eine Zuflucht geblieben – unsere Liebe und unser Glaube an die Malerei als eine eigene Welt. In dieser Ausstellung wollen wir über die Grenzen dieser Welt nachdenken.

Gagik und ich haben uns 2019 bei einer Vernissage in der Galerie Taube kennengelernt. Gagik war schon öfter in Berlin gewesen und war eingeladen worden, am Dezembersalon der Galerie Taube teilzunehmen. Wie sich herausstellen sollte, war es der letzte Dezembersalon: Im nächsten Jahr wurden wegen der Covid-Pandemie die Grenzen dichtgemacht und künstlerischer Austausch verlangsamte sich drastisch. Im Februar 2022 fielen Bomben auf die Ukraine und Gagik beschloss, sein neues Zuhause, sein Atelier, seine Bibliothek und seine Kunstwerke zu verlassen, um seine Familie zu retten. (Der Krieg begann plötzlich und heimtückisch. Moderne Raketen können jeden Punkt des Landes erreichen, niemand ist sicher). Das malerische Uschhorod, wo Gagik mit seiner jungen Frau und seiner Tochter lebte, liegt an der Grenze zur Slowakei. Ich bot an, mit dem Auto zu kommen und meinen Kollegen an der Grenze abzuholen. Viele Länder von der Schweiz bis Kanada luden die Ukrainer ein, aber Berlin war Gagik bereits vertraut, und er ließ sich mit seiner Familie in der deutschen Hauptstadt nieder.

Ich betreibe zusammen mit meinem Kollegen Andreas Wolf im Berliner Bezirk Pankow die Galerie Wolf & Galentz, und wir kamen nicht umhin, die Situation nach dem Ausbruch der militärischen Aggression zu reflektieren. Im Juni 2022 boten wir der Öffentlichkeit die Gruppenausstellung Kommentare zur Verrat und Gewalt. Gagik stand als Maler im Mittelpunkt dieses Projekts. Gleichzeitig konnten wir nicht erwarten, dass der 69-jährige Künstler in der Lage sein würde, sofort neue Werke für die Ausstellung zu produzieren. Nach seiner Ankunft in Berlin musste Gagik in einem langen Prozess eine Unterkunft für seine Familie, eine Schule für seine Tochter finden und Papierkram erledigen. Gagik brachte aber seine Erfahrung und seine Vision von Kunst mit nach Deutschland und kommentierte meisterhaft die Werke zahlreicher Künstler verschiedener Generationen und aus verschiedenen Ländern stammend in unserer Gruppenausstellung. Gagik nimmt weiterhin aktiv am künstlerischen Leben in Berlin teil, seine Arbeiten sind leicht und virtuos, lebendig und faszinierend. Diese Freiheit des Ausdrucks würde ich mir auch gerne gönnen. 30 Jahre Leben in Berlin haben mich diszipliniert und ein wenig eingeengt. In dieser Ausstellung möchte ich mir erlauben, auch ein kommentierender Maler zu sein. Neben Gagiks Gemälden präsentiere ich eine Reihe von Objekten. Einige sind gefunden, andere werden im Kontex des Rahmens gestellt, aber alle sind nicht mit Pinsel und Farbe geschaffen. Zusätzlich haben wir – beide armenische Künstler – für diese Ausstellung Vereinte Gegenüberstellung eine gemeinsame Druckgrafik erstellt: Rücken an Rücken versucht ich – ein russischer Staatsbürger und Gagik – ein ukrainischer Staatsbürer einen kleinen Freiraum für uns abzugrenzen. Danke an Berlin, wo Künstler Zuflucht finden und and Andreas Wolf und Toolbox wo Gagik Kurginian und ich gemeinsam ausstellen dürfen.

Archi Galentz, geboren 1971 in Moskau (Russland als Teil der UdSSR), 1989 Studium an der Staatlichen Universität für bildende Künste und Theater in Jerewan, Armenien (Teil der UdSSR), 1992–97 Student an der Hochschule der Künste Berlin, Meisterschüler bei Klaus Fußmann. Seit 1989 über achtzig internationale Ausstellungen, seit 2000 Tätigkeit als Ausstellungskurator, Journalist und Lehrbeauftragter. Gründungsmitglied einer Plattform für armenische Diaspora-künstler „Underconstruction.Home“. 2008 Gründung eines eigenen Projektraums InteriorDAsein in Berlin. 2019 Gründung der Galerie Wolf & Galentz mit Andreas Wolf in Berlin Pankow. Vater von zwei Kindern. Archi Galentz lebt und arbeitet in Berlin.

Gagik Kurginian, geboren 1953 in Eriwan, Armenien (Teil der UdSSR). 1966 Umsiedlung mit den Eltern nach Saporischschja, Ukraine (Teil der UdSSR). 1977 Diplomabschluss an der Staatlichen Medizinischen Universität. Neben der Beschäftigung als Arzt betätigte er sich auch als Juwelier, Sportler und Künstler. Seit 1989 Teilnahme an zahlreichen internationalen Ausstellungen. 2015(?) Umzug nach Uschhorod, Ukraine, 2022 Umsiedlung mit Familie nach Berlin. Vater von zwei Kindern. Gagik Kurginian lebt und arbeitet in Berlin.

Bilder der Berliner Achtzigerjahre

Ausstellungsdauer: 28.01.–03.03.2024

Öffnungszeiten: So.: 14:30–17:30 Uhr, Mo.: 17:30–21:30 Uhr

In Berlin geboren und aufgewachsen blieb Klaus Jurgeit (1937–2017) der Stadt Zeit seines Lebens eng verbunden und malte seine Stadt in mehreren fantastischen Werkserien – darunter die Berliner Hinterhöfe, die Berliner Zimmer und die Punks.

In den frühen 1980er-Jahren begann Jurgeit, Berliner Interieurs in Aquarell auf Papier zu malen, Zimmer, oft in besetzten Häusern, manchmal sind ihre Bewohner:innen mit abgebildet. Die Bilder sind kompositorisch überzeugend, und mit einer erstaunlichen Aufmerksamkeit für Details 
hat er fein und präzise die gesamte Inneneinrichtung gemalt. Einige der 
Arbeiten sind regelrechte Wimmelbilder, und beim Betrachten sind immer wieder neue Entdeckungen zu machen.

In der gleichen Zeit – bis in die Neunzigerjahre – malte Jurgeit auch 
Hinterhöfe in Berlin. Es sind teils desolate Orte, die durch die liebevolle Darstellung plötzlich zu abbildens- und betrachtenswerten Sujets werden. Die Werke beider Serien sind eigenständige Kunstwerke und gleichzeitig Zeitdokumente – Bilder einer vergangenen Zeit.
Eine dritte Serie umfasst Porträts von Punks, die Jurgeit auf den Straßen Berlins traf und sie bat, sich von ihm malen zu lassen.

HIGHER STATES OF MATTER – 2022/2024 –

Gefangen zwischen dem Universellen und dem Individuellen. Salz als Element der Illusion, durch eine Reise in einen unbekannten Planet.

Einführung von Paolo Nocentini – Higher states of matter ist eine Untersuchung des Raums, die durch einen Wechsel der Perspektive des Subjekts durchgeführt wird, eine Enthüllung, in der der Künstler eine nun verklärte Realität vorfindet, einen Raum, in dem eine scheinbare Sammlung von Beweisen sich dem Fantastischen öffnet. Der Versuch einer Rekonstruktion fällt in phantasmatische Leerräume, in denen das Element erschaffen, benutzt, vergraben, ausgegraben, transportiert und neu platziert wird, wobei sich die lebenden Formen dem Fotografen neu präsentieren, indem sie ihr Aussehen verändern und nun ihr dunkles, stilles Profil zeigen. Der Betrachter wird eingeladen, eine Welt zu betreten, in der sich das Reale und das Unechte überschneiden. Das Werk ist eine Meditation über die Macht, die wir haben, auf Bilder (und damit auf Erinnerungen) gleichzeitig einzuwirken, als wäre es dieselbe Bewegung, über die Macht, die Bilder haben, uns zu verändern.
Die gleichmäßige mentale Landschaft, die „Higher states of matter“ uns überlässt, ja uns auffordert, sie zu erforschen, ist eher eine Schwelle zwischen Phänomen und Wesen – ein Abfallland, vielleicht selbst ein Rest wie ein unbeleuchteter Satellit, der nur sein verborgenes Gesicht zeigt. Ein Schauer der Angst oder der Einsamkeit überkommt uns dann: diese Welt könnte unsere sein, wir selbst ihre Relikte.

a.m.

Frank Kästner

Objekt-Installation

Videoworks by students of Aalto University Helsinki, Finland

Reetta Saarikoski, Sandra Enkvist, Erik Vartiainen, Katja Niemi

Still foto: Reetta Saarikoski

Valérie Potvins Ausstellung QUARTZ bei ROSALUX untersucht die Metapher des „weiblichen Körpers als Schlachtfeld“ im Zusammenhang mit Feminizid und dem Kampf für Frauenrechte und betont, dass weibliche Körper oft im Zentrum sozialer, politischer und wirtschaftlicher Konflikte stehen. Die Künstlerin präsentiert dem Berliner Publikum ein neuartiges ökofeministisches Werk, das die Zerstörung der Natur mit der Zerstörung von Frauen verbindet, indem es eine visuelle Verbindung zwischen dem weiblichen Körper und der Mineralienwelt herstellt.

Der Körper erscheint wie ein Geist, entweder in grünes kristallines Harz eingekapselt oder farblos; erstarrt, mit Schlangen geschmückt oder in einer Haltung, die eine heilige oder rituelle Dimension suggeriert. Das Werk lässt den Besucher in eine seltsame fiktive Welt eintauchen, eine Welt, in der diese weiblichen Körper und die Natur angesichts der Zerstörung ihre Macht wiederzuerlangen scheinen. Das Werk bietet einen offenen Raum, der zum Nachdenken anregt, und hinterfragt die inhärenten Widersprüche unserer Welt, die zwischen Licht und Dunkelheit schwankt und die Komplexität des menschlichen Daseins offenbart.

Valérie Potvin lebt und arbeitet zwischen Kanada und Deutschland. Sie hat einen interdisziplinären Master-Abschluss in Kunst sowie einen Bachelor-Abschluss in Bildender Kunst von der Laval University in Kanada. Ihre Forschung wurde von zahlreichen Institutionen unterstützt und mit Preisen in Quebec und Kanada ausgezeichnet. Ihre Werke wurden unter anderem im National Museum of Fine Arts of Quebec, Kanada, im SESC Pinheiros in São Paulo, Brasilien, und im Cameron Art Museum in Wilmington, North Carolina, USA, ausgestellt.

Ihre multidisziplinäre Praxis umfasst skulpturale Installationen, Kunst im öffentlichen Raum und Video. Sie schafft großformatige, immersive Werke, die die Wahrnehmung der Betrachter herausfordern und sich mit sozialen, ökologischen, politischen und feministischen Themen auseinandersetzen. Ihre Kunst setzt sich mit Themen wie Identität, Körper, Macht, Sexualität und Tod auseinander, provoziert Fragen und betont ethische und dringende Themen.

Mit der Unterstützung durch die Vertretung der Regierung von Québec in Deutschland

Ortsspezifische Farben verbinden Farbe und Ort in einer Form der topografischen Wahrnehmung durch lokale Farbe. Welche farbgebenden Pflanzen und Mineralien finden sich an diesem Ort, wie lässt er sich durch Farbe wahrnehmen oder begreifen? Das Projekt erkundet Themen wie Plant Blindness, Stadtökologie, Mapping, Bio-Invasivität und Migration bis hin zu Zero Waste, Queer Ecologies und zwischenartliche Kooperation.

Daraus entstehen ortsspezifische Farbcharts, die einen Ort aufnehmen, kartieren und charakterisieren. Das bringt auch mit sich, dass Pflanzen je nach Bodenbeschaffenheit – so wie Belastung oder menschengemachte Bodenzusammensetzungen – unterschiedliche Farben und Töne produzieren. Das gleiche gilt für die Wasserzusammensetzung, insbesondere für Säure- und Mineraliengehalt.

Bei der Herstellung kommen Prozesse wie Fermentation, Oxidation, Modifizierung durch Metalloxide und das Verschieben des PH-Werts zum Einsatz, um Farben hervorzuholen, zu intensivieren und zu stabilisieren. Derzeit entsteht eine Serie von Charts für 12 Orte in (zunächst) Berlin, über den Lauf eines Jahres und durch alle Phasen der Pflanzenzyklen hindurch.

Der Workshop Hidden Colours. Inkmaking with Plants in Urban Space unter der Leitung von Käthe Wenzel fand im Juli 2024 statt, und einige der Ergebnisse werden auch in der Ausstellung zu sehen sein.

Colour Topographies

Käthe Wenzel ist Künstlerin und Forscherin und arbeitet mit hybriden Körpern, queeren Ökologien und den Strukturen urbanen Konsums. Sie stellt Maschinen und Survival-Kits für die Navigation in der hegemonialen Kultur zur Verfügung und erforscht das Wissen über Pflanzen. Wenzel ist Professorin für Ästhetische Praxis an der Europa-Universität Flensburg. Sie war Fulbright-Austausch Stipendiatin in New York und Senior Fellow am IFK Wien.
Sie erhielt zahlreiche Förderungen und Stipendien, u.a. von der Stiftung Kulturfonds, der Heinrich Böll-Stiftung, der Karin-Abt-Straubinger-Stiftung, vom Künstlerdorf Schöppingen und das NRW Stipendium Kunst-Wissenschaft-Wirtschaft und andere mehr. Ihre Arbeiten sind in zahlreichen öffentlichen Sammlungen vertreten, u.a. im Deutschen Technikmuseum Berlin, im Museum Weserburg Bremen, im LWL Museum für Kunst und Kultur – Westfälisches Landesmuseum, im Roemer-Pelizaeus-Museum Hildesheim, im Museum Oldenburg, im Mittelrheinmuseum, in der Künstlerbuch-Sammlung der Telavi State University, Georgien, u.a.m.
www.kaethewenzel.de
www.globalupfitters.com

Archiv Ausstellungen 2003-2022:
https://goodold.koloniewedding.de/sporkluebue/index.html

NI versus AI

Die Bas CS Gallery (im Rahmen der Kolonie Wedding e.V.) lädt alle zur Gruppen-Ausstellung Natural Intelligence vs. Artificial Intelligence, NI versus AI ein.
Die Eröffnung der Ausstellung findet am 23. Februar um 18:00 Uhr statt.
Die Ausstellung dauert bis zum 22. März.
Während der Ausstellung finden verschiedene Meisterkurse, Vorträge und Workshops statt. Suchen Sie nach Informationen auf Insta, Facebook usw.
Öffnungszeiten der Galerie, Samstag, Sonntag, von 14 bis 20 Uhr.

Comedy & Stand Up – Abend am Freitag, 25.August 2023 im Kulturpalast Wedding International. Beginn um 21 Uhr.

Witze und lustige Gesellschaft sind ja bekanntlich etwas sehr Gutes. Aus diesem Grund veranstaltet der Kulturpalast im August ein Comedy Open-Mic, bei dem ihr sorgsam ausgewählten Comedians beim Ausprobieren und Feilen an ihren Sets zuschauen könnt. Moderiert wird das Ganze von Maja Stinnen. Der Eintritt erfolgt auf Spendenbasis.

An' it harm none, do what thou wilt
Okta Collective & Friends

Dovile Aleksaite, Lucy Kerr, Alisi Telengut (Okta Collective), Tobi Keck, Cammack Lindsey

Die kuratierte Ausstellung des Okta Collective, die bei Rosalux im Rahmen von “Vorspiel transmediale” stattfindet, erforscht Ideen der Hexerei als konzeptuellen Rahmen für Heilung und Transformation in unserer turbulenten Zeit. Das Programm beinhaltet Videoarbeiten, Skulpturen, Textilarbeiten sowie eine Live-Performance. Die Werke teilen ein kollektives Gefühl der Sehnsucht. Sehnsucht nach Heilung, Transformation, nach Magie und Wiedergeburt und nach Solidarität. Der altenglische Titel ‚An‘ it harm none, do what thou wilt‘ bedeutet, dass man dem nachgehen soll, nachdem man sich sehnt, solange es einem selbst oder anderen nicht schadet.

Der Textildruck von Dovile Aleksaite zeigt die Schafgarbe (Achillea Millefolium). Sie ist eine der ältesten Heilpflanzen, die in der Heilung und Magie eingesetzt wurden. Früher als “Kraut der Hexe” bezeichnet, besitzt die Schafgarbe starke Energie- und Heilkräfte und symbolisiert Mut und energetische Heilung.

Die extremen Close-Up-Porträts „Sensible Ecstasy“ von Lucy Kerr ähneln Ekstasen weiblicher Heiliger und drücken das Verlangen aus, über die Grenzen des Körpers hinaus zu gehen und den Himmel zu berühren, mobilisiert durch Achterbahn-Apparaturen, die dieses Verlangen noch eindringlicher verdeutlichen.

In Alisi Telenguts Animation ‚Tears of Inge‘, in der Töne und Musik ein schmerzgeplagtes Kamel und sein neugeborenes Baby versöhnen, wird Sound verwendet, um Verbindungen in einer Gemeinschaft zu schaffen, die über menschliche Grenzen hinausgehen.

Tobis Kecks Installation konserviert handgeschnitztes Gemüse in Alkohol, um dessen lebendige natürlichen Farben und Pigmente zu erhalten und evoziert damit mittelalterliche alchemistische Praktiken.

Am Eröffnungsabend inszeniert Cammack Lindsey in einer Live-Performance ein beklemmendes Konzert in einer Mischung aus Folklore und Arbeiterliedern. Lindsey nutzt dazu selbstgemachte Instrumente und materialisiert durch eine granulare Synthese Magie, um in dieser einzigartigen Banjo-Ballade Geister auferstehen zu lassen.

Bios
Cammack Lindsey komponiert politische holobiotische Musicals, die wissenschaftliche und historische Relikte des Versagens des extraktiven Kapitalismus untersuchen, um Geschichten des kollektiven Widerstands zu verkörpern. Durch Märchen, Klangkunst, Performance und Installationen entstehen die Werke aus der Zusammenarbeit mit Cyanobakterien, DIY-BioArt/Hacking-Techniken, der Stimme, Lärm und der Materialisierung von Farben, Magie und Geistern.

Dovilė Aleksaitė ist eine litauische bildende Künstlerin, die mit Video, Sound und Performance arbeitet. Ihre Praxis beschäftigt sich mit Fragen der anthropozentrischen Weltanschauung, Vorstellungen von Emotionen und Natur, menschlichem vs. nicht-menschlichem Bewusstsein. Ihre Arbeiten wurden in Gruppenausstellungen unter anderem in der AdK Berlin, im HKW Berlin und im Deutschen Haus New York gezeigt.

Alisi Telengut ist eine kanadische Künstlerin mongolischer Herkunft, die zwischen Berlin, Deutschland, und Tiohtià:ke/Montréal, Kanada, lebt. Sie ist eine preisgekrönte Animationsfilmmacherin. Telenguts Werke wurden international aufgeführt und ausgestellt, unter anderem im Academy Museum of Motion Pictures, auf dem Sundance Film Festival, TIFF, der Biennale VIDEONALE im Kunstmuseum Bonn, der OSTRALE Biennale, dem Anthology Film Archives, dem Image Forum Japan und anderen Veranstaltungsorten.

Lucy Kerr (* 1990 in Houston, Texas) ist Filmemacherin, Künstlerin, Choreografin und Pädagogin. Kerrs Projekte wurden auf dem Locarno Film Festival, dem International Film Festival Rotterdam, dem FIDMarseille, dem San Sebastian International Film Festival, dem Reykjavik International Film Festival, dem San Francisco Museum of Modern Art, REDCAT, Anthology Film Archives, der Francois Ghebaly Gallery, der McEvoy Foundation for the Arts und anderen Veranstaltungen präsentiert.

Tobi Keck (*1987) ist bildender Künstler und lebt in Berlin. Seine Arbeiten sind meist installativ und skulptural und aus unterschiedlichsten Materialien. Wobei rohe und konservierte Gemüseteile wie etwa geschnitzte Rüben, Gipsreplikate in hohen Stückzahlen oder Fratzen-Motive immer wieder auftauchen.

Eröffnung: Freitag, 29. 9. 2023, 19 Uhr

Künstler:innen
Sahar Nahavandi Nejad, Atefeh Mehrvarz, Minoo Kiani,
Azin Rostami, Raheleh Ghavipanjeh, Behnam Bakhshizadeh,
Farhad Gavzan, Hossein Ghafouri

Ergänzt wir die Ausstellung durch kleinere Werke zum gleichen Thema von den Toolbox-Mitgliedern Maija Helasvuo, Sampsa Indrén,
Mika Karhu, Niina Räty, Juha Sääski und Ilkka Sariola.

kuratiert von Farhad Gavzan and Ilkka Sariola

Abb.: Sahar Nahavandi Nejad, o. T., Bleistift auf Pappe, 50 x 70 cm

Zeitgenössische Kunst aus Finnland (1)

28.09.–30.10.2023

Eröffnung: Do 28. 09. 2023, 19 Uhr

Künstler:innen:

Mika Karhu, Niina Räty, Kari Vehosalo

Die erste Ausstellung  der neuen Reihe mit finnischer zeitgenössischer Kunst bei Wolf & Galentz legt einen thematischen Schwerpunkt auf Mechanismen der Subjektkonstitution in der Moderne, Herrschaftsverhältnisse und tatsächlichen oder imaginierten freien Willen. Ein besonderer Fokus liegt hierbei auf Michel Foucaults Sexualität und Wahrheit.

Artwork (Detail) | Mika Karhu: Fragile of the Senses, 2023, Kohle auf Papier, 40×30 cm

Mika Karhu, geboren 1969 in Joensuu, Karelia, Finland, studierte bildende Kunst und Grafik an der Hochschule für Kunst und Design in Nordkarelien, am Institut für Druckgrafik der Lahti Universität, an der Universität für Kunst und Design Helsinki und promovierte in bildender Kunst an der Aalto Universität in Helsinki, an der er heute Kunst unterrichtet.
Er hat seine Kunst in vielen Einzel- und Gruppenausstellungen in Finnland und international ausgestellt und seine Werke sind in etlichen öffentlichen Sammlungen vertreten. Er lebt und arbeitet in Hyvinkää und Helsinki.

Mika Karhu beschäftigt sich in seiner Kunst mit menschlichen Emotionen – psychischen Aspekten des Menschseins – im Zusammenhang mit Gesellschaftsstrukturen, Macht- und Herrschaftsverhältnissen, basierend auf langjährigen Studien von Psychologie, Neurologie, Philosophie und politischer Theorie. Ein besonderer Schwerpunkt liegt dabei auf Trauma, Angst und Verletzlichkeit. In seinen düsteren Tuschebilder in Grautönen, Schwarz und Weiß repräsentiert das Dunkle die Schattenseiten, Gewalt, Depression, Terror und das, worüber wir nicht sprechen (können); das Helle die Erkenntnis, Hoffnung.

Kari Vehosalo (geboren 1982 in Finnland) hat an der Hochschule für angewandte Wissenschaften Lahti, Institut für bildende Künste, und an der Aalto-Universität, Universität für Kunst und Design studiert. Vehosalo ist in vielen wichtigen Sammlungen vertreten, darunter KIASMA – Museum für zeitgenössische Kunst, Sara Hildén Art Museum, Helsinki Art Museum, Lahti Art Museum. Er lebt und arbeitet in Helsinki.

Kari Vehosalos Kunst gibt der gemeinsamen abstrakten sozialen Realität eine Form. Soziale Normen, Pflege, Arbeit, Tod, Freude und Schmerz sind in seiner Kunst präsent, aber losgelöst von vertrauten Bedeutungen. Vehosalos Bildsprache spielt mit dem Realitätssinn, indem sie Dinge und Welten darstellt, die wahr, aber nicht real sind. Durch Verfremdung ermöglicht Vehosalos künstlerische Praxis die ständige Neubewertung der ontologischen Landkarte, die wir der Welt entgegenhalten.
In seiner Kunst hat sich Vehosalo eingehend mit Fragen der Macht auseinandergesetzt. Seine Werke erforschen die Psychopathologie des Alltags und Strukturen der Realität.

Niina Räty, 1973 in Lahti geboren, lebt und arbeitet in Helsinki.
Sie studierte an der Liminka Kunstschule, an der Akureyri Schule für bildende Kunst, dem Lahti Institut für bildende Kunst und sie erhielt ihren Master of Fine Arts an der Academy of Fine Arts in Helsinki. Sie hat ihre Arbeiten in vielen Ausstellungen in Finnland, Deutschland, den USA, Großbritannien, Schweden und Belgien gezeigt und hat etliche Stipendien von verschiedenen finnischen Institutionen erhalten.

Fische (Statement zur Ausstellung Under the Gaze)

In den letzten Jahren habe ich viele Fische gemalt und auch ein paar gefangen.

Meine Arbeit ist von traditionellem Stillleben, Akten und Porträts beeinflusst, konzentriert sich aber auf die Form und die Eigenschaften des eigentlichen Sujets. Mit diesen Gemälden möchte ich die körperlichen Ähnlichkeiten zwischen Fischen und ruhenden Menschen deutlich machen. Am Ende sind beide bloß fleischgefüllte Schläuche, wortlose Klumpen der Stille in einer klammen Haut.

Die Einzelausstellung von HyungJun Park Artificial Consciousness. Exposing the Invisible: Data, Rendering and Code vereint drei Kunstwerke, die in den letzten fünfzehn Jahren entstanden sind. Parks künstlerische Erkundung konzentriert sich auf die Beziehung zwischen Maschine und Menschen sowie zwischen Menschen und nichtmenschlichen Wesen. Er verbindet und zeigt nichtmenschliche sensorische Erfahrungen durch technologische Werkzeuge für menschliche Körpererfahrungen, die andere Wahrnehmungen nachahmen.

Somniloquy ist Parks laufende Forschungsarbeit und sein Promotionsprojekt, das sich mit menschlichen und maschinellen Träumen beschäftigt. Park hat Traumtagebücher geführt, um das menschliche und maschinelle Bewusstsein zu erforschen. Im Zuge des Hypes um KI-Tools und ihre Zugänglichkeit wurden maschinelle Lernwerkzeuge in den letzten Jahren immer häufiger in der neuen Medienkunstszene eingesetzt. KI-Tools wurden als stark voreingenommen kritisiert – weiß, eurozentrisch, homophob und frauenfeindlich durch die Inhalte, die sie von ihren Benutzer:innen gelernt haben. Im Gegensatz dazu beschäftigt sich Park in seiner künstlerischen Forschung mit dem maschinellen Lernen aus einem subjektiven Blickwinkel heraus und erstellt einen einzigartigen Datensatz, der auf den Träumen und Bildern basiert, die er im Laufe der Jahre gesammelt hat. Auf der Grundlage seiner Träume erschafft (oder träumt) das KI-Tool neue, humorvolle und absurde Erzählungen, die auf den vom Künstler eingegebenen Texten und Bildern basieren.

I am an Artefact erforscht, was die Seele ist, und zeichnet den Sitz der Seele im menschlichen Körper aus wissenschaftlicher und spekulativer Sicht nach. Die alten Ägypter:innen glaubten, die Seele befinde sich im Herzen, und die Babylonier:innen glaubten, die Seele befinde sich in der Leber. Der moderne Mensch geht davon aus, dass es keine Seele gibt oder dass sie eine Emotion ist, die durch eine chemische Reaktion des Gehirns verursacht wird. Der menschliche Körper und die Seele sind Parks Hauptanliegen in diesem Projekt, das mit dem technologischen Zeitalter zusammenhängt. Der Entstehungsprozess des Kunstwerks I am an Artefact begann mit Ganzkörper-MRT-Scans von ihm selbst. Der Künstler schuf eine Reihe von Objekten aus verschiedenen Materialien, wie z. B. eine 1:1-Größe von Parks Herz aus Bienenwachs, einen Scan seines Kopfes, der für eine 3D-gedruckte Glasskulptur verwendet wurde, und Zeigefingerabdrücke, die mit Aerogel geformt wurden – einem Material, das als leichtester Feststoff bekannt ist. Mit dieser Reihe von Werken hat Park der Seele eine spekulative, physische Wirkung verliehen und die Bedeutung der Seele und ihrer Materialität auf ’natürliche und künstliche Materialien‘ übertragen.

Utopia ist eine Schnittstelle, die es dem Publikum ermöglicht, die visuellen Sinne aus einer nichtmenschlichen Perspektive zu erkunden. Diese Schnittstelle zielt darauf ab, eine Verbindung zwischen Menschen und Maschinen herzustellen. Analoge Monitore symbolisieren menschliche Augen. Vor dem Monitor ist ein Trichter installiert, so dass das Publikum jeden Monitor nur mit einem der eigenen Augen unabhängig voneinander sehen kann. Im Gegensatz zu Spinnen oder Insekten kann das menschliche Auge nicht beide Objekte gleichzeitig sehen. Durch diese Trennung der beiden Monitore gewinnt das Publikum jedoch eine neue visuelle und kognitive Erfahrung und erkundet die Erweiterungsfähigkeit der eigenen Sinne.

HyungJun Park lebt und arbeitet in Berlin und entwirft interdisziplinäre Kunstwerke durch die Zusammenarbeit mit verschiedenen Forschungsinstituten. Im Jahr 2012 arbeitete er mit dem Institut für Diagnostische und Interventionelle Radiologie in Düsseldorf zusammen, 2013 wohnte und arbeitete er am Institute of Machinery Research in Korea. Im Jahr 2015 wurde er für das Stipendium Arts-Science-Economy in Schöppingen ausgewählt. Seine Arbeiten wurden im Zentrum für Kunst und Medientechnologie in Karlsruhe (ZKM) ausgestellt und gesammelt. Er ist ein Mensch, der gerne offen ist, und seine Arbeiten basieren auf Kunst und Wissenschaft. Seine Interessen umfassen visuelle Kognition, Computertechnologie, das philosophische Selbst und den künstlerischen Körper.

Mehr informationen: https://artlaboratory-berlin.org/de/ausstellungen/artificial-consciousness/

Im Weltraum ist es still

In der Rauminstallation von Mirjam Dorsch sind zwei Welten miteinander verwoben, die nicht weiter voneinander entfernt sein könnten. Haben sie Gemeinsamkeiten? Was machen diese Welten aus? Eine Bodeninstallation aus Teppich und Watte, die über einen Bühnensteg begehbar ist und an unsere Milchstraße erinnern kann, steht einem Klang gegenüber aus einer individuellen Welt, einem Zustand, in dem die Sinne schlafen und unbewusstes Leben stattfindet.

Ähnlich dem Äquivalenzprinzip, mit dem Albert Einstein die Relativitätstheorie erschlossen hat, gibt es auch beim Schnarchen eine kosmische Rahmenverschiebung. Das Geräusch, welches beim Schlafen hinderlich ist, sowohl dem/der Schlafenden als auch dem/der Wachliegenden, lässt in dem schwarz gebettetem öffentlichem Raum ganz andere Assoziationen zu.

Die Watte liegt wie Sternnebel über dem schwarzen Hochflor. Akustisches Material bewegt sich in regelmäßigen Abständen durch den 42 Quadratmeter großen Ausstellungsraum. Mit gleichmäßigem Brummen und Gurren scheint das Universum zu atmen. Können wir etwas Lebendiges im Kosmos vermuten? Und wenn ja, schläft es dann? Sind wir vielleicht doch nicht allein? Und könnte das nicht beruhigend sein? Vermutungen an außerirdischen Lebens geht im wissenschaftlichen Kontext bis in die 70er Jahre zurück.

Poetische und spielerische Erzählungen haben lange die machtvollen, religiösen Erzählungen abgelöst und schaffen immer wieder Stoff für neue Höhenflüge der Fantasie. Der Titel der Ausstellung kann auch ein Hoffnungsschimmer sein, ein Mantra: „im Weltraum ist es still“- wenn das Geräusch des Schlafes, das Schnarchen eines Anderen, einem selbst den Schlaf raubt.

Statment Mirjam Dorsch

„In meiner bildhauerischen Arbeit begegnen mir verschiedene Materialien und Techniken, die mich in meiner Arbeitsroutine begleiten und sich miteinander verbinden, überschneiden oder ablösen. Elemente der Kunstproduktion und des Kunstbetriebs werden thematisiert und zuweilen spielerisch vertauscht oder verschoben, um ihre Eigenschaften zu zeigen und neue Sichtweisen zu ermöglichen. Die Perspektive ist dabei ein verschiebbarer Rahmen, der den Blick auf das lenkt, was nicht sofort wahrnehmbar ist und als Lücke erscheint. Die Analyse und Bearbeitung von naturbelassenen und verarbeiteten Materialien zeigen Zusammenhänge, die infrage gestellt werden können und für meinen Schaffensprozess inspirierend sind.“

Eröffnung: Fr, 29.09.2023, 19:00

Öffnungszeiten:
Sa, 30.09. + So, 01.10., 15:00-18:00
sowie nach tel. Vereinbarung: Tel. +49 (0)179 8593744

Fragmentarisch und absichtlich rätselhaft in seiner Form, bietet Song Circle eine Sammlung von Vignetten, von Tableaus, in denen die Suche nach Bedeutung mit der Unmittelbarkeit der Gefühle konkurriert. Eine subtile Melancholie taucht auf, die mit der Einsamkeit und dem allgegenwärtigen Gefühl zu tun hat, das mit der unaufhörlichen Suche nach dem Anderen einhergeht, die uns unweigerlich zu unseren eigenen Gefühlen der Verwirrung zurückführen wird.

Diese Emotionen, die manchmal in Crescendos münden, manchmal völlig zurückgehalten werden, bieten eine traumartige Erzählung, die zwischen dem Realen und dem Imaginären, zwischen einer mentalen Projektion und dem projizierten Bild hin- und herpendelt. Manchmal wird die Vergangenheit in die Gegenwart konjugiert oder auf die unergründliche Zeit, die Zukunft, eingestimmt. Die besuchten Orte erscheinen fremd und doch vertraut, die Lebenden unerreichbar, in sich gekehrt oder in Gesten versunken, die ihre Anwesenheit in der Welt bezeugen.
Song Circle ist ein visueller Choral, der von synaptischen Klängen durchzogen ist. Die Partitur ist ein Protagonist, der sowohl von den Instrumenten als auch von den Musikern verkörpert wird. Akribisch dekonstruiert, um die Umgebungsgeräusche zu unterwandern und sogar zu dominieren, bringt die Musik Reibung zwischen den Räumen und Zeiten, die sich gegenseitig ignorieren, ermöglicht heimliche Begegnungen und bringt Menschen zusammen, die keinen anderen Zweck verfolgen als den, dass die Zeit im Takt des Metronoms vergeht.

Song Circle geht überall hin, nur nicht in einer geraden Linie. Seine Windungen, wie Kreise im Wasser, hallen nach, ohne sich je zu berühren, hören, um besser zu sehen, und schauen, ohne zu hören, alles in einer Endlosschleife. Aus solchen Ellipsen entsteht ein Werk von tiefster Menschlichkeit, von dem niemand so recht etwas behalten wird. Alleine, gemeinsam. – F.C.

Die Québecer Künstlerin Anne-Renée Hotte hat nach einem Bachelor-Abschluss in Fotografie an der Concordia University (2010) einen Master-Abschluss in Visual and Media Arts an der Université du Québec à Montréal (2016) erworben. Ihre Arbeiten wurden u.a. im Musée d’art contemporain des Laurentides (St-Jérôme), im Musée des beaux arts de Sherbrooke, in der Galerie Artem (Frankreich), in der Galerie de l’UQÀM (Montréal), bei Volta New York ausgestellt. Preisträgerin des PRIM-Dazibao residency, das zur Realisierung von Song Circle führte. Ihre Arbeiten sind in mehreren öffentlichen und privaten Sammlungen zu finden.

Mit der Unterstützung durch die Vertretung der Regierung von Québec in Deutschland

FLORILEGIUM

zeigt Zeichnungen von Peter Anders aus diversen seriellen Arbeiten wie

„Auslandsjäger“, „chinese landscape“, „Armleuchter“, “ein paar Blätter zu Mensch und Tier“

„Handshake“ und „armes Auto“ sowie eine Reihe Einzelblätter.

„Cinco Retratos“ [Fünf Porträts] ist eine zweiundzwanzigminütige Schwarz-Weiß-Looping-Installation von Gabriela Alcofra und Billy Cowie, die 2023 fertiggestellt wurde.
Sie erforscht die Möglichkeit eines gemeinsamen Territoriums zwischen Porträtkunst, frühem Film und Tanz.

8. Teil des on-going-projekts unvollendete Handlungen

von Elena Ilina und Christine Häuser

Collagen, Fotobearbeitungen

Vernissage 27.10.2023 um 19 h

Öffnungszeiten 29.10.23 von 14 bis 18 h

Atelier Soldina Soldiner Str. 92 Berlin 13359

 

Die Ausstellung „Glory to U…“ präsentiert die Werke von drei ukrainischen Künstlerinnen, die aufgrund des russischen Angriffskrieges gegen die Ukraine in Berlin gelandet sind. Die Teilnehmerinnen der Ausstellung erzählen durch ihre Kunst von der Ukraine, dem Krieg, Verlusten, dem Tod und dem Leben.

Olga Shulika wurde in Severodonetsk (Lugansk Region) geboren, entwickelte sich jedoch als Künstlerin in Kharkiv, wo sie ihre künstlerische Ausbildung erhielt und viele Jahre lebte. Ihre Gemälde auf der Ausstellung präsentieren metaphysische postindustrielle Landschaften des Donbass. Das Thema Krieg, Tod, Verlust wird durch mehrschichtige semantische Codes vermittelt, während der monumentale Ansatz, scharfe Rhythmen und Spannungen einen großen energetischen Schub verleihen und ein breites Spektrum von Emotionen vermitteln, die die Künstlerin aufgrund der Kriegsereignisse, der Besetzung ihrer Heimatstadt und der Hoffnung auf den Sieg empfindet. Severodonetsk ist derzeit von den Truppen der Russischen Föderation besetzt, und die Stadt hat aufgrund der Kriegshandlungen erhebliche Zerstörungen und viele Opfer unter der örtlichen Bevölkerung erlitten.

Katerina Barvinska ist eine Restauratorin und Künstlerin aus Kharkiv und präsentiert auf der Ausstellung ihre grafischen Arbeiten, die den Städten Kharkiv und Berlin gewidmet sind. Katerina verließ Kharkiv während der dramatischen Phase zu Beginn der umfassenden Invasion der russischen Armee in die Ukraine. In den ersten Monaten des Jahres 2022 war Kharkiv unter massiven Angriffen des Aggressors, und ein großer Teil des Stadtteils Saltivka, in dem die Eltern der Künstlerin lebten, wurde fast vollständig zerstört. Die Angriffe auf Kharkiv dauern immer noch an. Ihre Serie von Stichen zeigt die zerstörten Gebäude in Nord-Saltivka und erzählt die Geschichten der Bewohner, von denen die meisten nie wieder in ihre Heimat zurückkehren werden. Eine Serie von Aquarellarbeiten, die Berlin gewidmet ist, visualisiert ihre eigenen Beobachtungen über die große europäische Stadt, die zu ihrem neuen Zuhause geworden ist.

Olena Kishkurno ist ebenfalls eine Restauratorin und Künstlerin aus Kharkiv. Ihrem Umzug nach Berlin gingen schwierige Wochen im Kharkiv Metro während der kontinuierlichen Angriffe der russischen Armee auf Kharkiv voraus. Die Serie von Porträts von Olena Kishkurno, die auf der Ausstellung präsentiert wird, handelt von Verlust und Wiedergeburt, was ein integraler Bestandteil der Tragödie des Krieges ist. Die Autorin weist darauf hin, dass der Verlust ein sehr breites Konzept ist, das in das Leben eines jeden Ukrainers eingetreten ist. Während des Krieges haben viele ihre Angehörigen, ihre Heimat, Teile ihres Körpers und ihr Leben verloren. Aber wir haben die Hoffnung, dass die Ukraine wiederauferstehen wird, denn die Liebe zu unserem Land wird alles überwinden.

Kuratoren der Ausstellung:

Dr. Viacheslav Shulika
Kunsthistoriker, Künstler, Restaurator

Eine Ausstellung mit Zeichnungen von Jake Sherwood. Alle diese Zeichnungen stammen aus den letzten 3 Jahren und wurden in Berlin, auf der Straße oder auf einem Markt gemalt. Einige der Dargestellten lesen ein Gedicht.

Kohle, Pastell, Acrylfarbe, recycelter Kunststoff, Klebeband, Graphit, Kurkuma, Haarspray.

Es gibt Vorstellungen, die aufhören. Enttäuschungen, die uns neubegegnen.

Während der Eröffnung gibt es eine Live-Musik-Performance. Eintritt frei.

Live-Musik Performer: joris rose
Zeit der Performance: Freitag, 25. August, 19 Uhr
Kurator*innen: Araiké Treccani Da Silva, Michelle o’Higgins

Zum ersten Mal in Berlin
Phantom Gallery – Medium Drawing
Die Phantom Galerie präsentiert in Deutschland lebende internationale Künstler, die mit dem Medium Zeichnung arbeiten.
Die Phantom Galerie ist im 2022 in New York erstanden und ist ein fortlaufendes Projekt der Dead Artists Society (2006 – ∞). Pop-up-Ausstellungen wurden in Zusammenarbeit mit anderen Galerien, Kuratoren und Ausstellungsorten organisiert.
Die Ausstellung in der Berliner Künstlerkolonie Wedding wurde in Kooperation mit der Blah-Blah Project Raum, Berlin + Drawing Radio, Woltersdorf initiiert. 

Vernissage: Fr. 25 August 2023 18 – 21 Uhr

Soldiner Str. 103 , 13359 Berlin

Ausstellungsdauer und Öffnungszeiten:

Sa. 26 August 13-16 Uhr

So. 27 August 13-16 Uhr

Teilnehmende Künstlerinnen und Künstler: 

Catherine Lorent https://catherinelorent.net

Ricarda Hoop https://ricardahoop.de/

Frank Diersch http://frank-diersch.de/

Marcus Neufanger https://vandergrintengalerie.com/artists/marcus-neufanger/

Michael Kalmbach  http://michaelkalmbach.de

MishMash http://www.mishmash.ru

Dead Artists Society – Jackson Pollock 
http://juliakissina.com/artworks/dead-artists-society/

Laura Bruce   https://www.laura-bruce.com

Julia Kissina http://juliakissina.com 

Klaus Killisch www.klaus-killisch.de

Andrey Klassen https://www.andreyklassen.com

Anton Laiko http://www.cargocollective.com/antonlaiko

Kata Unger  http://www.kata-unger.com/

Raymond Pettibon

Drawing Radio: https://radio-woltersdorf.org/redaktion-drawing-radio/

Titelbild: @ Klaus Killisch

Niina Räty (Malerei und Zeichnung), Maija Helasvuo (Holzskulpturen)

25.8.–23.9.2023

Öffnungszeiten: Mi–Sa 15-19 Uhr

An Feiertagen geschlossen

Maija Helasvuo

Meine in der Ausstellung gezeigten Skulpturen sind im Gedenken an meine verstorbenen Verwandten entstanden.
Im alten finnischen Glauben fungiert der Vogel als Bote zwischen den Lebenden und den Toten. Die Verbindung zum Jenseits besteht also immer.

Abb. Titelbild: From Spring to Autum, 2021, Foto: Jussi Tiainen

Niina Räty

Ich habe einen Hund, der Freude und Struktur in mein Leben bringt. Sie vertraut mir, leistet mir eifrig Gesellschaft und macht gewöhnliche Tage sinnvoller. Sie wird als mein Eigentum betrachtet. Tiere werden gehandelt, sie werden gemolken, geschoren und geschlachtet, sie werden zum Tragen und zum Wettbewerb gezwungen. Ist es überhaupt möglich, eine Beziehung zu einem Tier aufzubauen, ohne Vorteile zu suchen?

Toolbox Kabinett

Im Kabinett werden sich zwei Musikarchäologen vorstellen.
Einer aus Finnland und einer aus Berlin:
Dr. Arnd Adje Beide
Dr. Riitta Rainio
Präsentiert wird eine archäomusikologische Installation bestehend aus einem Virtual-Reality-Video und Keramikskulpturen von Instrumentalisten.

Die Virtual-Reality-Videos erwecken die Geräuschkulisse an der Felsmalereistätte von Siliävuori, Finnland, vor etwa 5.000 Jahren zum Leben. Die bemalte Felswand, die sich direkt aus dem See erhebt, antwortet auf Trommeln und Gesang mit Echos. Es wird angenommen, dass die Felsmalereien mit Abbildungen von Tieren, Menschen, Booten und sogar Trommlern Ritualplätze für prähistorische Jäger, Fischer und Sammler waren.
Die Virtual-Reality-Rekonstruktion von Silävuori wurde in Zusammenarbeit von Archäologen, Musikwissenschaftlern und Kognitionswissenschaftlern der Universität Helsinki unter Verwendung von terrestrischen und Luft-Laserscans, sphärischen Fotografien, räumlichen Impulsantworten, Studioaufnahmen und anderen Techniken erstellt. Die Arbeit war Teil von Dr. Riitta Rainios Projekt “Acoustics and auditory culture at hunter-gatherer rock art sites in Northern Europe, Siberia and North America”, das von der Academy of Finland (2018-2023) finanziert wird.

Victory over Nature and Man [Sieg über Natur und Mensch]

Zeichnungen von Jussi Pyky

Toolbox Kabinett: Carola Ernst

Eröffnung: Freitag, 27.9.2024 um 19–22 Uhr

Es gab ihm Feuer.
Er kochte das Fleisch und aß.
Er erhitzte das Erz, um das Eisen zu trennen.
Er schmiedete ein Schwert, eine Axt, einen Pflug und eine Sense.
Er baute einen Unterstand für das Vieh und schirrte sein Pferd an, um den Pflug zu ziehen.
Er eroberte das Land, rodete die Wälder, säte den Acker und erntete die Früchte.
Es gab ihm einfache Maschinen.
Er grub sich in den Boden.
Er baute große Maschinen, die den Inhalt der Erde in den Himmel schleuderten.
Sie schenkte ihm Elektrizität.
Er baute Motoren und Roboter, um Arbeiten zu erledigen, die Menschen gebraucht hätten.
Er schenkte ihm Radiowellen.
Er entwickelte das Radio und nutzte es, um seine Propaganda zu verbreiten.
Sie schenkte ihm künstliche Intelligenz.
Er häufte riesige Mengen an Material an, um zu kontrollieren, zu herrschen und seine Gewinne zu maximieren.
Das gab ihm Macht.
Er hatte blindes Vertrauen in seine Vision und Unfehlbarkeit.
Er hielt all das Elend und Leid, das er verursachte, für notwendig.
Das ist der Preis des Fortschritts.

Jussi Pyky (geboren 1985 in Tyrnävä, Finnland) lebt und arbeitet in Helsinki. Er schloss sein Studium am Lahti Institute of Fine Arts im Jahr 2009 und an der Finnischen Akademie der Schönen Künste im Jahr 2016 ab. Pyky hat seine Werke in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen in Finnland und im Ausland präsentiert. Seine Arbeiten befinden sich in der Sammlung Seppo Fränti im Museum für zeitgenössische Kunst Kiasma und in privaten Sammlungen.

Download CV Jussi Pyky (PDF)

Carola Ernst – Wirkung [Effect]

Solar, 2021
indian ink, watercolor – wax pastell, oil pastel chalk, acrylic, graphite on canvas
136 x 121 cm (artist framed)

Vexierbilder, Kippfiguren, Wimmelbilder, Formen der multistabilen Wahrnehmung und
Multiperspektive sind in der Kunst bekannte Ausdrucksformen.

Ich beschaftige mich mit der Erforschung neuer Wahrnehmungsstrategien in der Malerei
und Zeichnung. Auf wissenschaftlicher Ebene wird meine Arbeit von Theorien der
weiterfuhrenden Psychophysik und Erkenntnissen der Neurowissenschaften uber
Wahrnehmungs- und Bewusstseinsprozesse beeinflusst. Die Grenzen der Wahrnehmung
mit der Frage von Wirklichkeit, Fantasie und Imagination sind wesentliche Bestandteile.
Das Erleben verschiedener Realitatsebenen in der Bildenden Kunst, wie sie z. B. auch bei
Bewusstseinsverschiebungen im Traum oder Rauschzustand erfahren werden konnen,
sowie die Intensivierung von Eindrucken durch provozierte Emotionen oder intrusive
Erinnerungen bilden den Kern meiner kunstlerischen Arbeit.

27. – 28.09.2024 Heather Allen / Neo-Geo: a ’new geography’ of the subconscious

Neo-Geo is a 2024 series of paintings in which I am searching more for a feeling than achieving a predetermined aesthetic. I let the shapes, forms and lines emerge intuitively, the decisions made are more visceral than cerebral. It’s an exciting process; I don’t know what the end result will be until I reach the point of ‚this is it‘.

heatherallen.net
@heather_allen_art

Gastausstellung Niederländische Künstler:innen in InteriorDAsein und Toolbox. In Zusammenarbeit mit Kunstruimte 411, Haarlem, Niederlande. Kuratiert von Hans Kuiper und Archi Galentz.

Mit Werken von Marius van Zandwijk (Malerei), Aquil Copier (Malerei), Piet Zwaanswijk (Kollage/Print), Jessica Assmann-Zwaanswijk (Malerei), Sina Khani (Malerei), Ilja Warmerdam (Malerei), MC de Waal (Fotografie), Antonio Rego (digital drawing Drucke), Gerard Veldman (Malerei), Daan van Houten (Zeichnung/Holzschnitt), Rene Bosch (Fotografie/Malerei), Tarik Sadouma (AI-Print) und Hans Kuiper (Zeichnung/Malerei).

Im Dialog mit Berliner Künstlern:nnen : Gisa Hausmann, Jelisaweta Klutschewskaja, Edwin Dickman, Klaus Jürgeit, Tamara Ivanova, Marina Koldobskaja, Jovan Balov,  Thomas J.Richter, Cristina Artola, Svenja Schüffler, Markus Schaller, Gagik Kurginian, Julia Katan,  Julia Kissina, Patrick Huber und andere.

KOOK: Festival zu zeitgenössischen Positionen der Visuellen Poesie
/Festival on contemporary positions in visual poetry
27. 09. – 17.10.2024
kuratiert von/curated by Kathrin Bach & Erec Schumacher

mit Arbeiten von/with works by: Kathrin Bach, Anke Becker, Mara Genschel, Victoria Hohmann, Elena Kaufmann, Titus Meyer, Mario Osterland, Johann Reißer/Ursula Seeger, Simone Scharbert, Carsten Schneider, Erec Schumacher und Andreas Töpfer

Eröffnung/Opening: Fr/Fri, 27.09.2024, 19:00
19:30 Lesung/Reading, Performance, Gespräch/Conversation mit/with Katrin Bach, Mara Genschel, Mario Osterland, Erec Schumacher

Veranstaltungen/Events:
Di/Tue, 08.10.2024, 19:30
_Lesung/Reading, Performance, Gespräch/Conversation mit/with Victoria Hohmann, Titus Meyer, Simone Scharbert und Carsten Schneider

Finissage: Di/Tue, 15.10.2024, 19:30
_Lesung/Reading, Performance, Gespräch/Conversation mit/with Anke Becker, Elena Kaufmann, Johann Reißer/ Ursula Seeger und Andreas Töpfer

Öffnungszeiten/Opening hours: Di/Tue-Do/Thu: 16:00-19:00, Sa/Sat: 15:00-19:00

Am 27. September beginnt das kleine feine KOOK-Festival „Das lässt sich sehen – zeitgenössische Positionen der Visuellen Poesie“ im Projektraum Spor Klübü in Berlin- Wedding mit der Eröffnung einer Gruppenausstellung. Mit Kathrin Bach, Anke Becker, Mara Genschel, Victoria Hohmann, Elena Kaufmann, Titus Meyer, Mario Osterland, Johann Reißer/ Ursula Seeger, Simone Scharbert, Carsten Schneider, Erec Schumacher und Andreas Töpfer zeigen insgesamt 13 Künstler:innen in der Ausstellung ihre Arbeiten der Visuellen Poesie.

Visuelle Poesie ist hybrid, divers und dynamisch und gehört zu den spannendsten und vielfältigsten Ausdrucksformen gegenwärtiger Literatur. Visuelle Poesie verlässt die reine Textebene und agiert grafisch, zeichnerisch, typografisch, fotografisch, reduziert, nicht- linear, experimentell, subversiv, radikal, skeptisch, spielerisch, gesellschaftspolitisch, verrätselt, narrativ. Visuelle Poesie macht Verflechtungen sichtbar und manifestiert kollektives künstlerisches Arbeiten. Sie dekonstruiert, setzt neu zusammen, zoomt heran und heraus, lässt alles zu Material werden, collagiert, recycelt und kompostiert.

Das Festival „Das lässt sich sehen – zeitgenössische Positionen der Visuellen Poesie“ holt die die Visuelle Poesie, die schwerpunktmäßig im Internet stattfindet, in ihrer ganzen Vielfalt in den analogen Raum. In einer Gruppenausstellung und drei Veranstaltungen mit Lesungen, Performances und Gesprächen beschäftigen sich die Künstler:innen mit unterschiedlichen Ansätzen, Arbeitsweisen und künstlerischen Verfahren, mit Kollektiven und Netzwerken – und deren poetischen Potentialen.

Zur Vernissage am 27. September geben die Künstler:innen und Autor:innen Kathrin Bach, Mara Genschel, Mario Osterland und Erec Schumacher in Gesprächen, Lesungen und Performances Einblicke in ihre Arbeiten und künstlerischen Praxen.

In den minimalistisch und poetisch-verrätselten Collagen der Lyrikerin Kathrin Bach gehen Gegenstände eigenartige Symbiosen ein und sind Ausdruck einer Vulnerabilität zwischen Aufbruch, Zögern und Geflechtseinwollen. Die Schriftstellerin Mara Genschel hinterfragt mit visueller, konzeptioneller und performativer Poesie die Mechanismen des Literaturbetriebs, ob als Diskurstouristin Cindy Press, als Schnauzbartträgerin beim Bachmannpreis, als Selfpublisherin von Referenzflächen oder in ihrem Video „Arbeit“, das sie vor ihrem Rechner eben beim Arbeiten zeigt. Der Lyriker Mario Osterland vermischt in seiner Collagenserie „HALOs“ lyrische Prosa, Gedichtfragmente und poetische Notate. Thematisch beschäftigt er sich aus den Erfahrungen der Corona-Zeit mit trostspendender Bildsprache und säkularisierter Heiligkeit. Der Schriftsteller und Verleger Erec Schumacher spielt in seiner mittlerweile 26teiligen Chapbook-Reihe unterschiedlichste Verfahren visueller und konzeptioneller Poesie durch. Er poetisiert das BGB, arrangiert aus Klingelschildern Gedichte, verfasst Typewritings, Piktogramme und Collagen und experimentiert mit Plakatkunst oder Sofortbildkameras.

Ein Projekt des unabhängigen Künstler:innen-Netzwerks KOOK e.V.
In Kooperation mit Spor Klübü. Projektleitung: Erec Schumacher

Mit freundlicher Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt.

Pressekontakt: Jutta Büchter, buechter@kookverein.de
KOOK im Netz/KOOK on the web: kookverein.de | facebook.com/kook.verein

«ВІДБИТКИ» – українсько-німецький виставковий проєкт, що є дослідженням мінливості стану, емоцій, подій, присутності, ефемерності та умовності часу.

Шість художників пропонують шість власних станів, що складаються в єдиний відбиток, презентований у виставковому просторі в різних художніх матеріалах: живопис, графіка, гобелен:

Вячеслав ШУЛІКА. 1976 р.н. Харків, Україна, зараз мешкає у Берліні.

Художник-реставратор, живописець, доктор філософії, доцент, завідувач кафедри Реставрації та експертизи творів мистецтва Харківської державної академії дизайну і мистецтв; член правління, голова секції реставрації творів мистецтва Харківської організації Національної спілки художників України.

Працює в техніці олійного, акварельного, акрилового та темперного (жовткова темпера, казеїно-олійна темпера) живопису.

З 2022  р. учасник науково-реставраційного проекту Фундації Прусських палаців та парків Берлін-Бранденбург (Німеччина) із дослідження та реставрації творів живопису Фламандської школи XVII ст.

Співорганізатор, куратор виставки.

Роботи, що представлені на виставці є самоаналізом власного перебування художника в Берліні, розмов, подорожей, спостережень. Це не великі історії про друзів та випадкових людей, що траплялись в полі зору художника. Таким чином на виставці представлені як сюжети, що розтягнуті у часі так і сюжети що демонструють миттєві зміни стану.

Ольга ШУЛІКА. 1977 р.н. Сіверськодонецьк Луганської обл. Україна. З 1994 р. мешкає у м. Харків, зараз мешкає у Берліні.

Художник-живописець, графік.

Роботи художниці є дослідженням присутності людини, коли стан речей, роздуми, зміна станів передається через композиції де образ людини відсутній.

Хiперснобъ. Німецький художник українського походження. Мешкає та працює в м Берлін, Німеччина

Роботи художника, які виконані в техніці ціанотипії, є відображенням динаміки людського життя, де невід’ємно присутній мотив смерті.

Катерина БАРВІНСЬКА. 1989 р.н. м Харків, Україна. Мешкає у м. Берлін, Німеччина.

Художник та реставратор. Член Національної спілки художників України. Викладач кафедри реставрації та експертизи творів мистецтва Харківської державної академії дизайну і мистецтв.

Працює в галузі реставрації творів мистецтва а також живопису та графіки.

Творчість художниці є дослідженням стану буття через мову людського тіла. Більшість представлених робіт виконані у техніці друкованої графіки, що є відбитками в прямому сенсі.

Олександр ХОМЕНКО. 1956 р.н.  м.Єнакієве Донецької обл, Україна. Мешкає у м. Харків, Україна.

Художник по текстилю. Член Національної Спілки художників України. Доцент Харківської державної академії дизайну і мистецтв.

Гобелени Олександра Хоменко є втілення пограничних станів природи, що врізається в пам’ять, та є складовими поворотних моментів життя. Художник відгороджує свій внутрішній всесвіт від зовнішнього частоколом дерев, таким чином зберігаючи себе від відбитків оточення.

Олена КІШКУРНО. 1976 р.н. м Харків, Україна. Мешкає у м. Берлін, Німеччина.

Художник та реставратор. Член Національної спілки художників України. старший викладач кафедри реставрації та експертизи творів мистецтва Харківської державної академії дизайну і мистецтв.

Працює в галузі реставрації творів мистецтва, станкового живопису.

В картинах художниці квіти як образи емоційних станів.

Др. Вячеслав Шуліка.

 «SPUREN» – ein ukrainisch-deutsches Ausstellungsprojekt, das die Vergänglichkeit von Zuständen, Emotionen, Ereignissen, Präsenz, Ephemerität und die Relativität der Zeit erforscht. Sechs Künstler präsentieren sechs individuelle Zustände, die sich zu einer einzigen Spur vereinen, die im Ausstellungsraum in verschiedenen künstlerischen Materialien gezeigt wird: Malerei, Grafik, Gobelin.

Viacheslav SHULIKA, 1976, Charkiw, Ukraine, lebt derzeit in Berlin.
Künstler-Restaurator, Maler, Doktor der Philosophie, Dozent und Leiter der Abteilung für Restaurierung und Expertise von Kunstwerken an der Charkiwer Staatlichen Akademie für Design und Kunst; Vorstandsmitglied und Vorsitzender der Restaurierungssektion der Charkiwer Organisation des Nationalen Künstlerbundes der Ukraine.

Er arbeitet in den Techniken der Öl-, Aquarell-, Acryl- und Temperamalerei (Gelb-Tempera, Kasein-Öl-Tempera).

Seit 2022 und bis heute ist er Teilnehmer des wissenschaftlich-restauratorischen Projekts der Preußischen Schlösser und Gärten Stiftung Berlin-Brandenburg (Deutschland) zur Untersuchung und Restaurierung von Gemälden der flämischen Schule des 17. Jahrhunderts.

Mitorganisator, Kurator der Ausstellung.

Die Werke, die in der Ausstellung präsentiert werden, sind eine Selbstanalyse des Aufenthalts des Künstlers in Berlin, Gespräche, Reisen und Beobachtungen. Es sind keine großen Geschichten über Freunde und zufällige Menschen, die im Blickfeld des Künstlers auftauchten. So werden in der Ausstellung sowohl Erzählungen gezeigt, die sich über die Zeit erstrecken, als auch solche, die sofortige Veränderungen von Zuständen demonstrieren.

Olga SHULIKA, Siewierodonezk, Oblast Luhansk, Ukraine. Seit 1994 lebt sie in Charkiw, derzeit in Berlin.

Künstlerin, Malerin, Grafikerin.

Die Arbeiten der Künstlerin sind eine Erforschung der menschlichen Präsenz, bei der der Zustand der Dinge, Überlegungen und Zustandsveränderungen durch Kompositionen vermittelt werden, in denen die menschliche Figur abwesend ist.

 HYPERSNOB. Ein deutscher Künstler ukrainischer Herkunft. Lebt und arbeitet in Berlin, Deutschland.

Die Werke des Künstlers, die in der Technik der Cyanotypie ausgeführt sind, spiegeln die Dynamik des menschlichen Lebens wider, in dem das Motiv des Todes untrennbar präsent ist.

Kateryna BARVINSKA, 1989, Charkiw, Ukraine. Lebt in Berlin, Deutschland.

Künstlerin und Restauratorin. Mitglied des Nationalen Künstlerbundes der Ukraine. Dozentin an der Abteilung für Restaurierung und Expertise von Kunstwerken an der Charkiwer Staatlichen Akademie für Design und Kunst.
Sie arbeitet im Bereich der Kunstrestaurierung sowie in der Malerei und Grafik.

Die Kunst der Künstlerin ist eine Erforschung des Seins durch die Sprache des menschlichen Körpers. Die meisten der präsentierten Werke sind in der Technik der Druckgrafik ausgeführt, die im wahrsten Sinne des Wortes Abdrücke sind.

Oleksandr KHOMENKO, 1956, Jenakijewe, Oblast Donezk, Ukraine. Lebt in Charkiw, Ukraine.

Textilkünstler. Mitglied des Nationalen Künstlerbundes der Ukraine. Dozent an der Charkiwer Staatlichen Akademie für Design und Kunst.
Die Wandteppiche von Oleksandr Chomenko verkörpern Grenzzustände der Natur, die sich ins Gedächtnis einprägen und Bestandteile von Wendepunkten im Leben sind. Der Künstler schützt seine innere Welt vor der äußeren Umgebung mit einem Zaun aus Bäumen, wodurch er sich vor den Eindrücken seiner Umgebung bewahrt.

Olena KISHKURNO, 1976, Charkiw, Ukraine. Lebt in Berlin, Deutschland.

Künstlerin und Restauratorin. Mitglied des Nationalen Künstlerbundes der Ukraine. Senior Dozentin an der Abteilung für Restaurierung und Expertise von Kunstwerken an der Charkiwer Staatlichen Akademie für Design und Kunst.
Sie arbeitet im Bereich der Kunstrestaurierung und der Staffeleimalerei. In den Gemälden der Künstlerin symbolisieren Blumen emotionale Zustände.

Dr. Viacheslav Shulika

Herzlich willkommen zur Eröffnung der am Fr 29. November 2024 um 19:00-22:00

Öffnungszeiten am Kolonie Wedding Wochenende:

Sa: 30.11.2024: 15:00-18:00

So 01.12.2024: 14:00-18:00

Ausstellung läuft bis zum 4. Januar 2025

Öffnungszeiten vom 2.-14.12.2024 nach Vereinbarung

E-Mail: mail@galerietoolbox.com

Finissage: 4. Januar 2025 (13:00-18:00)

Um 15:30 Uhr gibt es eine Performance von Frans von Tartwijk mit Guda Koster

Galerie Toolbox präsentiert ‚Motifs récurrents‘, eine Gruppenausstellung mit Werken der in Amsterdam lebenden Künstler Frans van Tartwijk (NL), Jean-Philippe Paumier (Fr) und Jean-Philippe Rousset (Fr). Die Ausstellung läuft von Freitag, den 29. November bis Samstag, den 4. Januar. Die Eröffnung findet am 29. November statt.

Die Ausstellung besteht aus einem dreifachen Gespräch zwischen Zeichnungen, Gemälden und Installationen. Im Galerieraum ausgestellt, zeigen sie gegenseitige Einflüsse, Bezüge und Korrespondenzen zwischen den Kunstwerken auf. Die Künstlerinnen und Künstler erforschen auf je eigene Weise verschiedene Aspekte der Realität und lassen diese in ihre Werke einfließen.

Motifs récurrents“ beabsichtigt nicht, eine Schlussfolgerung zu ziehen, sondern bietet eine gemeinsame Basis für formale gemeinsame Interessen, auf der jeder Künstler seine eigene visuelle Grammatik und ästhetische Aussage entwickelt.

Frans van Tartwijk (NL, 1963) ist ein niederländischer Maler und Performance-Künstler. Seine Arbeiten wurden in zahlreichen Galerien und Kunsträumen in den Niederlanden und im Ausland ausgestellt. Kürzlich nahm er zusammen mit Guda Koster an einer Residenz in Chengdu (China) teil.

Jean-Philippe Rousset (Fr, 1973) hat an der Kunstakademie von Clermont-Ferrand studiert. Er lebt und arbeitet in Amsterdam. Seit 2018 bildet er ein Künstlerduo mit Jean-Philippe Paumier (JP&JP) und stellt regelmäßig in und um Amsterdam aus.

Jean-Philippe Paumier (Fr, 1980) schafft hauptsächlich Skulpturen und Installationen, die auf den Prinzipien des „ready-made“ und „objet trouvé“ basieren. Seine Arbeiten wurden bereits in verschiedenen Kunsträumen, Kunstmessen und Galerien in den Niederlanden und im Ausland ausgestellt.

www.fransvantartwijk.nl

www.paumier.weebly.com

artwork (detail):Frans von Tartwijk: Everyone, Everything, Always, Everywhere #40 (2024)

Galerie/Projektraum TOOLBOX

Koloniestraße 120

13359 Berlin-Wedding

U-Bahn Osloerstraße

An Feiertagen ist die Toolbox geschlossen

The mycelium as an entity and ecological motor of forests. Symbiosis and exchange as the basic building blocks of ecological societies. What can we learn from the rhizomatic existence of fungi, as humans, as a society? The idea is to show the mycelium as a cosmic creation in all its diversity, capable of appealing to all our senses. The project aims to familiarise the public with learning about and dealing with mushrooms.

Above the earth there is war & exploitation, below the earth there is co-operation & symbiosis. Fungi co-exist with their habitats and nourish them. They are indispensable for the majority of trees. The system has been functioning for millions of years.

The exhibition presents artistic works, documentary material and an installation of mushrooms collected in real life. Inputs from photography, painting, drawing, design and science are combined and presented as a complete work of art.

11 artistic positions from various disciplines and of international origin will be shown. The exhibition takes place in the Berlin project space OKK (Organ kritischer Kunst). Paticipants:

Günter Miglanz
Dasha Plesen
Elise Puddy
Pablo Arminius
Colin Brown
Ernesto Venegas Angel
Ooi Bak Kheang
Andrea Vüllings
Meleynastudios
Andriy Shnyr
Richard Clauss

The exhibition runs from 01.11.2024 – 24.11.2024

Atelier Soldina präsentiert die erste Solo Show des Künstlers Fjodor Krasnikow, Absolventen der Kunstakademie München, Klasse Freie Malerei Prof. Kretschmann, in Berlin. Seine Malerei mit scheinbar klassischen Sujets mit eigenwilliger Farbgebung, die das Naturvorbild nicht kopiert, birgt jedoch in sich Motive voller eindringlicher Aktualität. Seine Themen sind primär Darstellungen von Menschen am Rande der Gesellschaft, Zerstörung der Natur in der städtischen Umgebung, kurzum die Verletzlichkeit und die Einmaligkeit des Lebens selbst. Solche Akzente zeigen sich in seinen Bildern nicht vordergründig, der Betrachter ist aufgefordert, sie selbst in den Bildern des Künstlers zu entdecken. Die subtile Behandlung dieser in der Kunst eher marginalisierten Themen, versteckt hinter der Farbenpracht der Bilder, erhöht die Wirkung der von Krasnikow hinterfragten künstlerischen Gestaltungsnormen.

https://www.fjodor-krasnikow.de

https://klassekretschmann.de/fjodor-krasnikow/

https://www.taunusartgallery.de/…/fjodor-krasnikow…/

http://superplusateliers.de/fjodor-krasnikow/

https://www.instagram.com/fjodorkrasnikow/

Atelier Soldina Soldiner Str 92, 13359 Berlin-Kolonie Wedding

Vernissage Fr 27.9.24 um 19 Uhr / Finissage Fr 25.10.2024 um 19 Uhr

geöffnet So 29.9.24 von 14 bis 19 Uhr und So 27.10.2024 von 18 – 21 Uhr

„Failures NOIR – (Kriege) im Post-Truth“
Stefan Römer
26.10. – 09.11.2024

Eröffnung/Opening: Freitag/Friday, 25.10.2024, 19:00

Öffnungszeiten und Veranstaltungen/Opening hours and events:
Sa/Sat, 26.10., 15:00 –18:00, Lesung #1/Reading #1, 16:00
So/Sun, 27.10., 15:00 –18:00

Finissage: Sa/Sat, 09.11., 15:00 –18:00, Lesung #2/Reading #2, 16:00
geöffnet/open: 28.10. – 08.11. nach tel. Vereinbarung/by appointment: 0179-8593744

In seiner Ausstellung „Failures NOIR – (Kriege) im Post-Truth“ im Spor Klübü zeigt Stefan Römer die neuen Arbeiten: Filmstills aus „Der Gelbe Film“ und Datumsgemälde auf Leinwand.

„Der Gelbe Film“ von Stefan Römer versteht sich als ein künstlerischer Kommentar auf die aktuellen multiplen Kriege und Krisen, er befindet sich in der Produktionsphase. Der Filmemacher Derek Jarman gab mit seinem letzten Film „Blue“ seinen Abschied, bevor er an HIV starb. Und Hartmut Bitomsky analysierte in seinem Buch „Die Röte des Rots von Technicolor“ den Zusammenhang von Ökonomie und Semiotik in der Produktion von Filmen. „Der Gelbe Film“ erweitert diese beiden unterschiedlichen Filmansätze nun auf die kriegerische Gegenwart, die von politischer Willkür und Lüge gekennzeichnet ist. Gelb als helle positive Farbe versucht eine poetische/ethische Synthese in Bild und Sound. Die ungegenständlich abstrakten gelben Filmstills, die von einer visuellen Zartheit charakterisiert sind, werden durch den neuen Zyklus der Datumsgemälde in einen historischen
Rahmen wirkmächtiger Ereignisse gestellt: Failures NOIR

Die gelben Filmstills und die Datumsgemälde gehen an den Ausstellungswänden Arrangements ein, zu denen auch themenorientiert Arbeiten anderer Künstler:innen wie Louise Lawler und Thomas Ruff hinzukommen. Außerdem zeigt die Ausstellung die Installation “The Artistic Mind of S. R.“, in der Videos und Filme neben Textausdrucken von Stefan Römer zu sehen sind.

Bio
Stefan Römer ist ein de-konzeptueller Künstler. Seine Arbeiten sind für ihren kritischen Einsatz von unterschiedlichen Medien bekannt. Sie verbinden Praxis und Theorie in visuellen, musikalischen, räumlichen und performativen Praktiken. Dabei geht es um eine kritische Auseinandersetzung mit dem Konzeptualismus und den Neuen Medien, womit er auf eine soziale und politische Publikumsansprache zielt. Er erforscht Themen mit hoher gesellschaftlicher Relevanz: »Strategien des Fake«, »Konzeption eines Bildarchivs für Migrant/innen und Flüchtlinge« oder der Dokumentarfilm »Boulevard of Illusions. Differentiated Neighbourhoods“.
In seiner Kunst experimentiert er mit einem transmedialen Ansatz in postpanoptischen, feministischen und postkolonialen Bezügen. Künstlerisches Schreiben dient ihm als: Selbsterforschung, Selbstermächtigung und Selbstverteidigung. Dies kann unter anderem auch zur Komposition von Popsongs führen.

Ausstellungen zuletzt solo//Recent solo exhibitions:
„Failures NOIR“, Chambre Directe – SCHUBIGER, St. Gallen/Schweiz 2024
„ReCoded Failures – A Transcategorial Retrospective“, Periode project space, Berlin 2022 „DeConceptualize – the project“,kjubh Kunstverein, Köln 2021

Gruppenausstellungen//Group shows:
„Dystopia Sound Art Biennale“, Berlin 2024
„Broken Music Vol. 2″, Museum Hamburger Bahnhof, Berlin 2023

https://stefanroemer.com/de

The art exhibition "Not a hopeless world" brings together the works of more than 10 artists from several
countries: Ukraine, Russia and Belarus.
The main idea of the presented works is to show our world from different perspectives: with an
emphasis on its fragility and imperfection, or, on the contrary, highlighting the warmest and most
tender things. One of the aims of the exhibition is to show the contrast between hope and
hopelessness: their collision, their combination, their coexistence. This is where fundamentally different
views of the fragile world intersect, clash and argue. The point in their endless conversation would be
determined by the viewer himself.
Roman ZOLOTOI, the curator of the exhibition and founder of the creative association RL Galeries, is
making open to Berlin works from his personal collection, created by artists commissioned by him.
The RL Galeries collection is represented in the exhibition by digital drawings printed on paper: Victoria
ZEMLYA, Anna PAULOVNA, Polina KORNILOVA and others, as well as original drawings by Oleg
HASANOV. The themes of the works illustrate Roman's poems, some of which are also presented in the
exhibition.
Special attention in these works is paid to the Arbat, an ancient street in Moscow, famous for street
artists, poets and musicians. In the exhibition you can see and hear the street music of the metropolis in
the video installation "Sound of the Underground".
In addition to the collection of RL Galeries, the exhibition features works by independent artists,
including graphics by Anna KERUBIN, paintings by Karolina KUZNETSOVA, and ceramics by Darya
AVERINA.
Alexander KOPOTILOV spreads his installation «Literal Feelings» at your feet. He also shows and
presents selected photos from the series «Project 365» – his online experiment to daily publication of
beauty and meanings, running from September 2024.
The works of Konstantin RUDENKO are curated by Vladimir STUDENOV.
Welcome to the "not HOPELESS world"!

Denis Oding. Zeitgeist
Ausstellungseröffnung 25.10.2024, 18:00.
BAS CS Galerie 
Soldinerstraße 103, Berlin

Denis Oding ist ein in St. Petersburg und Berlin lebender Künstler, der auch als Schöpfer großflächiger Lichtmedieninstallationen und massiver Rave-Events bekannt ist. Vielleicht ließen der Klang des Nachnamens Oding und seine deutschen Wurzeln seine Faszination für die germanisch-skandinavische Mythologie schon irgendwie erahnen. Er begann, Quellen zu studieren und Nachrichten zu seinem Lieblingsthema zu verfolgen - von wissenschaftlichen Büchern und Magazinen bis hin zu der die Welt erobernden Industrie der Wikingerserien, Fantasy-Blockbuster und Computerspiele.

Heute kann Denis Oding als der letzte Meister angesehen werden, der die germanisch-skandinavische Mythologie in der russischen Kunst des einundzwanzigsten Jahrhunderts aktualisiert. Das Talent von Oding wurde in der Ära der Kulturrevolution an der Wende der 1980er und 1990er Jahre geformt. Die Künstler dieser Generation zeichnen sich durch die Abwesenheit von Dogmen und die dynamische Entwicklung von Formen und Mitteln der Kreativität aus. Denis begann seine Kunstkarriere in dem berühmten besetzten Haus in der Swetschnoj Gasse 1, wo er und seine Freunde fluoreszierende Gemälde im leuchtenden „Acid“-Stil schufen und Räume gestalteten, in denen das ehemals unsichtbare soziale Leben aufflammte.

Im Jahr 2010 „infiziert“ sich Oding mit Mythologie und Sagen, reist durch Norwegen und arbeitet am „Midgard“-Zyklus („Mittelerde“ - in alten Legenden eine von Menschen bewohnte Welt). Es sind meditative Landschaften mit majestätischen Fjorden in Pastelltönen.

Künstlern werden oft visionäre Fähigkeiten zugeschrieben, und in der Tat beginnt Oding in den Jahren 2020-2022, als würde er den Ausbruch des Krieges im Zentrum Europas vorwegnehmen, plötzlich mit der Arbeit an einem neuen Zyklus, der dem Reich des Feuers - Muspelheim - gewidmet ist. Die Edda beschreibt den Ursprung des Lebens wie folgt: „Am Anfang gab es nichts als den schwarzen Abgrund Ginnungagap, an dessen beiden Seiten Reiche lagen: Nebel - Niflheim (die Personifizierung von Kälte und Dunkelheit) und Feuer - Muspelheim. Muspelheim wurde von einem feurigen Riesen, Surtr, bewacht, der ein flammendes Schwert in den Händen hielt. (...) Am Tag von Ragnarök werden seine Horden „wie ein Südwind“ nach Norden ziehen, um gegen die Æsir-Götter zu kämpfen. In der letzten Schlacht wird Surtr Freyr töten, sein Schwert wird den Weltenbaum Yggdrasil fällen, und dies wird der Beginn des Todes der ganzen Welt sein“.

Die ruhige, kontemplative Stimmung von Odings Gemälden wird nun durch eine beängstigende Dynamik, Kontraste und helles Farbflimmern ersetzt. Der Künstler hat mehrere Dutzend verschiedene Arbeiten auf Papier und Leinwand in Ölpastelltechnik geschaffen. Eines der vier Hauptelemente der Welt wird vom Künstler in verschiedenen Hypostasen dargestellt: die feurige Gehenna, der Familienherd, der Feuergeist Salamandra und so weiter. Die Stilistik des Meisters ist ebenso vielfältig: vom Fotorealismus über Schablonierungen unter einem Runenornament bis hin zu Graffiti und Bildern, die dem Genre der Fantasie nahe stehen.

In dieser Ausstellung präsentiert Denis sieben Werke, die Feuer darstellen und stilistisch sowohl als hyperrealistisch als auch als halbabstrakt bezeichnet werden können. In diesen Gemälden spürt der anspruchsvolle Betrachter formale Anzeichen dessen, was der Begründer der „formalen Methode“ der Kunstwissenschaft - der große Kunsthistoriker Heinrich Wölflin - als „deutschen“ und allgemein „nördlichen“ „Formsinn“ bezeichnet. In dem Buch „Italien und der deutsche Formsinn“ (1931) schreibt Wölflin: „In der deutschen Kunst wird der Schwerpunkt auf die allgemeine Bewegung der Formen gelegt, eine Bewegung, die (...) ganz wesentlich vom Spiel des Lichtes und des Schattens abhängt. Diese allgemeine Bewegung der Formen zeigt sich im Norden in allem: in der Zeichnung von Händen und Füßen, in der Zeichnung von Holz und Busch, in der Zeichnung von Wellen auf der Wasseroberfläche und atmosphärischen Erscheinungen am Himmel. (...) Man sieht nicht die einzelne Form eines Zehs neben dem anderen, sondern ein bewegtes Gewirr von Formen, und bei aller Präzision der Übertragung ist die Blattpflanze des Deutschen immer an der eigentümlichen Empfindung des Lebens im Gewirr der Blätter zu erkennen. (...) Die Deutschen entdecken auch früh eine Neigung, sich in den gemeinsamen Strom zu ziehen“.

Es gibt eine Erzählung von Oding selbst darüber, wie das ursprüngliche Thema des Feuers in seinem Werk entstand: „Ich arbeitete in der Werkstatt von Mischa Barkhin (einem berühmten Architekten - A.K.) in Moskau. Einmal kaufte ich eine Luxusausgabe der „Jüngeren Edda“ und begann, sie mit Vergnügen zu lesen. Nie zuvor hatte ich Surtr Aufmerksamkeit geschenkt. Er stand irgendwie immer im Schatten von Ymir, Odin, Thor, Loki und sogar den Kühen von Auðumbla. Dabei ist Surtr im Grunde ein erstgeborener Gott, und auch er vernichtet am Ende alles und jeden. „Das ist es, echte Macht“, dachte ich. Und eine Woche später brannte die Werkstatt ab“.

Überraschenderweise ist Oding nicht der erste St. Petersburger Künstler, der das archetypische Feuer entfacht hat: „Das Moskauer Feuer brüllte und brannte...“. In den 1990er Jahren kursierten in der Hauptstadt Gerüchte über einen verwegenen Brandstifter, den Künstler-Schauspieler Vladislav Mamyshev-Monroe. Seine einzigartige Leistung in diesem Genre war die Verbrennung der Wohnung des russischen Oligarchen der 90er Jahre, Boris Berezovsky. Ich wiederhole: Künstler mit ihrer einfältigen prophetischen Gabe sind gefährlich.

Andrej Chlobystin

Die musikalische Gestaltung der Ausstellung übernimmt der in Leipzig lebende Soundproduzent Evgeny „ClerWolf“ Shapovalov. Speziell für dieses Projekt hat ClerWolf eine Reihe von urbanen Remixen mittelalterlicher skandinavischer Gesänge vorbereitet.

The Irish Room / Femmes sonores ist eine spielerische Klangkunst-Installation der kanadischen Künstlerin Jo-Anne Velin aus Québec im COPYRIGHTprojektraum, in der mit alten Audioarchiven von gesprochenen und gesungenen Frauenstimmen gearbeitet wurde.

„Ursprünglich wollte ich einfach nur diese seltenen Archive weiblicher Stimmen finden, wo immer ich konnte, sie aus den hinteren Katalogen ethnographischer und mündlicher Geschichtssammlungen herausziehen und sie in die Mitte einer Live-Klangerfahrung stellen. Und ich wollte die Jahrzehnte, die uns von ihnen trennen, zum Einsturz bringen. Ich wollte, dass sie zählen!“ (Jo-Anne Velin)

The Irish Room / Femmes sonores soll in einem gemeinsamen, physischen Raum live erlebt werden. Nichts davon wird online gestreamt oder für den Vertrieb aufgezeichnet.
Diese Klanginstallation ist der vierte Standort, nachdem sie im letzten und in diesem Jahr in Irland, Kanada und in den Niederlanden gezeigt wurde.

Die Ausstellung ist zugleich als prozesshafter, permanenter Workshop geplant, bei dem die Künstlerin vor Ort anwesend sein wird. Zusätzlich wird es eine Reihe von Abendveranstaltungen mit eingeladenen Gastkünstler*innen und Sprecher*innen geben. Aktuelle Termine finden Sie auf der Webseite.

Es besteht auch die Möglichkeit einer Gruppenreservierung, u.a. auch für schulische Gruppen. Bitte setzen Sie sich dabei direkt mit der Künstlerin in Kontakt unter velinraconte@gmail.com. (Anfragen können auf deutsch, englisch oder französisch gestellt werden.)
Die Ausstellung endet am 30. November 2024 mit einer Finissage von 18-21 Uhr parallel zum Kolonie Wedding Wochenende (siehe Sonderöffnungszeiten).

Die Ausstellung und sämtliche Veranstaltungen sowie Workshops sind kostenfrei.

Das Kunstprojekt wird unterstützt vom Canada Council for the Arts, der Irischen Botschaft Berlin und der Vertretung der Regierung von Québec in Deutschland. Dank auch an die Royal Irish Academy in Dublin für die unentgeltliche Nutzung der digitalen Versionen ihrer einschlägigen Archive.

Gruppenausstellung mit Live-Musik und Performance-Programm, die 70 Künstler aus Berlin, Amsterdam und darüber hinaus zusammenbringt, um die Konstruktion neuer Realitäten auf der Grundlage künstlerischer Visionen und die Bedeutung der Begegnung und Ausstellung von Kunst in natura zu fördern.
Die Ausstellung folgt auf unsere Flaggschiff-Show 2011 und bringt den Geist des Kunstnetzwerks zurück in den physischen Raum.

Organisiert von: Tiny Domingos (Berlin) × Hans Kuiper (Amsterdam)
Eine Zusammenarbeit zwischen :
* Kunstraum 411/Kunstruimte411 (Haarlem / mobil)
* ROSALUX (Berlin)

Mit:  Wafae Ahalouch, Anne Amelang, Arjan van Amsterdam, Gonzalo Reyes Araos, Cristina Artola, Jessica Assmann-Zwaanswijk, René Bosch, Christoph Both-Asmus, Elisa Jule Braun, DAG, Bruno Domingos, Tiny Domingos, Bella Easton, Alexander Endrullat, El Hadji Mamadou Lamine Faye, Iliya Fogg, Archi Galentz, Margriet Gehrels, Jim Gladman, Alissa Guillouet, Niek Hendrix, Patrick Huber, Daan van Houten, Hubi W. Jäger, Patrick Jambon, Simone Kaltenegger, Tobi Keck, Sina Khani, Hans Kuiper, Anton Laiko, Ute Lindner, Dirk van Lieshout, Justina Los, Yiannis Loukos, Claudia Mulder, Beth Namenwirth, Eva van Ooijen, Natasha Papadopoulou, Guido Pera, Luciano Pinna, António Rego, Maarten Rots, Jean-Philippe Paumier, Jean-Philippe Rousset, Tarik Sadouma, Oscar Saldana, Michel Santos, Matti Schulz, Dagmar Schürrer, Martin Schepers, Stefanie Schwarzwimmer, Anton Schön, Marco Schmitt, Sean Smuda, Araiké Treccani da Silva, Ruth Spetter, Ivo Schouten, Jorrit Sinke, Moritz Stumm, Chika Takabayashi, Tiago Cutileiro, Rutger van der Tas, Marjolein van Veen, Sjimmie Veenhuis, Steffen Vogelezang, Linda Weiss, MC de Waal, Andreas Wolf, Marius van Zandwijk, Ilja Warmerdam, Thomas Weinberger & Benjamin Zuber, Piet Zwaanswijk, Igor Zaidel, u.a.

Gastausstellung Niederländische Künstler:innen in InteriorDAsein und Toolbox. In Zusammenarbeit mit Kunstruimte 411, Haarlem, Niederlande. Kuratiert von Hans Kuiper und Archi Galentz.

Mit Werken von Marius van Zandwijk (Malerei), Aquil Copier (Malerei), Piet Zwaanswijk (Malerei), Jessica Assmann-Zwaanswijk (Malerei), Sina Khani (Filmemacher- performance artist), Ilja Warmerdam (Malerei), MC de Waal (Fotografie), Antonio Rego (digital drawing Drucke), Gerard Veldman (Malerei), Daan van Houten (Zeichnung/Holzschnitt),  Rene Bosch (Fotografie) und Hans Kuiper (Zeichnung). Im Dialog mit Berliner Künstlern:nnen

Grenzen­­­–Übergänge­­­–Visionen ist das Thema des neuen Prolog- Magazins Nr. 29, dessen Release für ein Wochenende im Kulturpalast Wedding stattfinden wird. Sein Erscheinen fällt zusammen mit 35 Jahren Mauerfall. Innere und äußere Grenzen, verschwimmende Übergänge, Schwebezustände und seltsame Visionen:  das Heft versammelt 68 Autor- und Künstler*innen mit ihren Arbeiten, Zeichnungen, Collagen, Gedichten, kuratiert und herausgegeben von Anton Schwarzbach und Dorit Trebeljahr.

Teilnehmende KünstlerInnen: Alma Larsen, Andrea Freiberg, Annette Staib, Antje Taubert, Anton Schwarzbach, Birgit Graschopf, blumenleere, Brigitte Kovacs, Carolin Hagelberg, Cesa Wendt, Christa Niestrath, Christian Hussel, Christian Knieps, Christian Pilz, Christine Kriegerowski, Christine Steuernagel, Christoph Gerzymisch, Christoph Kleinhubbert, Clemens Schittko, Dorit Bearach, Dorit Trebeljahr, Elke Kraus-Ohler (EKO), Frédérique Lanquetin, Gowara Minsa, Hein Schmid, HEL Toussaint, Ilka Haederle, Ilse Ermen, Ingo Cesaro, Jochen Sendler, Joerg Waehner, Johann Reißer, Jorge Álvaro González, Kai Pohl, Katharina Kiening, Kathrin Jakubzik, Katja Winkler, Katrin Heinau, Kristin Albrecht, Manuel Rößler, Mara Loytved-Hardegg, Mariusz Lata, Markus Willeke, Mona Krassu, Matthias Geitel, Michael Flückiger, Nanne Meyer, Natalia Breininger, Norbert Nobird Herrmann, paul m waschkau, Pauline Kraneis, Peter Hock, Peter Wawerzinek, reep schtumwiner, Reinhold Gottwald, Sabine Peuckert, Sigune Schnabel, Silke Miche, Silvia Lorenz, Songwen Sun-von Berg, Stefan Fahrnländer, Stefan Malicky, Stephan Groß, Susanne Kutter, Tom Riebe, Thomas Glatz, Ulrike Gramann, Ursula Seeger, Wilhelm Schramm, wolf dee

Das Heft kann vor Ort im Palast erworben oder ab sofort für 10 € (inkl. Porto in der BRD oder + 3 € Porto-Anteil weltweit) (vor-) bestellt werden. Mehr dazu unter https://prolog-zeichnung-und-text.de/blog/heftkiosk/

Queer Sonic Fingerprint
Transdisciplinary Research
Isabel Bredenbröker und Adam Pultz

Vernissage: Samstag 19. Oktober 2024, 20 Uhr
Laufzeit: 21. Oktober – 1. Dezember 2024
Öffnungszeiten: Fr – So, 14 – 18 Uhr

Workshop (auf englisch): Recording Sonic Fingerprints. 30. November 2024, 14:30-17 (keine Anmeldung erforderlich)

Wie klingen Körper? Und wie können Kulturgüter (cultural belongings) in ethnologischen Museumssammlungen durch unerwartete queere Verwandtschaftsbeziehungen in Schwingungen versetzt werden? In der interaktiven Audioinstallation Queer Sonic Fingerprint von Klangkünstler* Adam Pultz und Anthropolog*in Isabel Bredenbröker werden nicht-normative Beziehungen rund um ethnologische Sammlungen und darüber hinaus spekulativ erfahrbar. Die Installation verstärkt die Materialität der Sammlung akustisch durch Klang-Fingerabdrücke: Abbildungen der akustischen Eigenschaften von Körpern. In einer transdisziplinären Begegnung mit Audiobearbeitung und evolutionäre KI erwecken dynamisch wechselnde Fingerabdrücke ausgewählte Teile von Museumssammlungen in einer mehrkanaligen Klangökologie zum Leben.

Queerness birgt eine Spannung in sich, die Susan Talburt (Professor of Women’s, Gender and Sexuality Studies) als elementar produktiv bezeichnet. Kulturgüter in ethnologischen Sammlungen sind von der kolonialen Begegnung und ihren politischen Nachwirkungen zutiefst betroffen. Auch sie befinden sich in einem Spannungsverhältnis, wie die aktuellen Debatten über Eigentum, Geschichte, ihre repräsentativen Funktionen und den richtigen Ort für sie zeigen. Stimmen aus indigenen Gemeinschaften und von Wissenschaftler*innen haben die so genannten ethnologischen „Objekte“ in Museumssammlungen inzwischen durch einen ihnen zugesprochenen Personenstatus neu definiert. Die Installation fasst Beziehungen der Rückkehr, welche derzeit mit wachsendem Nachdruck eingefordert werden, ebenso wie die Beziehungen zwischen den einzelnen Sammlungsbestandteilen auf.

Die Klang-Fingerabdrücke sind Teil einer Mehrkanal-Audioinstallation, die auch field recordings und gesprochene Konversationen umfasst. Hier werden die Verwandtschaft und die Beziehungen zwischen den Objekten zu klanglichen Beziehungen, die der ansonsten visuellen Dominanz des musealen Raums eine andere Sinnesebene entgegenstellen. Für Museumsausstellungen und -sammlungen gelten strenge Regeln: Die meisten Dinge dürfen nicht berührt werden, und vieles bleibt im Lager unzugänglich. Als Antwort auf solche Einschränkungen kann der Klangbereich den Zugang über eine andere sensorische Modalität ermöglichen. Die Vorstellung eines akustischen Bildes dieser Körper bietet eine sensible Möglichkeit, nicht zu schauen oder zu berühren, nicht zu repräsentieren oder Besitzansprüche zu erheben.

Während der gesamten Installation werden die akustischen Fingerabdrücke verschmelzen, sich neu kombinieren und neue Generationen virtueller Fingerabdrücke mit eigenen akustischen Eigenschaften erzeugen. Diese entziehen sich musealen Kategorien und Repräsentationsansprüchen, so wie sich auch queere Identitäten normativen Vorstellungen von Geschlecht, Beziehungen und Sexualität entziehen. Durch evolutionäre KI und die Interaktion mit dem Publikum zeigt Queer Sonic Fingerprint neue Objektbeziehungen auf, die über die Logik des Museums als Ort der Definition, Ausstellung, Bildung und Aufbewahrung hinausgehen. Ein multisensorisches und interaktives Format stellt solche etablierten Formen der musealen Praxis in Frage. Klanglich erfahrbare queere Verwandtschaftsbeziehungen und Erzählungen bieten so audio-materielle alternative Zukunftsvisionen, in kritischer Auseinandersetzung mit den kolonialen Wurzeln ethnografischer Sammlungen.

Isabel Bredenbröker ist Sozial- und Kulturanthropolog*in und arbeitet zwischen Kunst und Wissenschaft. Dey hat ein DFG-Walter-Benjamin-Postdoktorandenstipendium, das zwischen dem Centre for Anthropological Research on Museums and Heritage (CARMAH) und dem Hermann von Helmholtz-Zentrum für Kulturtechnik an der Humboldt-Universität zu Berlin angesiedelt ist. Isabels Arbeitsschwerpunkte sind materielle und visuelle Kultur, Kunst- und Museumsanthropologie, Queer Theory und Intersektionalität, Situiertheit und Autoethnographie, Kolonialismus, Reinigung und Abfall. Dey hat ethnografische Filme produziert, mit Feldaufnahmen gearbeitet und Ausstellungen im musealen und zeitgenössischen Kunstkontext (mit-)kuratiert sowie zu diesen beigetragen. Isabel’s Buch Rest in Plastic: Death, time and synthetic materials in a Ghanaian Ewe community wurde kürzlich bei Berghahn als Open-Access Publikation veröffentlicht.
http://isabelbredenbroeker.com/

Adam Pultz Melbye ist Kontrabassist*, Komponist* und Improvisator* und arbeitet im Bereich des akustischen und elektronischen Klangs. Adams Arbeit umfasst Live-Performance, Klanginstallation, Sound für Tanz, Theater, Film, Multimedia, Skulptur, algorithmisches Design und Instrumentenbau. Adam ist in Europa, Australien, den USA und Japan aufgetreten und hat an etwa 50 Alben mitgewirkt. Adam tritt oft mit halb-autonomen Feedback-Systemen auf, wie dem FAAB (feedback-actuated augmented bass). Adam hat einen practice based PhD in Musiktechnologie vom Sonic Arts Research Centre, Queen’s University Belfast.
http://adampultz.com/

„Close To The Edge“
One Night Group Show

Performances ab 20:30:
„Axe“ Catherine Lorent, sound performance
„Blockiert“ DJ Sporty Jack aka Matthias Mayer, music performance

Künstler*innen:

Boris Abel, Stefan Alber, Heather Allen, Franck-Lee Alli-Tis aka V Stylianidou, Elena Alonso Fernández, Michelle Alperin, Deniz Alt, Detlef Baltrock, Gleb Bas, Jürgen Baumann, Hannah Becher, Matthias Beckmann, Thomas Behling, Antje Blumenstein, Theo Boettger, Sascha Boldt, Manuel Bonik, Gunnar Borbe, Iwona Lili Borkowska, Katja Brinkmann, Susanne Britz, Laura Bruce, Teresa Casanueva, barbara caveng, Sabatino Cersosimo, Chun-Tzu Chang, Kyung-hwa Choi-ahoi, Herbert De Colle, Ellen DeElaine, Almut Determeyer, Nanett Dietz, Nataly Dietz, Annedore Dietze, Bruno Di Lecce, Grigori Dor, Mirjam Dorsch, Stefan Draschan, Stefan Heinrich Ebner, Irena Eden & Stijn Lernout, Frederik Foert, Abrie Fourie, Frauke Funkhauser, Sven-Ole Frahm, Anne Gathmann, anna onno gatjal, Christine Gedeon, Laurie Georgopoulos, Robert Gfader, Monika Goetz, Karø Goldt, Massoud Graf-Hachempour, Harriet Groß, Stephan Groß, Andreas Hachulla, Stephanie Hanna, Andrea Hartinger, Michael Hauffen, Andreas Helfer, Thomas Bo Henriksson, Janne Höltermann, Sabine Hoffmann / Collision Squad, Margret Holz, Stephan Homann, Esther Horn, Fabian Hub, Markus Huemer, Franziska Hünig, Okka Hungerbühler, Hubi W. Jäger, Gunilla Jähnichen, Thomas Jocher, Anne Jungjohann, KP, Sven Kalden, Elena Karakitsou, Heike Kelter, Isabel Kerkermeier, Werner Kernebeck, Julia Kissina, Silke Koch, Karen Koltermann, Anette Kuhn, Susanne Kutter, Erika Krause, Patricia Lambertus, Oliver Lanz, Simone Lanzenstiel, Michael Lapuks, Anett Lau, Alex Lebus, Sabine Linse, Ronny Lischinski, Christine Lohr, Catherine Lorent, Justina Los, Mahony, John Maibohm, Nadja Marcin, Rei Matsushima, Matthias Mayer, Scott McCracken, David Möller, Thomas Monses, Matthias Moravek, Paula Muhr, Leo de Munk, Berit Myrebøe, Mascha Naumova, Joe Neave, Raúl Neddermeyer & Sarah Lüttchen, Enrico Niemann, Fernando Niño-Sánchez, Irina Novarese, Jennifer Oellerich, Nora Olearius, Claudia Olendrowicz, Jürgen O. Olbrich, Ornella Orlandini, Manfred Peckl, Torsten Prothmann, Katja Pudor, Luisa Puschendorf, Kathrin Rabenort, Nika Radić, Maria L. Räihälä, Øyvind Renberg, Pedro Reis de Mendonca, Benjamin Renter, Susanne Ring, Alex Roberts, Römer + Römer, Stefan Römer, Stefan Roigk, Annette Ruenzler, Julia Rüther, Andreas Sachsenmaier, Katrin Salentin, Daniel Sambo-Richter, Michel Santos, Grit Sauerborn, Birgit Schlieps, Sandra Schlipkoeter, Oliver Schmidt, Marco Schmitt, Michael Schultze, Olivia W. Seiling, Tanja Selzer, Kerstin Serz, Soji Shimizu, Frederic Spreckelmeyer, Heiko Sievers, Heidi Sill, Johanna Smiatek, Nicola Staeglich, Anna Staffel, Hans-Peter Stark, Gabriele Stellbaum, Astrid Stricker, Ralf Tekaat, Anja Teske, Miriam Tölke, Peter Torp, Petra Trenkel, Kata Unger, Claudia Virginia Vitari, Anke Völk, Gabriela Volanti, Gabriel Vormstein, Florian Wagner, Yvonne Wahl, Klaus Walter, Christine Weber, Linda Weiss, Bettina Weiß, Julia Werhahn, Anke Westermann, Daniel Wiesenfeld, Claudio Wichert, Markus Willeke, Ila Wingen, Markus Wirthmann, Ina Wudtke, Sibylle Zeh, Ella Ziegler, Elmar Zimmermann, Oliver Zwink

Intro:
Seit 2005 titelten Zitate vergangener Dekaden (meist aus den 1980er Jahren) die jährlichen One Night Group Shows Ende November im Spor Klübü. Andere Projekte und insbesondere die Pandemie hatten zwischenzeitlich zu einer 4-jährigen Pause dieses Ausstellungsformates geführt. Im letzten Jahr wurde der Faden mit der Ausstellung „Zero Tolerance“ und 135 teilnehmenden Künstler*innen wieder aufgenommen. Mit diesmal 189 beteiligten Künstler*innen ist die Dichte der Arbeiten im Ausstellungsraum nochmal deutlich erhöht.

„Close To The Edge“

Die 1980er Jahre, das letzte Jahrzehnt des Kalten Kriegs, ist geprägt von drohenden Auseinandersetzungen im Ost-West-Konflikt mit zunächst noch Auf- und später dann Abrüstung, der Öffnung zum Ostblock bis hin zum Mauerfall, dem Erstarken des Neoliberalismus, dem Schauspieler Ronald Reagan als amerikanischen Präsidenten über zwei Amtsperioden, dem Beginn der Ära Kanzler Kohl. Ein ganzes schräges Jahrzehnt oftmals an der Kante. Grandmaster Flash And The Furious rappen 1982 in ihrer Hookline: „Don’t push me ‚cause I’m close to the edge – I’m trying not to lose my head – It’s like a jungle sometimes – It makes me wonder how I keep from going under“. Sie bringen die soziale Kritik der schwarzen, abgehängten und unterdrückten Bevölkerung in den Hip-Hop als Beweis für eine verfehlte Politik.

Switch. Über vier Jahrzehnte später. Wieder einmal geht ein amerikanischer erneut gewählter Präsident Trump in seine zweite Amtszeit. Im Gefühl des nicht mehr abzuwendenden Sieges verkündet er ein kommendes goldenes Zeitalter Amerikas und ein Zurückkehren zu alter Größe und macht dies auf Kosten von Armen, Schwachen, Andersdenkenden- und lebenden, Frauen und Migrant*innen. Die Ampelkoalition in Deutschland zerbricht. Der Krieg und der Kalte Krieg haben bereits ein Comeback in Europa. Die Welt ist unsicher. Propaganda und Lügen statt Wahrheiten. Gewaltvolle Einschüchterung als Normalität. Das Recht des Stärkeren. Faschist*innen laufen sich warm. Werden die bestraften Angreifer des Sturms auf das Kapitol vom Januar 2021 demnächst begnadigt?

Bekommen die 1980er Jahre ein Revival, das noch viel näher an der Kante sein wird?

Ausstellungsdokumentation:
https://www.renterphoto.de/VirtualTour/CloseToTheEdge/

Aktionstag
„Close To The Edge“
One Night Group Show_Reopened

Sa, 07.12.2024, 15:00-19:00
Offene Gesprächsrunde: 17:00-19:00

Gegen die angekündigten Kürzungen im Berliner Kulturhaushalt hatten am Freitag, den 29.11. ab 15 Uhr mehr als 2.500 Menschen demonstriert. Aufgerufen hatten der bbk berlin und das Netzwerk freier Berliner Projekträume und -initiativen. Viele der teilnehmenden Künstler*innen von „CLOSE TO THE EDGE“ kamen im Anschluss der Demo direkt zur Eröffnung der ONE NIGHT GROUP SHOW. Der Abend stand insofern im Zeichen des Protests gegen die Kürzungen im Kulturhaushalt und der traurigen Erkenntnisse, die man daraus ziehen muss. Er war aber auch gezeichnet von Freude und Überzeugung, dass unsere schöpferischen und solidarischen Kräfte sich diesem Diktat nicht beugen werden. In diesem Sinne wird die ONE NIGHT GROUP SHOW diesmal zum ersten Mal eine Wiederholung bekommen, d.h. sie wird noch einmal in Form eines Aktionstags geöffnet. In einer offenen Gesprächsrunde wird es zudem die Möglichkeit geben, die eigene Betroffenheit zu äußern, sich gegenseitig zu informieren und gemeinsam über Maßnahmen und Aktivitäten nachzudenken.

Herzliche Einladung zur Eröffnung der Ausstellung DEATH von Richard Najorka am Freitag, 24 Januar 2025, 18:00–21:00

In DEATH werden Objekte, die im Zusammenhang mit Tod, Trauer und Erinnerung stehen, in ihrer Materialität sowie in ihrer räumlichen und sozialen Einordnung hinterfragt. DEATH ist Richard Najorkas erste Einzelausstellung. Er hat an der Städelschule in Frankfurt am Main studiert und lebt in Berlin.

Geöffnet nach Vereinbarung bis 21. Februar, bitte kontaktieren Sie: richardnajorka@outlook.de

Öffnungszeiten am Kolonie Wedding Wochenende:
Freitag, 31. Januar: 19:00–21:00
Sonntag, 02. Februar: 14:00–17:00

Galerie/Projektraum TOOLBOX
Koloniestraße 120
13359 Berlin-Wedding
U-Bahn Osloerstraße

An Feiertagen ist die Toolbox geschlossen

Die Dritte-Rampe-Berlin freut sich in Zusammenarbeit mit Doroteja Novosel-Balov zur Eröffnung die Ausstellung „Zwischenzeit“ des Fotografen Jonas Elsner präsentieren zu können.
Jonas Elsner ist in einer ostdeutschen Arbeiterfamilie mit der Ehre des Handwerks aufgewachsen und verbindet seine Arbeit mit dem Bewußtsein, nach drei Generationen wieder der erste Nachkomme zu sein, der sich zum Künstler aufgeschwungen hat.

Ausgangspunkt seiner künstlerischen Entwicklung ist das, was er schon in seiner Ausbildungszeit als „Kreative Zerstörung“ bezeichnete: sonderbare Konzepte zur Thematisierung alltäglicher Probleme. Damals war es die einstündige Fahrzeit zur Ausbildungsstätte, die, gepaart mit Verspätungen des ÖPNVs, ihm eine Lähmung des Alltags bedeutete. Acht Jahre später thematisiert er nun das aufgezwungene Warten als gravierendes Problem im kapitalistischen Getriebe: Zeitverschwendung.

Das Problem Zeit ist es denn auch, das durch eine außergewöhnliche Belichtungszeit zur Darstellung kommt. Die zur Herstellung der gewünschten Bildeffekte erforderlichen ND-Filter setzt er nämlich nicht – wie weit in der Kunstfotografie verbreitet – in schönigender Absicht ein, sondern um dem Dauern Gestalt zu geben. Derart zäumt sich in seinen Bildern eine Atmosphäre zwischen Stillstand und Anspannung auf und entlarvt Widersprüche zwischen Getriebensein und Freiheitsanspruch des Großstadtmenschen. Ein lohnender Besuch also für alle Leute vom fotografischen Fach und betroffene Zeitgenoss*innen.

Zwischenzeit
Artist-curated
Vernissage: SA 18. Januar 2025, 18:00
Finissage: FR 31. Januar 2025, 19:00
Die Ausstellung ist Mo – Fr jeweils von 18:00 bis 21:00 geöffnet.

In den Räumlichkeiten des Prima Center Berlin,
Biesentaler Str. 24,
13359 Berlin

Ausstellung, Aktionen, Lesungen

06.12.2024-02.03.2025

Harry Walter ist gestorben. Als Künstler (bis 2003 als Teil von ABR-Stuttgart, seit 2009 beim @begleitbuero_soup) ist er oft unsichtbar geblieben, weil ihm der Modus der Reflexion wichtiger war als das Manifestieren großer Werke. Deshalb beeindruckte er am meisten mit seinen Vorträgen.  Ausgehend von kleinen Beobachtungen des Alltags – z.B. den Unterschieden zwischen kalten Platten in Japan und in Deutschland – oder von eigenen Erinnerungen – etwa zu „Eichmann, Fleischmann, Neckermann“ (so einer seiner Titel) – entwickelte er ‚live’ Hypothesen, dann Thesen, dann ganze Theorien. Und wenn man ihm zuhörte, musste man in jedem Moment neu entscheiden, ob man ihm noch folgen wollte/konnte…
So beginnt Wolfgang Ullrichs Nachwort auf Instagram.
Für uns ist mit dem großartigen Künstler und Denker auch ein lieber Freund und Weggefährte gestorben, der uns Jahrzehnte lang begleitet hat. COPYRIGHTberlin, das selbst sehr stark gerade in den Anfangsjahren von Harry Walter geprägt wurde, soll bis Ende Februar 2025 Gedenkraum sein, in dem Platz für Aktionen, Ausstellungen, Vorträge etc. geschaffen wird, in denen Freunde, Kollegen und Mitstreiter von Harry ihre Erinnerungen teilen können.

Am 6.12.2024 starteten wir zu Sankt Nikolaus mit einem internen Treffen, in dem Harald Welzer, Wolfgang Ullrich undKarin Sander in verdichteten Kurzvorträgen an Harry Walter erinnerten. Die intensive Videoarbeit von Annett Zinsmeister ihres dialogischen Mail-Austauschs mit Harry überließ uns unserer Trauer.
„Kalter Krieg und kalte Platten“, ein Vortrag Harry Walters, der durch den Schauspieler und Theaterwissenschaftler Christoph Scheurle sehr lebendig, humorvoll und bebildert vorgetragen wurde, fand seine kulinarische Erweiterung in der perfekten Interpretation der kalten Platten von Bernhard Thome. In „Kalter Krieg und kalte Platten“ setzt sich Harry Walter mit den Bedürfnissen der Nachkriegszeit und dem Wirtschaftswunder auseinander. Dabei spannt er auf kongeniale Weise einen Bogen von seinem Vater, einem der ersten Fernsehköche der BRD (Ente im Mayonnaisemantel), zu Joseph Beuys (Fettecke), beide zugleich abgestürzte Flieger im II. Weltkrieg.
Künstlerisch begleitet wurde dieser Abend durch eine Installation der Künstlergruppe SOUP aus Stuttgart, bei der Harry ein wichtiger Teil war, und in die Michael Gompf einführte und die bis Anfang März zu sehen ist.

Öffentliche Aktionen (Eintritt frei):

Palastfans!

Ihr seid gefragt! Wir laden auch im neuen Jahr zu einer weiteren Auflage unseres Minifestivals für Mitbringkunst ein:

OPEN SPACE – Kunst trifft Musik – Bring your Art!
Eine One Night Show mit Live – Hängung im Palast

Eröffnung am Freitag, 31 Januar 2025 ab 20 Uhr

im Kulturpalast Wedding International
Freienwalder Straße 20
13359 Berlin – Wedding
www.kulturpalastwedding.com

Wir zeigen nix – ihr zeigt uns was. Was auch immer. Bringt eure Kunstwerke und Posaunen in unsere leeren Räume und bestückt unsere kahlen Wände mit Kunst aller Art. Dazu gibts Live-Musik von wem auch immer.

Wir freuen uns auf ein maximales Durcheinander und auf ein Zusammentreffen von visuellem und akustischem Sternenstaub. Hämmer, Leitern und Nägel stellen wir zur Verfügung. Eine Anmeldung vorab ist nicht nötig. Bring your stuff!

In Vorfreude:

Der Palast

Treffen Sie die Künstlerin Helena Nikonole in ihrer aktuellen Winter-Atelier-Residenz bei Art Laboratory Berlin. In ihrem Vortrag wird Helena erkunden, wie künstlerische Praktiken zentralisierte Kontrollsysteme herausfordern können, und zwar anhand von zwei ihrer aktuellen Projekte, die sie während ihrer Winterresidenz bei ALB derzeit weiterentwickelt.

So, 2. Februar 2025
OPEN STUDIO: 14 – 18 Uhr
Die Künstlerin wird anwesend sein.
TALK: 16 Uhr
Keine Anmeldung notwendig
Freier Eintritt

Das erste Projekt deckt verborgene Machtstrukturen auf, die in generativen KI-Systemen auf der Grundlage von Large Language Models eingebettet sind, indem es deren Voreingenommenheit gegenüber politischen Ideologien untersucht. Ihre Untersuchung zeigt, wie diese Technologien gesellschaftliche Ungleichheiten widerspiegeln und verstärken.

Das zweite Projekt, Guerrilla Wearables, dezentralisiert Kommunikationsnetzwerke, um Internetabschaltungen und Überwachung in gefährlichen Umgebungen entgegenzuwirken. Durch die Nutzung der LoRa-Technologie und deren Integration in Wearables bietet dieses Projekt sowohl eine praktische als auch eine ästhetische Antwort auf Zensur und eingeschränkte Konnektivität.

Gemeinsam stellen diese Projekte die Mechanismen zentraler Kontrolle in Frage und bieten Werkzeuge und Erkenntnisse für eine widerstandsfähigere, dezentralisierte Zukunft. Von der Aufdeckung der Verzerrungen in Algorithmen bis hin zum Aufbau alternativer Kommunikationsinfrastrukturen wird der Vortrag zeigen, wie sich Kunst und Technologie überschneiden, um sich gegen Machtsysteme zu wehren und diese neu zu denken.

Die Veranstaltung ist Teil der Winter Studio Residency 2025 von Helena Nikonole bei Art Laboratory Berlin.

Mehr unter: https://artlaboratory-berlin.org/de/veranstaltungen/hacking-networks/

Herzliche Einladung zur Vernissage am 28.2.2025 von 19–22 Uhr in Toolbox

In ihren fotografischen Arbeiten beobachten Petra Karadimas und Kaisu Koivisto eine Natur, die weniger pittoresk als aus dem Gleichgewicht geraten zu sein scheint.

Karadimas beschäftigt sich mit Natur in einem städtischen Umfeld – fotografiert Gebäude, anonyme Strukturen und die Vegetation, die daneben gedeiht. Gemeinsam bilden sie ein Netz visueller und kultureller Bezüge, in dem die Natur oft die Zwischenräume der Stadt einnimmt oder unversehens über die ihr zugewiesenen Räume hinauswächst.

Koivisto hingegen reist in den hohen Norden und seine unbewohnten Landschaften, um Veränderungsprozesse zu untersuchen. Sie fängt Landschaften ein, die nicht mehr still und unberührt sind, aber selbst angesichts der sich abzeichnenden ökologischen Notlagen beunruhigend schön bleiben.

PETRA KARADIMAS (geb. 1967, lebt in Berlin, Deutschland) fotografiert ihr alltägliches urbanes Umfeld. Ausgehend von Details in ihrer Umgebung hinterfragt sie eine auf scheinbar beiläufigen urbanen Szenarien basierende Wahrnehmung und untersucht Fragmente von Natur und Landschaft in den Zwischenräumen der Stadt. Baustellen, Brachflächen und transitorische Räume bilden den Ausgangspunkt für eine Untersuchung urbaner Codes und Strukturen, die in einem städtischen Umfeld aufeinandertreffen und interagieren. www.karadimas.de

KAISU KOIVISTO (geb. 1962, lebt in Helsinki, Finnland) arbeitet in den Medien Fotografie, Skulptur und Installation. Ihre Interessen sind tief im Norden verwurzelt: seine Landschaften, seine politischen Dimensionen und die dort stattfindenden Veränderungen. In ihren laufenden Fotoprojekten Conversations With Ice und Soft Ice erkundet Koivisto arktische Landschaften, die von Eis, Meer und Felsen geprägt sind. Die Präsenz und die Folgen menschlicher Aktivitäten werden als eine entfremdete Landschaft und Gedankenwelt sichtbar. http://kaisukoivisto.com/

Ausstellung 1. bis 22. März 2025

Öffnungszeiten Toolbox: Mi – Sa 15:00 – 19:00

Kolonie Wochenende Sonntag, 1. März, 14:00 – 18:00

Besuchen Sie Eva Duerdens beeindruckende Installation, die mit bekannten Motiven in Büroteppichen und Nachtlichtern eine nostalgische Atmosphäre schafft und Traditionen in Frage stellt.

Eva Duerden – @eva.duerden (geb. 1991, Bolton, Großbritannien, arbeitet und lebt in Berlin) ist Absolventin des Central Saint Martins, arbeitete zuvor in London und Mitbegründerin von project space und Collective, 12ø, deren internationales Projekt 30work30days beteiligt war mit Tausenden von Künstlern aus 40 Ländern. Zu den früheren Ausstellungen gehören „Another day, Another Archytype“ im Lewisham Art House (London), Resident in der PIPE-Fabrik (Glasgow), „on plon air“ im Rahmen des Art Licks-Wochenendes (London) und „Nawki“, The Royal Standard ( Liverpool). Sie war außerdem Gastdozentin für die Liverpool John Moores University und METAL und unterstützte die Kuration in der Focal Point Gallery (Southend). Sie hat auch mit von Künstlern geleiteten Räumen und Organisationen im gesamten Vereinigten Königreich zusammengearbeitet, um gemeinsam an besten Arbeitspraktiken zu arbeiten.

Künstler-Statement:

Eva Duerden möchte ein dauerhaftes Gefühl der Novizenhaftigkeit schaffen. Die Arbeiten nutzen Symbole und Ästhetiken aus Erinnerungen und erweitern sie, um neue Ansätze des Benutzers/Betrachters zu schaffen, um Widersprüche, Doppeldeutungen und (Miss-)Verständnisse zu schaffen. Eva ist fasziniert davon, wie wir Objekte kategorisieren und standardisieren, wie sie nach Modus, Material und Kontext zu Werthierarchien gehören und ihre „Richtigkeit“ bestimmen. Eva möchte die Leistung hervorheben, die diese Objekte und damit auch uns selbst durchdringt, wenn wir uns damit beschäftigen ihnen.

overflowing ideas
28.03. – 30.03.2025

Vernissage 28.03.  17 – 22:00
29. & 30.03. 14 – 19:00

Wenn Kunst zum Ausdruck von Emotionen, Erinnerungen und Visionen wird,
entstehen Werke, die tief berühren. In overflowing ideas zeigen Lena
Klockgether (geb. 1996) und Marie Bertz (geb. 1995) ihre erste
gemeinsame Ausstellung – ein aufregendes Zusammenspiel aus Collagen und
Malerei, das zwischen Traum und Realität schwebt.

Lena Klockgether erschafft mit ihren Collagen surreale Bildwelten, in
denen die Komposition der Fragmente zu neuen Narrativen werden. Durch
ihr subjektives Erleben und ihre vielschichtige Bildsprache werden die
Collagen lebendig. Architektur trifft auf organische Formen, mystische
Elemente durchbrechen den Raum, das Bekannte erscheint plötzlich fremd-
jene Fremde jedoch führt zu einer Resonanz. Nach längerem Betrachten
entfaltet sich ein vertrautes Bild und eröffnet tiefere Verbindungen.

Marie Luisa Bertz hingegen bewegt sich mit ihrer Malerei zwischen
figurativer Darstellung und expressiver Abstraktion – mal melancholisch
verträumt, mal wild aufgeladen. Körper verschmelzen mit der Umgebung,
Farben tanzen zwischen sanfter Zurückhaltung und kraftvoller Intensität,
wodurch emotionale Zustände und innere Landschaften auf eine
unmittelbare und fühlbare Weise erfahrbar werden.

Beide Künstlerinnen eint die Lust am Experiment, das Spiel mit Material
und Bedeutung. overflowing ideas lädt ein zum Eintauchen, Entdecken und
Neuinterpretieren.

Freunde des Palasts,

Ende Februar verabschieden wir uns mit einer thematisch naheliegenden Doppelausstellung von der therapeutischen Schneedecke, die sich für einen Augenblick wie ein besinnlich- dämpfender Daunenmantel über unseren angemüllten Soldiner Kiez gelegt hatte. Vorhang auf für ein finnisch- russisches Künstlerduo, denn wer wüsste es besser:

*Silence

Anton Laiko & Roberto Aarnio

Ausstellungseröffnung am Freitag, 28. Februar 2025 um 20 Uhr
Ausstellungsdauer: 28. Februar bis 8. März 2025
Geöffnet: Sa & So von 15 bis 19 Uhr und auf Anfrage

Kulturpalast Wedding International
Freienwalder Strasse 20
13359 Berlin – Wedding
www.kulturpalastwedding.com

Der russische Maler, Bildhauer und Objektkünstler Anton Laiko, zuletzt vertreten in der nahe gelegenen Toolbox- Galerie mit einer Flaschensammlung mit aufetikettiertem „Tears of Anton Laiko“ – Schriftzug, nähert sich mit subversiver Poesie der Frage, wie im gegenwärtigen, vom lärmenden Dauerdiskurs geprägten Alltag, Kunst in die Welt kommt:

„Ich bin müde von sozialer, politischer und anarchischer Kunst. Kunst muss sich um Form und Inhalt kümmern – im besten Sinne dekorativ sein. Wie die Kunst der Vergangenheit und der Zukunft. Wir müssen das eigene Bewusstsein von sozialem, politischem Denken und dem Nachdenken über Kunst befreien und durch die Betrachtung der reinen Realität eine andere Bewusstseinsebene erreichen. Stille ist für einen Menschen im Informationslärm von Zeitungen, Massenmedien und Alltagsstress notwendig, deshalb sorgen wir, Anton Laiko und Roberto Aarnio, für Stille.“

Diese nuancierten Dimensionen der Stille stehen auch im Mittelpunkt von Roberto Aarnios jüngster künstlerischer Erkundung. Der finnische Maler umreisst mit einer eigenen, äusserst farbenfrohen Punkt- und Wackellinien-Technik den meist grauen Alltag allein lebender Finninnen. Menschen schauen in Kühlschränke, sitzen alleine an Küchentischen oder in Rollstühlen herum. Dabei lösen sich Motive und Form stetig auf – irgendetwas vibriert- doch nichts passiert. In dieser kontemplativen Form der Alltagsbeobachtung, schiebt sich trotz der unbedingten Präsenz der Bilder das Nicht- Gemalte, das Abwesende oder eben die Stille in den Vordergrund:

„Stille ist eine Wahl, ein bewusster Akt der Zurückhaltung, der lauter sprechen kann als Worte. Sie schützt uns vor Konflikten, sie schafft Distanz, sie kann der Raum sein, in dem sich Gedanken sammeln, Emotionen beruhigen und Klarheit entsteht.“

Mehr unter:

https://cargocollective.com/antonlaiko

https://www.instagram.com/robertoaarnio.art/

In stiller Vorfreude:

Der Palast

Künstlerinnen und Künstler

Catherine Bourdon

Edwin Dickman

Eberhard Franke

Klaus Jurgeit

Susanne Ring

Ina Sangenstedt

Malerei, Druckgrafik, Skulptur

So.: 14:30 –17:30 Uhr und Mo: 17:30–21:30 Uhr
und nach vorheriger Vereinbarung per E-Mail

Artwork:Catherine Bourdon

Maria Stang, geboren 1985 in Ust-Kamenogorsk (Kasachstan), seit 1995 in Deutschland, absolvierte 2005 Ausbildung zur Schneiderin im Handwerk in Augsburg, studierte 2007-2010 Modedesign an der „Deutsche Meisterschule für Mode“ in München und begann 2014 das Studium der Kunstpädagogik bei Urs Freund an der Universität Augsburg. Seit 2019 lebt Maria in Berlin und entwickelt ihre Maltechnik weiter. Mode und Handwerk spielen nach wie vor eine zentrale Rolle in ihrem Schaffen. Ihre Arbeiten bewegen sich zwischen Figuration und Abstraktion, inspiriert von Landschaften, Traumbildern sowie der Auseinandersetzung mit Raum, Selbstreflexion und Vergänglichkeit. Ihr Gespür für Materialität und Struktur ist stark durch ihren Hintergrund in Schneiderkunst und Modedesign geprägt.

Aus der Serie „Unser Nachbar malt auch und viel besser als wir“, präsentieren wir am Freitag eine überfällige Werkschau unseres lokalen und überlokalen Malerfürsten Younis Al Azzawy. Als künstlerischen Support für die Ausstellung hat er den ebenfalls aus dem Irak stammenden Künstlerfreund und Maler Kareem Sadoon ausgewählt. 2 Positionen zeitgenössischer Malerei im Palast:

Younis Al Azzawy & Kareem Sadoon

Ausstellungseröffnung am Freitag, 25. April 2025 um 20 Uhr

Ausstellungsdauer 25.04.25 bis 27.04.2025
Geöffnet Samstag und Sonntag von 15 bis 19 Uhr und auf Anfrage

Kulturpalast Wedding International
Freienwalder Straße 20
13359 Berlin – Wedding
www.kulturpalastwedding.com
info@kulturpalastwedding.com

Malerei auf die 1: Younis Al Azzawy kann Alles malen: das Nahe, das Fernliegende und alles dazwischen. S-Bahnhöfe, Menschen die in lokalen Bars oder Wäldern herumstehen oder neue Van Gogh- Selbstportraits. Dabei scheint nichts festgelegt oder zugemalt, die Motive befinden sich in stetiger Auflösung, als hätte der Maler, aus Unlust an weiterer Ausführung, seinen Bildern empfohlen sich einfach selbst weiterzumalen. Es ist diese gekonnte malerische Zurückhaltung die die intensiven Bilder Al Azzawys in einen flimmernden Schwebezustand versetzen und die verschieden konsequent aufgetragenen Farbschichten einfach zusammenprallen und wirken lassen. Der Betrachter findet sich mitten in einem malerischen Prozess vor einer brillanten Bildbaustelle wieder, darf aushilfsweise mitarbeiten und im Kopf alles Abwesende hinzufügen.

An einer anders verwickelten Auflösung von Bild, Farbauftrag und Motiv arbeitet der in Schweden lebende Maler Kareem Sadoon. In seinen Mixed- Media- Arbeiten, treffen skulptural anmutende Figuren, archaisch wirkende Köpfe und an Autos erinnernde Piktogramme auf Ornamentrückstände, Linien und Reste von Zahlen und Schrift. Alles wird durch ständige Übermalung und Unkenntlichmachung miteinander verwoben. Kareem Sadoons Bilder erinnern an ein unzureichend geputzte Schultafel auf der durch jeden neuen Kreideauftrag die Notizen der vorvergangenen Stunden durchschimmern. Durch dieses kraftvolle All Over von Information bei gleichzeitiger Reduktion auf das Wesentliche der gezeichneten Linie, erscheinen die Blätter wie archaische Cartoons oder eine schwer zu entziffernde Gebrauchsanweisung für die ganze Welt.

Wir freuen uns auf dieses Aufeinandertreffen von Gleichzeitigem und Ungleichzeitigem, Noch- nicht und Nicht- mehr, Orient und Okzident und allem Möglichen. Ein besonderer Dank gilt unserem geschätztem Nachbarn Younis Al Azzawy, der es in den 18 Jahren der Geschichte von Kulturpalast Wedding International geschafft hat, sich noch nie über Lärm und nächtliche Ruhestörung zu beschweren. Denn es gilt: „In Arabien freut man sich wenn der Nachbar feiert, Dann weiß man, dass er gesund ist und noch lebt.“

Deshalb wird’s besonders laut. In Vorfreude:

Kulturpalast Wedding International

Mythen haben Konjunktur in Zeiten gesellschaftlicher Umbrüche. Die Betrachter:inn braucht Bildung und Vorwissen, um einen Zugang zu den Bildwelten zu finden. Die Künstler:innen müssen die Mythen immer wieder neu interpretieren und strukturieren. Beides geht nicht schnell. Es gibt keinen Kanon und das kreative Spiel mit Assoziationen, Parallelen zwischen der Antike und unserer heutigen Welt und  Bezüge zu aktuellen Ereignissen machen die Mythen als Sujet interessant. Im Zeitalter der Schwarz-Weiß-Malerei, der versuchten Cancel Culture und der Qualitätsbeurteilung nach Minderheitenzugehörigkeit bieten Mythenbildungen einen gewissen Ausweg aus der Misere des Daseins, helfen die Zeiten der Unsicherheit zu überbrücken und tragen Botschaften für heutige und zukünftige Kunstinteressierte.

Gezeigt werden Werke von Tigran Tokmajyan (1923 – 2004), Edwin Dickman (1929-2023), Peter Hahlbrock (1934-2015), Gisela Breitling (1939-2018), Gisa Hausmann (1942-2015), Aude de Keross (*1947), Thomas J.Richter (*1955), Philipp Mager (*1966), Archi Galentz (*1971), Julia Katan (*1997) und anderen Künstler:innen der Gegenwart.

Die präsentierten Werke sind zwischen 1958 und 2025 entstanden: Skizzen, Radierungen, Lithografien, Aquarelle, Ölbilder KI-generierte Ausdrucke.

Die Ausstellung im InteriorDAsein nimmt Bezug auf die Doppelausstellung …durch mythische Zonen mit Werken von Edwin Dickman (in Dezember 2023 mit 94 Jahren verstorben) und Archi Galentz. Diese Ausstellung wurde vom 14.02. bis 14.03.2025 in der Produzentengalerie SpiritTransfer in Moers bei Duisburg gezeigt, die Ausstellung in InteriorDAsein erweitert die in Moers gezeigte  Auswahl mit weiteren Beispielen.

Alfie Worrall
Sick
29. März – 4. April 2025 (geöffnet nach Vereinbarung)
Eröffnung: Freitag, 28. März, 18:00–22:00
Die Einzelausstellung Sick von Alfie Worrall zeigt Bilder von Mühsal und Verzweiflung. Figuren, die vor Erschöpfung oder Schmerz gekrümmt sind, sowie urbane Randgebiete werden auf Leinwand gemalt und auf die Wände der Galerie gekritzelt. Inspiriert von Berliner Motiven, vermitteln die Werke eine vertraute Atmosphäre, die von Traurigkeit durchdrungen ist: eine trauernde Weide, der leere Blick von Fenstern in der Dunkelheit oder ein verlassenes, düsteres Kanalufer.
In Anknüpfung an Alfies Ebay-Serie, die weggeworfene, vernachlässigte oder unerwünschte Objekte (einst geschätzt, nun für ihren Marktwert verkauft) thematisierte, bietet diese Ausstellung eine breitere emotionale und figurative Reflexion über die Werte und Gewalten zeitgenössischer korrupter kapitalistischer Gesellschaften.
Unter Bezugnahme auf den französischen Realismus, Goyas Los Caprichos sowie Adolph Menzels Darstellungen des Berlins des 19. Jahrhunderts, strebt Alfie mit dieser Serie an, eine persönliche Sprache zu finden, um die Traurigkeit und Wut des Lebens unter heutigen unterdrückerischen, ausbeuterischen und manipulativen Regimen auszudrücken – Regime, die ihre Schutzbedürftigsten im Stich lassen, während sie die Macht in den Händen einer winzigen Elite konzentrieren.
alfieworrall.com
@aelfraed

Nocturnal Drifts

Im Monat OFF 2025 zeigen Copyrightberlin und Kronrnboden in beiden Projekträumen eine Ausstellung mit Fotografie, Video und Sound des Rotterdamer Künstlers Arthur Kleinjan.

Wir stehen vor einer monumentalen, bläulichen Fotografie und werden zum Komplizen von Kleinjans tiefgründigen Beobachtungen, während ein Erzähler durch die verschiedenen Stockwerke eines unterirdischen Friedhofs in Buenos Aires führt.
Wie in einem Hörspiel lädt uns Kleinjans Geschichte jetzt zu eigenen Beobachtungen ein.
Kleine, alltägliche Details dieses fremden, unterirdischen Ortes lassen dies monumentale Bild in eine tröstliche  Manifestation des Lebens umkehren.


Vorschau Programm 2025

Alex Tennigkeit, 28.06.-05.07.2025, Eröffnung: Fr., 27.06.2025, 19:00
Christine Lohr, 27.09.-04.10.2025, Eröffnung: Fr., 26.09.2025, 19:00
Tim Cierpiszewski, 01.-08.11.2025, Eröffnung: Fr., 31.10.2025, 19:00
ONE NIGHT GROUP SHOW, 28.11.2025, 19:00

Foto: Alex Tennigkeit „The Animated Wall“ 2023/24, Öl auf Leinen, 190 x 300 cm

Was passiert, wenn schnelle, ausladende Street Art sich auf der Leinwand Zeit lässt? Drei Künstler geben im Prima Center Antwort.

Keinoms Meditationen über Existenz, Mates Blick ins Potenzielle und Vidams kubistische Szenen aus Ravekultur und Großstadtleben eint das Interesse am Figurativen und dessen Verwandlung in Zeit und Raum.

Das visuelle Gedankenspiel im Dialog über Realness, Comic und Abstraktion wird ergänzt mit einem Vortrag zur Geschichte des Graffiti – von Höhlenmalerei bis zur Moderne.

Street.Art.Canvas
28.03.-19.04.2025

Prima Center Berlin
Biesentaler Straße 24
13359 Berlin

Prima Center Berlin

Preview im Rahmen von Kolonie Wedding: Freitag, 28.03. ab 19:00 Uhr
Vernissage: Samstag, 29.03. ab 19:30 Uhr

Vortrag: „Ungefragte Schrift – Graffiti historisch und modern“ von Nicholas Ganz (Autor von „Graffiti World“, „Graffiti Women: Street Art from Five Continents“ und „Street Messages“) am Donnerstag, 10.04. ab 18:30 Uhr

im Rahmen des EMOP

29. März 2025, 12 – 18 Uhr
Freier Eintritt, Spenden erbeten
Anmeldung erforderlich
Bitte hier anmelden: https://pretix.eu/artlaboratoryberlin/politics-of-ai/

Im praktischen Workshop Politics of AI untersucht die Künstlerin und Forscherin Helena Nikonole, wie Large Language Models (LLMs) wie ChatGPT, Claude und Gemini sowie Text-zu-Bild-KI-Systeme Vorurteile reproduzieren und politische Ideologien einbetten. Die Teilnehmenden werden mit KI-generierten Antworten auf politisch aufgeladene Aufforderungen experimentieren, Vorurteile in textbasierten KI-Ausgaben analysieren und untersuchen, wie sich diese Vorurteile auf KI-generierte Bilder auswirken. Durch praktische Übungen werden wir kritisch bewerten, wie KI-Modelle Erzählungen formen, Stereotypen verstärken und Vorurteile durch eine Rückkopplungsschleife verstärken.

Helena Nikonole wird ihre Erkenntnisse und ihre künstlerische Methodik vorstellen und zeigen, wie künstlerische Forschung als kritisches Instrument zur Aufdeckung und Unterwanderung von KI-Voreingenommenheiten dienen kann. Sie wird ihre Experimente vorstellen, die auf dem Missbrauch von Technologie beruhen – absichtlich werden KI-Systeme über ihre beabsichtigten Anwendungen hinaus getrieben, um ihre ideologischen Grundlagen und strukturellen Grenzen aufzudecken. Indem sie diese Systeme kreativ in Frage stellen, werden die Teilnehmenden praktische Erfahrungen sowohl in der kritischen Analyse als auch im künstlerischen Experimentieren sammeln und erforschen, wie künstlerische Interventionen versteckte Vorurteile aufdecken und Diskussionen über KI-Ethik auslösen können.

Mehr Informationen unter: https://artlaboratory-berlin.org/de/veranstaltungen/politics-of-ai/

Musikalische Aktion mit Udo Mader am 25.04.2025 um 20:15 Uhr

Zeichnungen und Gemälde

Von den Rändern Europas,

Von den Rändern der Kultur,

Und von den Rändern des Geistes.

Die ausstellenden Künstler:innen sind Alexei Gordin (EST), Anna Emilia Järvinen (FI), Jussi Kekkonen (FI) und Jussi Pyky (FI).

Geöffnet am Kolononie–Wochenende: So.: 27.04.2025 von 14-18 Uhr

25.4.-24.5.2025

Öffnungszeiten: Mi-Sa 15-19 Uhr

Die Ausstellung wurde von der Finnischen Kulturstiftung unterstützt.

—

Galerie/Projektraum TOOLBOX

Koloniestraße 120

13359 Berlin-Wedding

U-Bahn Osloer Straße

An Feiertagen ist die Toolbox geschlossen

An Feiertagen ist Toolbox geschlossen

Herzlich willkommen zum SPRING CLAMP

Mo 5.5.2025, Einlass 17:30

Ein klangvoller Abend mit guter Laune, Auftritten der drei finnischen Gruppen Timate ynts, Blowjob und uRge sowie einer Klangskulptur von Araiké Da Silva, die während der Veranstaltung aktiviert werden kann.

Timate ynts ist eine improvisierte experimentelle Gruppe, deren Musik hauptsächlich auf Synthesizern, verstimmten Gitarren, Feldaufnahmen und Gesang basiert. https://timateynts.bandcamp.com/

Blowjob ist ein experimentelles Holzbläser-Trio, das minimalistische, selbst geschriebene und improvisierte Musik/Sound-basierte Stücke spielt. Ihr Stil flirtet mit Pop, Renaissance und zeitgenössischer klassischer Musik, verbunden mit einer sanften Ambient-Drone-Ästhetik. Das Ensemble besteht aus einer Klarinette, einer Bassblockflöte und einem Fagott.

uRge ist ein Duo, das die Schnittstellen zwischen Performance und Konzert auf spielerische und feministische Weise erforscht, indem es versteckte performative Praktiken der Musik sichtbar macht. Sie versuchen aktiv, maskuline und essentialisierende Vorstellungen von „reiner Musik“, die mit klassischer Musik und experimenteller elektronischer Musik verbunden sind, zu demontieren. In der Praxis arbeiten sie mit Techniken wie analoger Klangsynthese, digitaler Klangbearbeitung, experimentellen Mikrofontechniken, akustischen Instrumenten und Text.

Einlass ab 17.30 Uhr

@Galerie Toolbox

Koloniestraße 120, Berlin Wedding

Eintritt frei (pay what you can); die Spenden gehen vollständig an Gaza Champions. Facebook: https://www.championgaza.xyz/

Abbildung oben: Hob Ghazaryan „Gjumri am Morgen“, Aquarell von 2024, 30x40cm

Die bildende Kunst Armeniens ist durch monumentale Skulpturen und expressive, farbenfrohe Malerei, meist in Öl, bekannt. Weniger bekannt sind die Papierarbeiten der Armenier, die sowohl als Ideenskizzen für komplexe Kompositionen und Illustrationen für Zeitschriften und Bücher als auch als autonome Kunstwerke in Aquarell, Tempera, Gouache oder auch Acryl entstanden. Spontaneität und Farbenrausch sind bei der Arbeit mit empfindlichen Materialien wie Aquarellfarben nicht immer hilfreich. Die Disziplin gewinnt im Schaffensprozess die Oberhand. Im Projektraum und Atelier von InteriorDAsein werden seit 2008 zahlreiche Werke armenischer Künstler aufbewahrt und regelmäßig präsentiert. Anlass für die Ausstellung war die Einladung einer Aquarellserie eines jungen Künstlers aus dem armenischen Gjumri, die im Staatsarchiv Halle an der Saale zu sehen war, nach Berlin.

Hakob Kodjoyan, „Barekentan“, Tempera auf Karton, 1946, 17×51 cm

Hob Ghazaryan, geboren 2003 in Gjumri, Armenien, zeigte vom 12. Januar bis 20. Februar dieses Jahres in der Ausstellung „Unter dem armenischen Himmel“ mehrere Aquarelle, meist mit Motiven seiner Heimatstadt und Landschaft Armeniens. Die Werkschau wurde von der Deutsch-Armenischen Freundschaftsgesellschaft Halle-Gjumri im Rahmen der Armenischen Kulturtage 2025 mit Unterstützung der Stadtverwaltung Halle in den Räumen des Stadtarchivs als Zeichen der Städtepartnerschaft zwischen Halle an der Saale und Gjumri präsentiert.

Boris Akopian, „Mauersegler unseres Stadtes“,  Aquarell von 2011, 60x80cm

Nicht nur wir von InteriorDAsein waren daran interessiert, einige der feinen und liebevoll bemalten Papierarbeiten von Hob auch in Berlin zu zeigen. InteriorDAsein hat trotz bescheidener Möglichkeiten zahlreiche Ausstellungen armenischer Kunst, die durch ganz Europa gereist sind, in der deutschen Hauptstadt präsentiert (sehe www.interiordasein.de/ausstellungen). Um nur einige Projekte zu nennen: Neben „Simulacrum“ von Narek Avetisyan im Jahr 2013 war es auch 2012 die große Ausstellung “Changing the Place of Encounter, Fragments of Armenian Contemporary Visual Art”, die zuvor im Kunstverein Taalstraße e.V., ebenfalls in Halle an der Saale, zu sehen war.

In der Ausstellung „Papierarbeiten der Armenier. Von Aquarell zur Tempera. Von der Skizze bis zum Meisterwerk“ stellen wir einige Bilder des 21-jährigen Künstlers Hob Ghazaryan mehreren Einzelwerken anerkannter armenischer Meister wie Hakob Kodjoyan (1883 – 1959), Gayane Khachaturyan (1942 – 2009) oder Martin Petrosyan (*1933)  gegenüber. Wir möchten den jungen Künstlerkollegen aus Gjumri ehren, indem wir seine Werke mit Meisterwerken der Aquarellmalerei aus Armenien, vor allem mit ausgewählten Arbeiten von Hakob Hakobian (1923 – 2013) und Boris Akopian (auch bekannt als Boris Armen Akopian 1947 – 2020) vergleichen und würdigen.

Die Aquarelle von Boris Akopian werden erst ab Sonntag, den 27. April in der Ausstellung zu sehen sein, da sie eigens für die Präsentation in Berlin aus Kiew in die Ukraine gebracht werden und sich die Ankunft der Kunstwerke aufgrund zahlreicher widriger Umstände verzögert hat.

Ruben Gabrieljan, Skizze aus Ende 80er, Tusche und Aquarell, 19×27 cm

Die Ausstellung ermöglicht es uns, auch wenig bekannte Beispiele der Aquarell- und Gouachemalerei des Surrealisten Saro Galentz (1946 – 2017) aus den 70er und 80er Jahren im Kontext auszustellen und die Aufmerksamkeit auf zahlreiche Aquarellskizzen des Armeniers Ruben Gabrieljan (1926 – 2015) aus der Region Artzakh (auch als Berg-Karabach bekannt) zu lenken. Außerdem zeigen wir zwei Werke der Malerin Phiruza Gozeyan (1948 – 2023), die nach Ihrem Tod wiederentdeckt werden.

Phiruza Gozeyan, Dorfszene, Acryl auf Karton, 44×29 cm

In der Gruppenausstellung dürfen aber auch Werke von in Berlin arbeitenden Armeniern nicht fehlen, so zeigen wir Skizzen aus Armenine von Avag Avagyan (*1965) und einige Werke seines Lehrers Slavik (*1955) Khachaturyan. Einige frühe Gouachen aus Armenien des Projektraumbetreibers Archi Galentz (*1971) runden die Ausstellung ab und laden zum Gespräch über Entwicklungen und Perspektiven der armenischen bildenden Kunst ein.

Die Ausstellung findet parallel zu den Deutsch-Armenischen Kulturtagen in Berlin Karlshorst statt (siehe www.aeae.eu/ankuendigung/694). Im Kulturhaus Karlshorst werden weitere Werke von Hob Ghazaryan und Boris Akopian gezeigt.

Die Ausstellung im InteriorDAsein ist nach den Koloniewochenenden nach Vereinbarung zugänglich, die Finissage findet am 31. Mai 2025 ab 16 Uhr statt.

Ende Mai gibts Formatsprengendes: Wir freuen uns auf eine Steppdecke in Kachelofenanmutung, gesteppte Teppichmalerei, fliegende Teppichmalerei, herumliegende gesteppte Matratzenmalerei und Lucky Luke ohne Lucky Luke.

Line Wasner
*Der einarmige Band
Malerei / Installation

Ausstellungseröffnung am Freitag, 30. Mai 2025 um 20 Uhr
Ausstellung vom 30.05.2025 bis 08.06.2025
Geöffnet Sa & So von 15 bis 19 Uhr und nach Vereinbarung
Finissage am Sonntag, 8. Juni 2025 ab 15 Uhr

Am Samstag, 7. Juni 2025 gibt es um 20 Uhr ein Konzert von Die Pferde + Tom Horn

Kulturpalast Wedding International
Freienwalder Straße 20
13359 Berlin – Wedding
www.kulturpalastwedding.com

Irgendwas fehlt immer. Zum Beispiel bereits auf Line Wasners Einladungskarte. Auf deren Vorderseite irritiert ein 4-teiliges Bild- Panel durch die Abwesenheit von allem Wesentlichen und auch der Ausstellungstitel erscheint verkürzt und eigenartig unfertig. Er bezieht sich auf eine Serie, in der die Künstlerin Teile des Lucky Luke Bands Nr. 33 malerisch- und vergrössert-  nachempfunden hat, wobei sie sich sämtliche künstlerische Freiheit nahm und alle im Bildband überflüssigerweise herumstehenden Leute einfach wegließ. Herausgekommen sind abstrahierte Comicblätter, die wie leergefegt erscheinen und in denen scheinbar nebensächliche Elemente wie Hintergrund, Kulisse und Ausstattung die Hauptrolle spielen. Man ist erstaunt was alles nicht zu sehen ist. Wer der schwerelosen Schönheit der handlungsbefreiten (Landschafts-) Bildtafeln nicht folgen kann ist eingeladen, das fehlende Personal aus eigener Erinnerung hinzuzufügen.

Diesem Manifest der Freude am Ausräumen und Weglassen stellt Line Wasner in ihrer Ausstellung im Kulturpalast Wedding eine fast gegenteilige malerische Position gegenüber. Sie ist so herkömmlich wie raumgreifend: Malerei auf Leinwand – aber skulptural und ausufernd. Die Künstlerin befreit die Malerei von jedem Rahmen und entlässt sie in den Raum. Sie erscheint in Form von ausfransenden, ornamentalen Wandteppichen oder liegt als zusammengerollte, fleckig bemalte Matratze auf dem Dielenboden herum. Line Wasner verstärkt die Eigenschaften des faltenwerfenden, bemalten Leinwandstoffs indem sie ihn staucht, wölbt und neu vernäht. Die vorher aufgemalten Ornamente, Motive und Farbkompositionen werden gleich mitgestaucht, verzerrt und neu sortiert als rätselhafte Bildzeichen in unseren Ausstellungsraum entlassen. Aus Ornament wird Fragment und aus Farbe wird Form. Und aus dem hitzigsten Lucky Luke-High-Noon-Shooting entwickelt sich schönste, scheinbar absichtslose Landschaftsmalerei. Alles verändert sich und alles Abwesende ist anwesend. Oder einfach neu erinnert.

Line Wasner, *1977,  lebt und arbeitet in Berlin- Wedding. Mehr unter www.linewasner.de

Am Samstag des zweiten Ausstellungswochenendes spielen die schon vorab gefeierten Berliner Newcomer Die Pferde + Tom Horn ihr allererstes Konzert. Wenn die nicht nach Lucky Luke klingen. Wir bitten um persönliches Erscheinen.

Raumordnung

Die Ausstellung untersucht die Raumordnungen – wie sie beansprucht, hergestellt, geschützt, verletzt oder ignoriert wird. Dabei ist Raum an sich nicht neutral: Er wird bewohnt, verteidigt, übertreten. Und er erzählt von Macht, von Rückzugsorten, von der Frage nach dem Miteinander und der Existenzberechtigung des Lebendigen.

In der Ausstellung Raumordnung begegnen wir einer Welt, in der Grenzen gezogen werden. Die gezeigten Werke – Malereien und Hinterglasbilder – eröffnen Bildräume, in denen das Verhältnis zwischen Mensch, Tier und gebauter Umwelt verhandelt wird.

Seit einem halben Jahrzehnt beschäftigt sich der in Montreal lebende Künstler Morgan Legaré mit den bilateralen Mechanismen zwischen Automatisierung und Kontrolle. Die Automatisierung ist eine echte industrielle Spezialisierung und ein Prozess, der darauf abzielt, die Rentabilität zu steigern sowie die Quantität und Qualität der Produktion durch immer fortschrittlichere Technologien zu gewährleisten. Ipso facto sorgt die Kontrolle dafür, dass eine Struktur oder ein System zuverlässig funktioniert.

Der Reinraum ist ein keimfreier und (über-)kontrollierter Produktionsraum, der die Einführung, Erzeugung und Speicherung von externen Elementen minimieren soll. Nach Ansicht des Künstlers weisen die industrielle und die kulturelle Umgebung mehrere Ähnlichkeiten auf. Sie sind mit Laboratorien vergleichbar, in denen ein Übermaß an funktionalen Codes und allzu konkreten, unmittelbaren, repetitiven, methodischen und entkörperlichten Handlungen herrscht. Die Räume, die der zeitgenössischen Kunst gewidmet sind, scheinen zunehmend für Erkundungen und Experimente sterilisiert zu werden. Die kreative Kraft wird durch die Autorität von Maschinen beeinflusst, die Kunst in absoluter Weißheit produzieren und verbreiten und deren Zahnräder von Künstlern, Kuratoren und Kulturarbeitern bedient werden, die immer mehr mit der Verantwortung am Fließband überfordert sind.

Das vorliegende Projekt wird maschinell in das Fabrikviertel Gesundbrunnen in Berlin verlegt, in dem sich ROSALUX befindet. Heute völlig keimfrei, auf jeder Oberfläche weiß verputzt und mit strengen Neonröhren beleuchtet, schreibt sich der Ort als „“White Cube„“ ein und unterscheidet sich von seinem vernakulären Habitat. Von Ort zu Ort verwendet der Praktiker stranggepresste Aluminiumprofile, um einen Raum in einem anderen zu bauen: ein White Cube in einem Clean Room. Die in der Mitte der Galerie errichtete Struktur fungiert als Tor zu miteinander verbundenen Zwischenräumen: von innen nach außen, vom Unbeständigen zum Greifbaren, vom Unwahrnehmbaren zum Sichtbaren. Mit Hilfe von illusionistisch anmutenden Modellplänen, die auf einer speziellen Halterung für Architektenpläne als eine Art materieller Stimulus angeordnet sind, lenkt Legaré die Wahrnehmung der Berliner Besucher_innen mit Tricks ab.

Das zentrale Element von Reinraum sind Werke, die während eines Forschungs- und Schaffensaufenthalts bei SAGAMIE in Alma (Québec, Kanada) gedruckt wurden. Es handelt sich dabei um eine Anhäufung von Schemata anerkannter Montrealer Ausstellungsräume. Die durch weiße Linien auf blauem Hintergrund – und umgekehrt – gekennzeichneten Pläne liegen wie Negative in organisierten Gitternetzen aus digitalen Geometrien und architektonischen Symmetrien nebeneinander. (…) Die Bilder materialisieren die Vorwegnahme einer visuellen Erfahrung: das Erkennen der Archetypen der Produktion, aber auch der Verbreitung der Kulturindustrie. Sie offenbaren sich als feste, preußisch-blau gefärbte Animationen, die aktiviert werden, wenn unsere Körper sich um die kreisförmige Vorrichtung herum bewegen.

Morgan Legarés Ansatz wird immer ausgereifter und entwickelt sich weiter, ohne sich jedoch zu entkörpern. Die empirischen und technischen Fertigkeiten des Künstlers werden von ihm selbst automatisiert und kontrolliert. Der vorliegende Korpus de-rekonstruiert die Konditionierung. Er wird sowohl von den Händen des Künstlers in seinem Atelier, als auch an seinem Bildschirm und selbst im weißen Würfel hergestellt.
Mit der Unterstützung durch die Vertretung der Regierung von Québec in Deutschland

Der Künstler: Morgan Legaré stammt aus Trois-Rivières (Quebec, Kanada) und lebt und arbeitet in Montreal (Quebec, Kanada). Seine Praxis bewegt sich zwischen Installation und Medienkunst. Er ist in den Sammlungen von Majudia und Ubisoft Montréal sowie in mehreren anderen privaten Sammlungen in Quebec vertreten. Seine Arbeiten wurden in Einzelausstellungen bei Fais-moi l’art (2024) in Montreal, kuratiert von Laurent Vernet, in der Galerie ELEKTRA (2023) in Montreal, bei ARTCH (2022) in Montreal und bei L’Œil de Poisson (2022) in Quebec City (Quebec, Kanada), kuratiert von Jean-Michel Quirion, gezeigt.

Der Kurator: Jean-Michel Quirion, Master in Museologie, Université du Québec en Outaouais (2020), Gatineau, Québec, Kanada. Co-Generaldirektor, Programmgestaltung am Centre d’art et de diffusion CLARK in Montreal (Québec, Kanada). Als Autor schreibt er für Fachzeitschriften wie Ciel variable, ESPACE art actuel, Esse arts + opinions, Inter art actuel und Vie des arts. Seine kuratorischen Projekte wurden in der Galerie UQO (2018) und AXENÉO7 (2023) in Gatineau, der Carleton University Art Gallery (2022) in Ottawa (Ontario, Kanada), DRAC – Art actuel (2022) in Drummondville (Québec, Kanada) und L’Œil de Poisson (2022) in Québec City (Québec, Kanada) gezeigt.

Zeitgenössische Stickerei

Ausstellung vom 15. – 22.05.2025
Vernissage am 15.05.2025 ab 18.00 Uhr
Öffnungszeiten Ausstellung: täglich von 14.00 – 18.00 Uhr ausser am 19.05 und 20.05.2025
und nach telefonischer Vereinbarung

Ich bin daran interessiert, die Einstellung zur Handstickerei in Europa zu erforschen und möchte mit Künstlern in Deutschland und Polen in Kontakt treten. Ich möchte die Beziehung zwischen Integration und Handwerkstheorie untersuchen. Die Stickerei nutzen, um Menschen zusammenzubringen und Gespräche zu fördern. Erforschung der Verwendung von Stickerei in intermedialen Projekten.

Meine Identität wird zunehmend durch meine Familie und mein polnisches Erbe geprägt. Ich wurde im Bieszczady-Gebirge in Süd-Ost Polen geboren, zog nach Stettin und dann nach London im Vereinigten Königreich. Meine Familie mütterlicherseits lebt seit 50 Jahren in Stettin. Ich würde gerne eines Tages an der Kunstakademie in Stettin studieren.

Ich dekonstruiere kulturelle Symbole und Medien durch Handstickerei. Mir geht es darum, die vielfältigen Erfahrungen zu würdigen, die die Stickerei bieten kann, vor allem wenn sie mit Musik, Kino und Psychologie interagiert. Ich hinterfrage bestehende Praktiken durch satirische und rekonstruktive Perspektiven. Ich nehme traditionelle Muster auseinander und passe sie an die zeitgenössische Kunst an. Die Neuinterpretation der Tradition ist ein grundlegendes Element meiner Praxis. Ich erforsche und adaptiere die breit gefächerten Techniken der Fadenmanipulation, die zu einem eigenen Stil geworden sind. Ich visualisiere philosophische und psychologische Konzepte durch Textilkunst und bringe sie in modischen, experimentellen und rekonstruktiven Stilen zum Ausdruck.

Projekt Cuh Opilamonnia Rs ist meine Erkundung menschlicher Beziehungen durch Stickerei. In dieser Arbeit möchte ich die Stickerei als Kunstform sowie ihre potenzielle Verwendung in Handwerk und Gesellschaft zeigen. Ich untersuche die Stärken der Stickerei für die Verwendung in der Mode und spiele mit den Hierarchien von Textilien – Weben, Drucken und Sticken -, um eine Vielzahl von visuellen und sensorischen Erfahrungen zu schaffen. Mode als ein Medium, das die Grenzen der modernen konzeptionellen Funktion verwischen kann, passt perfekt zu meiner theoretischen Praxis mit hohem Konzept.

Wspolczesne Hafty

Interesuje mnie badanie postaw wobec haftu ręcznego w Europie i chciałbym nawiązać kontakt z artystami w Niemczech i Polsce. Chcę zbadać związek między integracją a teorią rzemiosła. Używanie haftu, aby łączyć ludzi i zachęcać do rozmowy. Badanie możliwości wykorzystania haftu w intermediach.

Moja tożsamość jest coraz bardziej kształtowana przez rodzinę i polskie dziedzictwo. Urodziłem się w Bieszczadach w Polsce, przeprowadziłem się do Szczecina, a następnie do Londynu w Wielkiej Brytanii. Moja rodzina ze strony matki mieszka w Szczecinie od 50 lat. Chciałbym kiedyś studiować na Akademii Sztuki w Szczecinie.

Dekonstruuję symbole kulturowe i media poprzez haft ręczny. Dla mnie chodzi o docenienie różnorodnych doświadczeń, jakie może zapewnić haft, zwłaszcza gdy wchodzi w interakcję z muzyką, kinem i psychologią. Kwestionuję istniejące praktyki, stosując satyryczne i rekonstrukcyjne perspektywy. Rozbieram tradycyjne wzory na części i dostosowuję je do sztuki współczesnej. Reinterpretacja tradycji jest podstawowym elementem mojej praktyki. Eksploruję i dostosowuję szerokie techniki manipulacji nicią, które stały się stylem sygnaturowym. Wizualizuję koncepcje filozoficzne i psychologiczne poprzez sztukę tekstylną i wyrażam je w modzie, w stylach eksperymentalnych i rekonstrukcyjnych.

Cuh Opilamonnia Rs to moja eksploracja relacji międzyludzkich poprzez haft. W tym dziele chcę pokazać haft jako sztukę piękną, a także jego potencjalne zastosowanie w rzemiośle i społeczeństwie. Badam mocne strony haftu do wykorzystania w modzie i bawię się hierarchiami tekstyliów — splotem, nadrukiem i haftem — aby stworzyć różnorodne wrażenia wizualne i sensoryczne. Moda jako medium, które może zacierać granice nowoczesnej funkcji konceptualnej, doskonale pasuje do mojej praktyki teoretycznej o wysokim pojęciu.

Willkommen zur Eröffnung am Fr, 30. Mai 2025 um 19 Uhr
Ausstellung: 30.05.-21.06.2025

Geöffnet am Kolononie Wedding Wochenende: So.: 01.06.2025 von 14-18 Uhr
Öffnungszeiten: Mi-Sa 15-19 Uhr

.. AND BEYOND THE INFINITE ist eine Kollaboration der Mannheimer Galerie Strümpfe und dem deutsch-finnischen Projektraum Toolbox.
Zwölf Künstlerinnen aus Berlin, Heidelberg und Mannheim, deren Arbeiten sowohl in der Toolbox als auch im Projektraum art.endart präsentiert werden, bilden die Basis für den ersten Teil dieser Zusammenarbeit, in deren Folge Künstlerinnen der Toolbox dann im September in der Galerie Strümpfe in Mannheim zu Gast sein werden.
Der Titel der Ausstellung umschließt sowohl die Einzigartigkeit der einzelnen Positionen – karikaturhafte Gegenständlichkeit trifft abstrahierende Finesse – als auch die spartenübergreifende Fülle (Malerei, Zeichnung, Knetbild, Fotografie, Objekt und Video) der Exponate selbst.

Teilnehmende Künstlerinne und Künstler:
Mitsuko Hoshino (Hd), Inessa Siebert (Hd), Jutta Steudle (Ma), Line Wasner (B), Annalena Winkler( Ma), Eric Carstensen (Ma), Jürgen Eisenacher( B), Alexander Horn (Ma), Henrik Jacob (B), Heiko Sievers (B) und Fritz Stier (Ma).

Artwork: Analena Winkler: Concert, 2024, Graphit/Papier, 28 x 42 cm.

Willkommen zur Eröffnung am Fr, 30. Mai 2025 um 19 Uhr
Ausstellung: 30.05.-21.06.2025

Geöffnet am Kolononie Wedding Wochenende: So.: 01.06.2025 von 14-18 Uhr
Öffnungszeiten: Mi-Sa 15-19 Uhr

.. AND BEYOND THE INFINITE ist eine Kollaboration der Mannheimer Galerie Strümpfe und dem deutsch-finnischen Projektraum Toolbox.
Zwölf Künstlerinnen aus Berlin, Heidelberg und Mannheim, deren Arbeiten sowohl in der Toolbox als auch im Projektraum art.endart präsentiert werden, bilden die Basis für den ersten Teil dieser Zusammenarbeit, in deren Folge Künstlerinnen der Toolbox dann im September in der Galerie Strümpfe in Mannheim zu Gast sein werden.
Der Titel der Ausstellung umschließt sowohl die Einzigartigkeit der einzelnen Positionen – karikaturhafte Gegenständlichkeit trifft abstrahierende Finesse – als auch die spartenübergreifende Fülle (Malerei, Zeichnung, Knetbild, Fotografie, Objekt und Video) der Exponate selbst.

Teilnehmende Künstlerinne und Künstler:
Patrick Huber (B), Mitsuko Hoshino (Hd), Inessa Siebert (Hd), Jutta Steudle (Ma), Line Wasner (B), Annalena Winkler( Ma), Eric Carstensen (Ma), Jürgen Eisenacher( B), Alexander Horn (Ma), Henrik Jacob (B), Heiko Sievers (B) und Fritz Stier (Ma).

Artwork: Jürgen Eisenacher

https://artlaboratory-berlin.org/de/ausstellungen/fermenting-textiles/
Fermenting Textiles ist ein inter- und transdisziplinäres Forschungs- und Ausstellungsprojekt, das die aktive Materie in den Mittelpunkt stellt: Es verbindet Anthropologie, Mikrobiologie und Kunst mit Beiträgen von Kunsthandwerker:innen, Anthropolog:innen, Naturwissenschaftler:innen und Künstler:innen sowie mehr-als-menschlichen Akteur:innen. Fermenting Textiles erforscht die Fermentierung von Textilien in Schlamm und Pflanzenmaterial, um komplexe Färbungen für verschiedene Verwendungszwecke herzustellen – von traditionellen Jagdhemden in Burkina Faso bis zum Färben von Kimono-Seide in Japan. Es handelt sich um handwerkliche Verfahren mit faszinierenden traditionellen Verwendungen und Bedeutungen. In beiden Fällen werden natürliche chemische und biologische Prozesse genutzt, um einzigartige ästhetische und medizinische Ergebnisse zu erzielen.

Auch kulturübergreifende Forschungsmethoden spielen bei Fermenting Textiles eine wichtige Rolle. Die Anthropologin Laurence Douny hat mit Kolleg:innen und Färber:innen in Burkina Faso zusammengearbeitet, um den langwierigen Prozess der Vouwo-Schlammfärbung akribisch zu dokumentieren, bei dem Erde unterschiedlicher Herkunft, Eisenerz und verschiedene Pflanzenmaterialien verwendet werden. Die Mikrobiologin Regine Hengge und ihr Doktorand José I. Hernández Lobato haben die komplexen Interaktionen von Bodenbakterien mit Pflanzen und Stoffen im Färbeprozess untersucht und stellen diese in der Ausstellung visuell nach. Darüber hinaus schafft Hengge fächerübergreifend fotografische Muster, die Bilder von bakteriellen Biofilmen aus dieser wissenschaftlichen Forschung mit den von Douny untersuchten westafrikanischen Textilien kombinieren. Diese wurden auf Stoffe für die Herstellung neuer Hemden gedruckt und vervollständigen so eine transdisziplinäre Reise von „shirt to shirt“.

Das Kunst- und Designprojekt Craft Portrait: Dorozome von Pauline Agustoni und Satomi Minoshima untersucht das Färben von Stoffen durch Kunsthandwerker:innen auf der südjapanischen Insel Amami Oshima. Traditionell werden die Seidenfäden für die Kimonoherstellung, die mit Baumwollfäden verwoben sind, zunächst in einem flüssigen Bad aus Baumrinde gefärbt. Anschließend werden sie wiederholt in Schlamm getaucht, bevor die Baumwollfäden entfernt werden, um die ungefärbten Teile des Stoffes freizulegen. Dabei kommt es zu chemischen Reaktionen der Komplexbildung und Oxidation, die zu satten dunkelbraunen und schwarzen Seiden führen. In Zusammenarbeit mit den Kunsthandwerker:innen in Japan haben Agustoni und Minoshima eine Textilskulptur aus rosa-braunen und schwarzen Fäden hergestellt, die sich drehen und winden und so den Akt des Auswringens nachahmen, der ein wesentlicher Bestandteil des Färbeprozesses ist.

Durch die Kombination dieser Ansätze, Methoden und Kontexte unterstreicht Fermenting Textiles das Wirken und die Empfindungsfähigkeit der Materie im Fermentationsprozess und ihre vielseitige Materialität. Aus der Perspektive posthumanistischer Philosophie betrachtet, tritt die Materie aktiv auf, was die Philosophin Karen Barad als „eine materialistische, naturalistische und posthumanistische Ausarbeitung“ beschreibt, „die der Materie den ihr gebührenden Platz als aktive Teilnehmerin am Werden der Welt, an ihrer fortwährenden ‚Intra-Aktivität‘ einräumt“ (Barad 2003: 803). Die einzigartige multinationale, multi- und transdisziplinäre Zusammenarbeit, aus der die Gruppenausstellung Fermenting Textiles besteht, spiegelt die artenübergreifende Kollaboration wider, die ein wesentlicher Bestandteil des Färbeprozesses von Schlamm ist.

Regine Rapp & Christian de Lutz

Literatur im Kontext

Douny, L., Hernández Lobato, J.I., Séré, A., Sawadogo, S. and Hengge, R. (2023). The hunter shirt: the role of Acacia nilotica in fermentative textile dyeing. Acta Hortic. 1361, 67-76, DOI: 10.17660/ActaHortic.2023.1361.8.

Douny, L., Hengge, R., Hernández Lóbato, J.I., Rapp, R. & de Lutz, C (2025) Fermenting Textiles: the Hunter Shirt. In: Abschlusspublikation des Exzellenz-Clusters Matters of Activity (in Vorbereitung, publiziert bei Birkhäuser).

Mehr Information:
https://www.matters-of-activity.de/en/posts/16004/fermenting-textiles
https://www.matters-of-activity.de/en/research/projects/55/weaving
https://www.matters-of-activity.de/en/

Die Ausstellung „Fermenting Textiles“ ist auch Teil des __matter FESTIVAL 2025, das vom Exzellenzcluster Matters of Activity. Image Space Material der Humboldt-Universität zu Berlin organisiert wird.

Danksagungen in Büchern beginnen heute sehr oft mit Sätzen wie: „An der Entstehung dieses Buches waren sehr viele Menschen beteiligt.“ – ein Zeichen dafür, dass der öffentliche Diskurs sich langsam von dem modernen Mythos des autark schöpfenden Genies im Kämmerlein verabschiedet. Menschen sind soziale und politische Wesen; alle Technik, Kunst, alles Wissen baut stets auf dem vergangener Zeiten auf und erweitert, verändert sich in Gemeinwesen. Wir sind alle in unserem Leben eingebettet in Netzwerke, viele Beziehungen zu vielen Menschen. Die Paarbeziehung ist dabei eine der engsten, innigsten; in vielen Paaren ist der/die Partner:in die Person, mit der wir am meisten Zeit verbringen. Vielleicht ist die Innigkeit der Paarbeziehung ebenso ein Mythos wie das einsame Genie, jedenfalls ein Klischee; auch im Hinblick auf innige zwischenmenschliche Beziehungen vollzieht sich derzeit ein Wandel hin zu offeneren, vielfältigeren Formen des Zusammenlebens. Dennoch gibt es weiterhin Paare, und in Hinblick auf die Kreation von Kunstwerken, die Kreativität lohnt sich vielleicht ein Blick auf mögliche gegenseitige Beeinflussung, gegenseitige Inspiration in Paarbeziehungen.

Eingeladen wurden der Galerie nahestehende Kolleg:innen, deren Arbeiten wir schätzen und von denen wir denken, dass sich ein Zwiegespräch unter vier oder acht Augen lohnt.

Künstlerinnen und Künstler:

Maija Helasvuo beschäftigt sich in ihrer Arbeit mit der skulpturalen Formulierung von Vagem, Flüchtigem, Hilflosem und anderen schwer fassbaren Phänomenen, oft in einer Kontrastierung zur Wuchtigkeit des Materials oder einer Rauheit in der Bearbeitung. Die Künstlerin arbeitet mit visuellen Metaphern, die sich auf Kunstgeschichte und soziales Miteinander gleichzeitig beziehen können. Zusammen mit Mika Karhu und anderen finnischen Künstlerinnen und Künstlern betreibt sie seit 2012 den Finnisch-Deutschen Kunstraum Toolbox, ein Projekt, das den künstlerischen Austausch zwischen Finnland und Deutschland fördert.
Maija Helasvuo, geboren 1968 in Karelien, studierte Kunst an der Hyvinkää Art School, am Lahti Institute of Fine Art und an der Turku Fine Art Academy.

Mika Karhu beschäftigt sich in seiner Kunst mit menschlichen Emotionen – mit der Psyche – im Zusammenhang mit Gesellschaftsstrukturen, Macht- und Herrschaftsverhältnissen, basierend auf langjährigen Studien von Psychologie, Neurologie, Philosophie und politischer Theorie. Ein besonderer Schwerpunkt liegt dabei auf Trauma, Angst und Verletzlichkeit. In seinen düsteren Tuschebildern in Grautönen, Schwarz und Weiß repräsentiert das Dunkle die Schattenseiten, Gewalt, Depression, Terror und das, worüber wir nicht sprechen (können); das Helle die Erkenntnis, Hoffnung.
Mika Karhu, geboren 1969 in Joensuu, Karelia, Finland, studierte bildende Kunst und Grafik an der Hochschule für Kunst und Design in Nordkarelien, am Institut für Druckgrafik der Lahti Universität, an der Universität für Kunst und Design Helsinki und promovierte in bildender Kunst an der Aalto Universität in Helsinki, an der er heute Kunst unterrichtet.

Henrik Jacob überknetet Fotos mit schwarz-weißer Modelliermasse und lässt die Motive auf diese Weise in den Raum wachsen. Die Größe seines Daumenabdrucks bestimmt dabei die Pixelgröße, was den Bildern eine beunruhigende Unschärfe verleiht. Durch die Veränderbarkeit des formbaren, plastischen Materials auch nach der Fertigstellung eines Werks arbeitet der Künstler an einer Art Antikunstgeschichte, die die Bedeutung des künstlerischen Endprodukts hinterfragt. In der Ausstellung präsentiert er neben kleineren Bildern auch den zusammengefalteten SPD-Stand, den er kurz vor der Bundestagswahl 2025 im Soldiner Kiez aufgestellt hat. (Sibylle Peter Dieter)
Henrik Jacob, geboren 1972 in Dresden, studierte von 1994 bis 2000 Freie Kunst an der Hochschule für Künste Bremen bei Prof. Rolf Thiele. Nach Auslandsaufenthalten an der Winchester School of Art in Southampton, in Barcelona, Spanien, und an der Academie Galan in Frankreich wurde er 2001 Meisterschüler bei Rolf Thiele an der HfK Bremen. Seit 2000 lebt und arbeitet er in Berlin, wo er seit 2007 den Ausstellungs- und Projektraum Kulturpalast Wedding International organisiert und kuratiert. Der Projektraum wurde 2016 vom Berliner Senat mit dem Preis für künstlerische Projekträume und Initiativen ausgezeichnet.

Susan Kempfer findet bei Spaziergängen in Landschaften und besonders an Stränden schöne und interessante Steine, in denen sie anthropomorphe Formen sieht. Sie bearbeitet die Steine nicht skulptural, sondern überformt sie mit plastischem Material. Die gegensätzlichen Texturen von Gestein und weichem plastischen Material wie Ton, den sie zunächst zum Skizzieren benutzt, aber in der endgültigen Bearbeitung durch Zementmischungen ersetzt, inspirieren sie. Bei Susan Kempfers Beschäftigung mit Köpfen, menschlichen Körpern und Körperfragmenten interessieren sie Transformationen, Prozesse des Übergangs, des Temporären, der Bewegung, der Verschiebung von Bedeutungen. Ihre Plastiken reflektieren Formen und Strukturen, die in der natürlichen Welt zu finden sind, vor allem von gefundenen Natursteinen, und verbindet sie mit künstlichen Elementen. Sie laden den Betrachter ein, über die Wechselwirkungen zwischen diesen Elementen nachzudenken. Die urwüchsige Form der Steine gibt ihr Impulse, denen sie folgt. Ihre Überformungen übermalt sie, dabei Farbe und Struktur des Steins so täuschend echt nachahmend, dass im Trompe-l’oeil natürliche Form und Kunstform nicht mehr unterscheidbar sind. Susan Kempfer nutzt Materialeigenschaften wie das Erstarren von Flüssigem zu fester Form, beispielsweise von Zement und im Gegensatz dazu, die Elastizität eines Materials wie Gummi. Sie kombiniert diese Elemente in Plastiken mit Zement, Fahrradschläuchen und Luft. Sie gießt Schläuche in Zement ein, sodass sie sich zwar noch in begrenztem Maß ausdehnen und Luft aufnehmen oder Luft entweichen lassen können, wodurch zugleich ihre Elastizität konterkariert wird im Zwang des erstarrten Materials. So wurden auch Ventile für sie interessant, die, neben ihrem künstlerischen Verweis auf Übergänge, auch ästhetisch schön sind. Auch diese abstrakten Arbeiten versteht sie anthropomorph, sie verweisen auf Stoffwechsel, beweglichen Bezug zur Welt, auf Prozesse der Orientierung. Das ergibt latent instabile, spannungsvolle Formen, die sowohl visuell als auch haptisch ansprechend sind.

Susan Kempfer

1969 Geboren in Grimma, Deutschland
1985-1988 Medizinisches Fachschulstudium
1999 Übersiedlung ins Ruhrgebiet
Seit 2022 Studium Bildhauerei / Skulptur / Installation (B.F.A.) an der Hochschule der bildenden Künste Essen.
2024 Gründung der Produzentengalerie SpiritTransfer mit Jörn Kempfer
Ausstellungen im In- und Ausland

Figuratives und Ungegenständliches sind für Jörn Kempfer nur Pole. Die Bewegung dazwischen treibt seine Malerei voran. Immer geht es in Bildern um Wesentliches, das heißt um Wirklichkeit und Wirkung. In geheimnisvoller Weise ist das Wesen des Bildhaften nicht etwas Konkretes, sondern Abstraktion. Jörn Kempfer malt auf große, auf Holzplatten angeheftete Leinwandstücke, die er erst nach Fertigstellung des Bildes zuschneidet und auf Keilrahmen aufspannt. Diese Vorgehensweise erlaubt ihm beim Malen die Spontanität, um jederzeit Veränderungen der Komposition in Form und Größe vornehmen zu können. Mit dem Pinsel erzeugt er plastische Wirkungen wie Wellungen, Aufkantungen, Staffelungen, Vertiefungen und räumliche Spannungen. Er arbeitet in die Farbe mit Zeichenkohle, Ölstiften, Spachtel etc. hinein und schafft starke Kontraste von Texturen, Strukturen und Gliederungen. In einigen Bilderserien geht er wie ein Bildhauer vor, arbeitet in eine monochrome Farbfläche hinein durch Auflösen oder Wegnehmen der Farbmaterie. Ölfarbe ist sein bevorzugtes Material, weil diese, im Gegensatz zur schnell trocknenden Acrylfarbe, sich lange bewegen lässt und erlaubt, die Farbwirkungen zu verändern. Durch Verflüssigung der Farbe arbeitet er mit Lasuren, um lichthafte, transparente, räumliche Wirkungen zu erzeugen. In manchen Bilderserien bleibt der Grund der Leinwand sichtbar, ist hier nicht Untergrund für den illusionistischen Bildraum, sondern Grund in seiner Materialität als Fläche, auf dem der Malprozess nachvollziehbar ist. In den ungegenständlichen, gestischen Arbeiten von Jörn Kempfer, gibt es kein Sujet. Er beginnt impulsiv und setzt einen Malprozess in Gang, von dem er zu Beginn nicht weiß, wohin er ihn führt. Er arbeitet seriell und variiert immer wieder neu malerische Möglichkeiten, die sich im Prozess des Malens ergeben. Er spielt mit der Wirkung des Trompe-l’oeil. Der Betrachter vermag nicht genau, die Bildebene der Darstellung zu verorten, die zugleich hinter und vor dem Bildgrund zu sein scheint. Für Jörn Kempfer ist die Malerei nie fertig, ist ein unabschließbarer Prozess malerischer Bewegung.

Jörn Kempfer

1958 Geboren in Duisburg, Deutschland
1981 Studium der Malerei an der Universität der Künste Berlin
Seit 1986 freischaffend in Berlin-Kreuzberg
Seit 2000 verschiedene Lehrtätigkeiten in der Erwachsenenbildung
2012 Umzug nach Moers-Asberg
Bis 2024 Atelier im Künstlerhaus Hafenkult in Duisburg
2024 Gründung der Produzentengalerie SpiritTransfer mit Susan Kempfer
Ausstellungen im In- und Ausland.

Line Wasner hat zuammen mit Maarja Nurk in Berlin in der Kleingartenkolonie Bornholm 2024 eine Performance durchgeführt. Die beiden Künstlerinnen haben sich als Büsche verkleidet und Gartenarbeit verrichtet. Für alle, die damals nicht dabei sein konnten, gibt es ein paar Filmaufnahmen von dieser denkwürdigen Aktion. Die sehr beeindruckenden Büsche-Verkleidungen sind in der Ausstellung zusammen mit einigen Gemälden Line Wasners zu sehen.
Line Wasner malt und zeichnet Dinge, die nicht viel Interesse an Ideen von Ordnung und Ökonomie zeigen. So taumelt die Malerei eigenwillig; im Diffusen entsteht ein klares Bild von etwas Unklarem. Durch Nähen, Falten, Stopfen und Applizieren befreit Wasner ihre Bilder neuerdings von der Zweidimensionalität und entlässt sie in den Raum.
Line Wasner, geboren 1977, lebt und arbeitet in Berlin. Sie studierte Bildende Kunst und Umweltkunst an der Bauhaus Universität Weimar und an der Glasgow School of Art. Seit 2010 arbeitet sie auch als szenische Malerin.

Liebe Freunde, liebe Liebhaber des Schönen, Menschen guten und bösen Willens, meine Damen und Herren, Kinder und Jugendliche, Rentner und Arbeitslose, Förderer und alle, die es wünschen:
Wir laden Sie hiermit zur Eröffnung der außergewöhnlichen Ausstellung „SCHRÄGER HAIN“ des geheimnisvollen und außergewöhnlichen britischen Künstlers LUMEN DER SCHREIBER ein.

Der Künstler wird persönlich anwesend sein und den Schleier des Geheimnisses lüften, der ihn umgibt.

Eröffnung am 30.05. ab 18:00 Uhr

LUMEN DER SCHREIBER
SCHRÄGER HAIN.

Der schräge Hain ist drei Jahre her, verloren inmitten der endlosen, entflohenen Zeit in Grüntönen. Die Kassette wartet nur auf die traumlosen Hoffnungen des Spielers.

Wir stellen vor: LUMEN DER SCHREIBER

ICH, DER SCHREIBER, EIN BARDE DER ZEITLOSEN ÄRA, DER BUND DER HISTORIZITÄT.
SCHWÖRE FEIERLICH, IN ZEITLOSEN FÄDEN DIE FORM DES GROSSEN, ABER VERDAMMTEN ZU FORMEN.
„WORLD WIDE WEB“
HIER SCHAFFE ICH A PRIORI EINE GESCHICHTE VOM GOLDENEN FADEN,
DER DAS LICHT FÜR IMMER
AUS DEM LABYRINTH DER VERNEINUNG FÜHRT.

Herzlich willkommen zu unserer nächsten Vernissage am Freitag, den 26. September 2025, um 19 Uhr.

Ausstellung: 26.9.–25.10.2025

Öffnungszeiten: Mi–Sa 15–19 Uhr

Kolonie Wedding Wochenende geöffnet am Sonntag, 28.9.2025 von 14–18 Uhr

Videowerke von Studierenden der Filmabteilung der Aalto-Universität, Helsinki, Finnland

Mit Werken von

Joona Ikonen, Mika Koskinen, Julia Matinniemi, Sanna Langinkoski and Joonas Veijanen

Die Ausstellung „Dünne Räume / Thin Rooms” taucht ein in den Raum zwischen der physischen und der spirituellen Welt, wo unsere gegenwärtigen Erfahrungen mit Erinnerungen und der Vergangenheit verschmelzen, die in diesem Raum nachklingt. Die Werke erkunden Erinnerungen, Spiritualität und individuelle Erfahrungen auf vielfältige und aufgeschlossene Weise. Sie fordern den Betrachter dazu auf, den Moment, in dem wir leben, zu erforschen und über die Bedeutung der Präsenz in diesem dünnen Raum nachzudenken, der die Vergangenheit von der Zukunft trennt.

Die Ausstellung ist Teil des Kurses Associative Visual Storytelling für Masterstudierende der Abteilung Film und Animation an der Aalto-Universität (Finnland). Der Kurs wird von dem bildenden Künstler und Hochschullehrer Mika Karhu geleitet, der auch die Ausstellung organisiert.

Joona Ikonen
Memory Lan, Kurzfilm, 5 Min.

Die Geschichte hallt durch die Korridore der Gegenwart, auch wenn wir uns weigern, sie zu hören. Das Werk zwingt den Zuschauer, sich mit den beunruhigenden Parallelen unserer Zeit auseinanderzusetzen. Sind Sie mitschuldig?

Mika Koskinen
Muodollinen lounas / Formelles Mittagessen, Animation, 2 Min.

Das formelle Mittagessen bezieht sich auf die Eucharistie und Rituale. Das Leben erscheint oft als eine Abfolge absurder Ereignisse. Ist es am Ende die Religion, die uns retten kann?

Julia Matinniemi
Villa Pfaffenlehne, Dokumentarfilm, 15 Min.

Jan, Julia und Silke besuchen ein letztes Mal die Villa Pfaffenlehne, ein heruntergekommenes Gartenhaus am Stadtrand von Erfurt, das Silkes Mutter und anderen Oma gehört.

Joonas Veijanen
Varjostus / Video+Audio, 2 Min. 25 Sek.

Treten Sie ins Licht (des Projektors).
Wenn Sie ins Bild treten, schneiden Sie ein Loch in das Bild.
Aber keine Sorge. Sie werfen einen Schatten.

Sanna Langinkoski
Zeitreisende, visuelle Kunst, Papier & Textil

„Auf Familienfotos von vor 80 Jahren sah ich eine Frau, die mir auffallend bekannt vorkam. Sie sah genauso aus wie ich.“

Das Werk schlägt eine Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart und reflektiert gleichzeitig die Schichten der Erinnerung, die Verbindungen zwischen den Generationen und die Vergänglichkeit der Geschichte. Es ist eine persönliche Reise durch die Zeit, in der die Fotografien eine Verbindung zu einer Person herstellen, deren Leben bereits beendet ist, deren vertrauter Blick jedoch in den Fotografien weiterlebt. Eines Tages werde auch ich eine Figur aus der Vergangenheit auf einem Foto sein.

Galerie/Projektraum TOOLBOX
Koloniestraße 120
13359 Berlin-Wedding
U-Bahn Osloer Straße

An Feiertagen ist die Toolbox geschlossen
On Bank holidays Toolbox is closed

Die Vernissage findet am 27.06.2025 ab 19:00 Uhr statt.

Eine Einführung in die Ausstellung und Vorstellen der Künstlerin von Urszula Usakowska-Wolff

Bericht über die Vernissage

Die Ausstellung Formy i struktury / Linia czasu //Formen und Strukturen / Zeitachse / von Monika Izabela Kostrzewa ist das Ergebnis ihrer autonomen Untersuchungen zur Form und Struktur der Kleidung und den damit verbundenen ästhetischen und künstlerischen Erfahrungen von Kultur und Zeit, die die Archetypen der zeitgenössischen Mode prägen.

„Auf dem Weg der kreativen Erkundung erforsche ich seit vielen Jahren die Qualitäten der mich interessierenden textilen und nicht textilen Materialien, deren strukturelle Eigenschaften Inspiration für die Formgestaltung der Kleidung und auch für meine grafischen Arbeiten sind. Seit Jahren schöpfe ich aus der selben Quelle und versuche, sinnliche Beweise für die gegenseitige Dependenz und Verflechtung der Bereiche zu finden, die mich anregen und die den Raum der zeitgenössischen Kultur und unseres Alltags mitgestalten. Als Designerin, die mit der dynamischen Modebranche zusammenarbeitet, schätze ich ihr immenses kreatives Potenzial, das breite Spektrum an Einflüssen und die Möglichkeiten der interkulturellen Wirkung. Ich beschäftige mich seit langem mit nachhaltiger Mode, wobei der kreative Umgang mit natürlichen Ressourcen und das Slow-Fashion- und Zero-Waste-Design im Mittelpunkt stehen.

Das Resultat meiner schöpferischen Arbeit sind Bekleidungskollektionen und autonome Raumobjekte, die aus aufbereiteten, gefärbten Materialien, darunter handgeschöpftem Recyclingpapier und Naturleder, hergestellt werden. Das in der Kollektion verwendete Papier symbolisiert die Unbeständigkeit und Vergänglichkeit des Augenblicks, das Leder – die Last der Geschichte und der Stoff – die Kontinuität der kulturellen Überlieferung. Diese drei Materialien auf der Zeitachse gestalten ihre eigene Geschichte mit, durchwebt mit Fäden des Wandels und der Erfahrung, die gleichzeitig Träger der Erinnerung sind, welche im Laufe der Jahre immer wieder neue Bilder und Visionen der Zukunft schafft.“

Die in der Ausstellung präsentierte Kollektion besteht aus 18 autonomen Kunstwerken und einer Serie von ideenbasierten Fotografien. Die Raumformen der auf den Schaufensterpuppen drapierten Kleidungsstücke zeichnen sich durch eine diagonale Komposition und eine auf der Silhouette modellierte Spiralkonstruktion aus. Sie symbolisieren die Idee der Zirkularität der Mode, die es ermöglicht, den auf der Zeitachse entstehenden Formen jedes Mal eine neue Gestalt zu verleihen. Die strukturierten Raumarbeiten sind eine Art transparente Gemälde, die die Kleidung paraphrasieren und über ihren hauptsächlichen Verwendungskontext hinausgehen. Die Sammlung umfasst auch eine Serie von sechs Originalgrafiken, die, im Siebdruckverfahren hergestellt, aus dem Bedürfnis heraus entstanden, tief in die Struktur der Materie einzudringen, um ihre visuellen Werte zu redefinieren. Die Serie der in der Ausstellung gezeigten ideenbasierten Fotografien, in der edlen Technik der analogen Fotografie gefertigt, die die Mode seit fast einem Jahrhundert begleitet, ist eines der Motive der aus verschiedenen Trends, Kultur- und Handwerkstraditionen zusammensetzten Modestruktur.

Die Fotografien, die die Formen und Strukturen der an den Schaufensterpuppen angebrachten Kleidungsstücke dokumentieren, wurden von den Studenten der Fotowerkstatt der WP-A UAM (Pädagogisch–Künstlerischen Fakultät der Adam-Mickiewicz-Universität Kalisz) unter der Leitung von Dr. Adrian Wykrota digital aufgenommen: von Zuzanna Raźniewska, Marytna Musińska, Polina Latyshonok, Wiktoria Stanisławska, Maja Symanowicz, Amelia Gaicka.

Urheber der Sammlung der analogen ideenbasierten Fotografien ist Bernard Sylwester Kostrzewa.
Urheberin der Fotografien von Raumobjekten und grafischen Arbeiten ist Monika Izabela Kostrzewa.

Aus dem Polnischen ins Deutsche übersetzt von © Urszula Usakowska-Wolff

Monika Izabela Kostrzewa

Bildende Künstlerin und Modedesignerin, erwarb 1995 den Master of Arts (M.A.) an der Fakultät für Textil und Mode der Staatlichen Hochschule für Bildende Künste Władysław Strzemiński in Łódź; seit 2001 wissenschaftliche und didaktische Mitarbeiterin der Adam-Mickiewicz-Universität Poznań. 2006 Promotion im Fachbereich Bildende Kunst, Disziplin Angewandte Kunst; 2012 Habilitation im Fachbereich Bildende Kunst, Disziplin Design; seit 2012 Professorin an der Adam-Mickiewicz-Universität Poznań; 2013–2016 Prodekanin für wissenschaftliche und künstlerische Aktivitäten an der Pädagogisch–Künstlerischen Fakultät Kalisz, Filiale der Adam-Mickiewicz-Universität Poznań; Leiterin der Design-Werkstatt an der Pädagogisch-Künstlerischen Fakultät der Adam-Mickiewicz-Universtität, Filiale Kalisz. Seit mehreren Jahren arbeitet sie mit der Modeindustrie zusammen, entwirft regelmäßig Bekleidungskollektionen sowie textile Formen und Strukturen als Unikate oder für die Serienfertigung. In ihren Arbeiten verwendet sie häufig Kombinationen aus unkonventionellen Materialien wie Papier, Leder und Metall. Ihre künstlerische Praxis erweitert sie durch die Organisation von Veranstaltungen (kreative Projekte, Modenschauen, Ausstellungen, Happenings, nationale und internationale Symposien und Konferenzen). Sie engagiert sich auch aktiv für die Popularisierung der Künstlerinnen und Künstlern aus Großpolen und der Stadt Kalisz. Von 2014 bis 2024 leitete sie multiperspektivische internationale Kunstprojekte: „Bridges of Art/Art Bridges“ (2014, 2015, 2016, 2017) und das internationale Kunst- und Bildungsprojekt „From creation to things/From creation to realisation“ (2018, 2019, 2021, 2022, 2023). Autorin und Herausgeberin von zwölf Kunstpublikationen, Mitherausgeberin von zwei wissenschaftlichen Publikationen sowie von zahlreichen wissenschaftlichen- und Fachartikeln.

Zweimalige Stipendiatin des Projekts „Exzellenzinitiative – Forschungsuniversität“ im Wettbewerb Nr. 084 „Förderung der Forschung der Filiale der Adam-Mickiewicz-Universität“ (2021 und 2023); Stipendiatin des Wettbewerbs im Projekt „UNIWERSYTET JUTRA II (Universität von morgen II)“. – ein integriertes Programm zur Entwicklung der Adam-Mickiewicz-Universität Poznań, in dessen Rahmen sie 2023 ein Ausbildungspraktikum in den USA an der University of Massachusetts UMass Lowell, Art & Design Department, absolvierte. 2013 machte sie ein Kunstpraktikum an der Appalachian State University in Boon, NC, USA, wo sie im Rahmen des Projekts „International Focus Series 21 Contenporary Art of Poland“ mit autonomen Kunstaktivitäten, Vorträgen und einer Ausstellung ihrer Kunstwerke in Erscheinung trat.

Vorlesungen und Kreativworkshops an ausländischen Universitäten:
– 2023, Fachbereich Kunst und Design, Universität von Massachusetts Lowell, USA. Mitgestaltung der Kurse: „Art Concept, Interior Design, Type, Printmaking, Fabric Discovery Center, Adaptive devices, Painting II, Graphic Design, Critical Response Process“.
– 2022, Fachbereich Textil, Leder, Bekleidung und Schuhe, Çanakkale Onsekiz Mart Universität, Türkei, Vorlesung und Workshop unter dem Titel: „Grafische Geometrie in der Bekleidung“.
– 2018, Fachbereich Textil, Leder, Bekleidung und Schuhe, Çanakkale Onsekiz Mart Universität, Türkei, Vorlesung und Workshop unter dem Titel: „Der Prozess des Entwurfs und der Umsetzung eines Musters auf dem Stoff unter Verwendung traditioneller grafischer Techniken“.
– 2016, Collage of Fine Arts, Humanities & Social Sciences, Art Department University of Massachusetts Lowell, USA, Vortrag unter dem Titel: „Wie das Papier zur Kunst wird – Sea Grey collection“.
– 2015, Departamento de Ciência e Tecnologia Têxteis UBI Fashion and Textile Department University of Beira Interior, Portugal, Vortrag und Workshop unter dem Titel: ‚Structure for Design‘.
– 2014, Belarussische Nationale Universität Minsk, Belarus, Vortrag und Workshop unter dem Titel: „The properties of matter inspire in the designer’s work“.

– 2014, Çanakkale Onsekiz Mart University, Türkei, Vortrag und Workshop unter dem Titel: „Matter Painting as an area of artistic activity”.

– 2013, Apallachian State University, Boone NC, USA, Vortrag unter dem Titel: „Clothing for women as an element of cultural and aesthetic transformation in the development of the female silhouette“, Workshop unter dem Titel: „Fibrils in leather Setting”.

– 2012, Escuela Superior de Disenon de La Rioja, Logriono, Hiszpania, Vortrag und Workshop unter dem Titel: „Cultural Inspiration and its role in Fashion Design“.

Einzelausstellungen (Auswahl)

2006 – „Sztuka Kreacji / Kunst der Kreation“ (Kleidung und Grafik), BWA, Kalisz

2006 – Pokaz Teatr Mody KOMO (Aufführung des Modetheaters KOMO), Teatr im. W. Bogusławskiego (W. Bogusławski-Theater), Kalisz

2007 – „Siła Wyobraźni” / Vorstellungskraft”, Präsentation einer von der Künstlerin entworfenen Kollektion im Rahmen der Tage der Stadt Kalisz, Bogusławski-Platz, Kalisz

2008 – „Struktura i Materia Kreacji / Struktur und Materie der Kreation” (Kleidung und Grafik), Galeria Pryzmat (Galerie Prisma), Kraków

2009 – „Cienka Czerwona Linia / Dünne rote Linie” (Kleidung, Grafik und Modezeichnungen), Galeria Wieża Ciśnień (Galerie im Wasserturm), Kalisz

2009 – „Konfrontacje Linii Struktury i Formy / Konfrontationen der Linie Struktur und Form” (Kleidung und Grafik), Miejska Galeria Sztuki (Städtische Kunstgalerie), Łódź

2010 – „Fibryle w skórzanej oprawie / Fibrillen in Lederhülle” (Kleidung und Grafik), Galeria ODA, Piotrków Trybunalski

2010 – „Moda Łączy Pokolenia / Mode verbindet Generationen“, Präsentation einer von der Künstlerin entworfenen Kollektion, adressiert an drei Frauengenerationen, Plac Ratuszowy (Rathausplatz), Kalisz

2010 – „Fibryle w skórzanej oprawie / Fibrillen in Lederhülle”, Internationales Festival der Textilkunst, Muzeum Tkactwa Dolnośląskiego (Niederschlesisches Webkunstmuseum), Kamienna Góra

2010 – „Relacje / Relationen” (Kleidung und Grafik), Muzeum Historii Przemysłu (Museum der Industriegeschichte), Opatówek

2012 – „Fibrils”, Ausstellung und Präsentation der Kleidungskollektion, Galeria Kobro, Łódź

2013 – „Subtle but Strong”, Turchin Center Gallery, Boone, NC, USA

2013 – „Painting Matter” (Digitale Grafik, Kleidung), University Gallery in Canakkale Onsekiz Mart University, Türkei

2014 – Einzelausstellung „Cтруктурныя cутыкнення” /Crash der Struktur], Minsk, Belarus

2015 – „Motion”, Präsentation einer von der Künstlerin entworfenen Kollektion von Kleidungsunikaten,

Centrum Promocji Mody (Zentrum für Mode-Promotion), Akademie der Schönen Künste, Łódź

2016 – „Structure for Design”, Museu de Lanifícios da Universidade da Beira Interior, Covilhã, Portugal

2016 – „Grafische Adaptionen”, Centrum Wystawiennicze Stara Kotłownia (Ausstellungszentrum Altes Kesselhaus), Olsztyn

2016 – „Graphic Structure Related”, Mehmet Akif Üniversitesi Burdur, Türkei

2016 – „Sea Grey”, Galerie des Art Departements, UMass Lowell University, Boston, USA

2017 – „Ubiór – przedmiot (nie)codzienności / Kleidung – (nicht) alltägliches Ding”, Stacja Kultura-Biblioteka Główna (Kulturstation-Hauptbibliothek), Rumia

2017 – „Cтруктури створення” / Strukturen der Kreation“, (Grafik, Kleidung), Nationales Kunstmuseum A. Szeptycki, Lwiw, Ukraine

2017 – „Dialogi – ubiór i grafika / Dialoge – Kleidung und Grafik”, Galeria ODA, Piotrków Trybunalski

2018 – „Moda a Sztuka – wzajemne relacje / Mode und Kunst – gegenseitige Beziehungen”, Galeria Przytyk, Tarnowskie Góry

2018 – „Kостюм як символ еволюції / Kleidung als Symbol der Evolution“, Nationalmuseum für Ethnografie und Naturgeschichte, Kischinau, Moldawien

2019 – „Meandry / Mäander”, Museum für Geschichte und Naturgeschichte, Lwiw – Wynnyky, Ukraine

2020 – „Monika Izabela Kostrzewa – Tkanina i Ubiór 2020 / Textilien und Kleidung”, Nationales Kunstmuseum A. Szeptycki Lwiw, Ukraine

2021 – „(Nie)codzienności / (Nicht) Alltägliches”, Monika Izabela Kostrzewa, Galeria Sztuki Współczesnej (Galerie für zeitgenössische Kunst), Ostrów Wielkopolski

2021 – „(Nie)codzienności 2” / (Nicht) Alltägliches 2“, Monika Izabela Kostrzewa, Galeria Centrum Kultury i Sztuki (Galerie des Kultur- und Kunstzentrums), Kalisz

2022 – „(Nie)codzienności 3 / (Nicht) Alltägliches 3”, Monika Izabela Kostrzewa, Turhan Mildon, Kepez, Türkei

2022 – „(Nie)codzienne w codzienności / (Nicht) Alltägliches im Alltag”, Präsentation einer Werkgruppe der Künstlerin im Rahmen des internationalen Projekts „Od Kreacji do rzeczy 2022 / Von der Kreation zu den Dingen 2022“, Muzeum Historii Przemysłu (Museum der Industriegeschichte), Opatówek

2023 – „Obrazowość rzeczy / Bildhaftigkeit der Dinge”, Präsentation einer Werkgruppe der Künstlerin im Rahmen des internationalen Projekts „Od Kreacji do rzeczy 2023 / Von der Kreation zu den Dingen 2023“, Muzeum Historii Przemysłu (Museum der Industriegeschichte), Opatówek

2023 – „Art&Design”, Monika Izabela Kostrzewa, Mahoney Gallery, Lowell, USA

2024 – „Roots”, Einzelausstellung (Fashion Art, Textilkunst, Installationen), Galerie der School of Arts and Design – الصفحة الرسمية لكلية الفنون والتصميم, Amman, Jordanien

Arbeiten in den Sammlungen

des Museums der Industriegeschichte Opatówek

des Zentralen Textilmuseums Łódź

des Museu de Lanifícios da Universidade da Beira Interior

der University of Massachusetts Lowell Library, USA

der Library School of Arts and Design – الصفحة الرسمية لكلية الفنون والتصميم, Amman/Jordanien

der Mahoney Gallery, Lowell, USA

der Library Canakkale Onsekiz Mart University, Türkei

(Przetłumaczony przez Urszulę Usakowską-Wolff tekst do wystawy Moniki Izabeli Kostrzewy w Projektraum art.endart składa się z 13.259 znaków ze spacjami, czyli z 7,4 stron (1 strona DIN A4 to 1800 znaków ze spacjami, koszt przetłumaczenia jednej znormalizowanej strony to 50 EUR, łącznie 370 EUR)

Die einzige gute Lösung ist eine schnelle Abhilfe. Ein einfacher Ausweg, der uns nichts kostet. Die Pille, die alles heilen würde. Zum Glück gibt es in dieser schwarz-weißen Welt noch Künstler_innen. Diejenigen, die sich dem Malen und Gestalten der Welt widmen, in der sie leben oder lieber leben würden. Diejenigen, die Schönheit und Bedeutung hinzufügen. Diejenigen, die zum Nachdenken anregen oder Emotionen hervorrufen. Diejenigen, die echten Trost spenden. Neue Bedeutungen. Neue Lösungen. Eine Pille, die alles heilt. Für alle zum Einnehmen. Zweimal am Tag mit ein wenig Wasser.

Mit Karin Arink * Khaddouj Barghout * Vince Blok * VandeCamp&Heesterbeek * Tiny Domingos * Karen Foss * André Geertse * Dale Grant * Lucia Kempkes * Lisetteh * Franz Licht * Frauke van Lierop * Azar Pajuhandeh * Tanja Ritterbex * Erica Scheper * Izaak Slagt * Joran van Soest * Stinkhond alias Paul Brouwer * Witte Wartena * Anne Wölk * Esmee van Zeeventer & Wendy Hanlon

Kuratiert von Jacqueline Grubben
Organisiert von Debsaysyes und Stinkhond

Screen Memories – Inner Landscapes

05.06.2025 – 06.07.2025

Gruppenausstellung von Maria Arendt, Dragana Latinović und Tatjana Strugar

Dauer: bis 6. Juli. Geöffnet während der Kolonie Wedding Eröffnungen am Juni-Wochenende: am Freitag, den 27. Juni von 18:00 bis 22:00, am Samstag, den 28. Juni von 14:00 bis 18:00 und am Sonntag, den 29. Juni von 14:00 bis 20:00 und nach Vereinbarung.

Zeiten kultureller und politischer Unsicherheit führen oft zu einer Hinwendung nach innen. In Ermangelung kohärenter kollektiver Narrative greifen Künstler:innen auf persönliche Erinnerungen, emotionale Wahrnehmungen und visuelle Archetypen zurück, um Bedeutung zu konstruieren. Screen Memories – Inner Landscapes vereint drei Künstlerinnen slawischer Herkunft – Maria Arendt, Dragana Latinović und Tatjana Strugar -, deren Werke sich im Raum zwischen subjektiver Erinnerung und abstrakter Form entfalten. Inspiriert von Sigmund Freuds Idee der „Screen Memories“ – verfremdete Erinnerungen, hinter denen sich tiefere, oft schmerzhafte Erfahrungen verbergen – schaffen diese Künstlerinnen Werke, die emotional aufgeladene, traumartige Bilder einfangen. Ihre Kunst zeigt nicht nur die Vergangenheit, sondern auch, wie Erinnerungen erlebt und umgestaltet werden – jede Künstlerin hat ihren eigenen Stil. Die sinnlichen Werke von Maria Arendt betonen den Atem und die Ruhe. Dragana Latinović schafft zarte, poetische Räume, in denen Natur, Körper und Licht miteinander verwoben sind.

Weitere Informationen in der englischen Version der Seite.

Willkommen zu unserer Eröffnung am Freitag, 25. Juli 2025, 19 Uhr

Künstler:

Peter Hock (Berlin) und Mika Karhu (Finnland)

Ausstellung: 26.07.-23.08.2025

Öffnungszeiten: Mo-Sa 15-19 Uhr

GLITZER UND STAUB 2025
Jewgenija Tschuikowa — Künstlerin, die eine universelle bildnerische Metapher der
ästhetischen Prozesse der Gegenwart schafft.
Die neue kreative Serie der Künstlerin präzisiert und vertieft unser Wissen über das Leben von Dingen, Licht und Farbe in der Ära des Hypermodernen. Sie hilft uns bei der Suche nach den Grundlagen unseres eigenen Daseins und dem Kontakt mit der
schnell verlorenen Fähigkeit, unser sentimentales Modell in der Zeit der
Hyperbeschleunigung zu fühlen und zu erkennen.
Das Prinzip der Mise en abyme, die Einfügung in den Abgrund, mit dem Jan van
Eyck in seinem Gemälde «Das Arnolfini-Porträt» die ewige Prozessualität des
Malens erschafft, die sich selbst widerspiegelt, ebenso wie Velázquez in «Las
Meninas», wird von Tchuikowa auf eine bis heute nie dagewesene Weise aktualisiert:
atomisierte Farbe und Licht werden ewig zerstört, sobald sie die Oberfläche der Leinwand erreicht haben.
Glitzer auf Staub, Staub auf Glitzer geschichtet – zwei metaphorische symbolische
Einheiten errinern an die Eitelkeit und Geschwindigkeit der heuteigen Zeit.
Das Bild wird zu Staub und Asche, doch der Staub und die Asche sind für immer in
ihm erhalten, als Bezug auf das Prinzip Deus Conservat Omnia. „Die Seite und das
Feuer, das Korn und die Mühle, die Klinge der Axt und der abgeschnittene
Haarstrich“ — die Eindrückung der ontologischen Allumfassenheit, die Umwandlung
des atomisierten Seins in eine Nähe des Nichtseins tritt dem Betrachter vor Augen.
«Srienij» – grau in Altslawisch, «Srednij» – Russisch für «mittler»,«durchschnittlich» ist die Farbe der Durchschnittlichkeit, der Formlosigkeit, besitzt wie keine andere die Fähigkeit, das «Nichts» sichtbar zu machen.
Doch in der Metapoesie von Tschuikowa verwandelt sich das Nichts in Etwas, es
beginnt eine eigenständige Subjektivität zu besitzen — der scharfe Keil aus grauem
Staub dringt in die Glitzerpartikel ein, quasi-symmetrisch kollidieren Antimaterie und Materie, Gedanken an den bevorstehenden Urknall erweckend.

Anna Remez

Der Nagual der Bilder / Roto-translationale Fotografie

Ich widme mich seit 1987 der Fotografie und arbeite seit 1993 als Fotojournalist. Im Jahr 2000 war die Fotografie bereits zu meiner stärksten Ausdrucksform geworden, und ich suchte nach dem, was Don Simón als Nagual bezeichnete – den schützenden Tiergeist der Dinge. Ich übertrug dieses Konzept auf die Fotografie, indem ich die Kamera während langer Belichtungen rotieren ließ, als ob sie in einen Rauschzustand versetzt wäre – in einen Zustand veränderter Bewusstlosigkeit.

Ja, Bewusstlosigkeit – denn meine Kamera ist (noch) nicht bewusst, was sie zu einem Objekt ohne Urteile oder Vorurteile macht. Sie zeigt das Aufgezeichnete genau so, wie es ist: die nackte Realität, ohne Fälschungen oder Tricks, in brutaler, expliziter Klarheit – mit jener Brutalität, die eine filterlose Beobachtung kennzeichnet.

Mersud Selman bringt Schattenspiel emotionaler Tiefen und strahlende Farbenfreude eindrucksvoll auf die Leinwand. Seine Arbeiten wurden bereits in Österreich, Tschechien, Italien, Ungarn und der Schweiz ausgestellt. Der Künstler aus Bihać sucht das Rampenlicht, wie im Selbstporträt „Wirf Licht auf mich“, auch um andere queere Rom*nja zum offenen Leben ihrer Identität anzuregen. „Fuck you“ steht auf der bunten Hose eines der Porträts, die stolz die Betrachtenden herausfordern – einige davon aus dem Online-Projekt „Don’t Spit in my Face“. Vor Abgründen schreckt Selman dabei nicht zurück: Blutrot und tiefschwarz, in grober, aber feinfühliger Pinselführung sprechen seine Figuren von Schmerz, Glaube, Verlust und Geborgenheit. Tiefe Selbstliebe spiegelt sich in allen Bildern wieder – und könnte zum Pride Month nicht besser ins Prima Center Berlin passen.

Mersud Selman: Shadow & Shine
25.07.-22.08.2025
Preview im Rahmen des Projektwochenendes von Kolonie Wedding: 25.07. ab 19:00
Vernissage: 31.07. ab 18:00
Finissage: 22.08. ab 19:00

Homepage des Künstlers: mersudselman.com

Daniel Scheffel (*1977) lebt in Frankfurt am Main. Er arbeitet hauptsächlich im Medium Malerei. Seine künstlerische Arbeit wurde durch verschiedene Stipendien gefördert (z.B. Hessische  Kulturstiftung, Goethe Institut, Europäische Union, aktuell Residency Grant der Stiftung Herpel). Er ist Dozent an der Frankfurter Malakademie.

„Muster entwirren “ ist ein Projekt der Mihkel Muskar Galerie, das vom 7. August bis zum 10. November 2025 im Rahmen ihrer Residenz in der BAS CS Gallery und im Rahmen von Kolonie Wedding stattfindet.
Am Projekt nehmen folgende Künstler:innen teil:
Alina Pak
Galya Lutzky
blaxx443
Olga Survillo
Elya May Myau
Marina Koldobskaya
Cornelia Gross
Neben einer Ausstellungsreihe umfasst das Projekt auch künstlerische Veranstaltungen und öffentliche Diskursformate.
Zum Projekt:
Wir sind in Mustern gefangen.
Wir leben in wiederkehrenden Strukturen – sozialen, kulturellen, persönlichen. Wir drehen uns im Kreis und folgen vertrauten Wegen. Wir erkennen uns in alten Erzählungen wieder; selbst neue Formen verweisen oft auf längst vertraute Archetypen. Wir spinnen Netze von Identität, in denen wir uns verfangen, und reproduzieren Matrizen der Vergangenheit – selbst dann, wenn wir uns nach etwas Neuem sehnen. Wir fürchten den Schritt aus dem Vertrauten: Ungewöhnliche Architektur macht uns unruhig, neue Kunst löst Verwirrung aus. Wir verlangen nach Veränderung, doch klammern uns an das, was wir kennen – auch wenn es längst nicht mehr funktioniert.
Die Künstler*innen im Projekt Muster entwirren – aus verschiedenen Generationen und kulturellen Kontexten – setzen sich auf ihre Weise mit diesen Strukturen auseinander. Ihre visuellen Aussagen sind Versuche, nicht nur die Linien zu erkennen, entlang derer sich unser Denken und unsere Wahrnehmung bewegen, sondern sie neu zu zeichnen. Ihre künstlerischen Gesten sind nicht nur ästhetische Erfahrungen, sondern auch Einladungen, unser Leben, unser Fühlen und unsere Beziehungen zur Welt neu zu denken.
Vielleicht müssen wir den Ausgang aus dem Labyrinth gar nicht suchen – sondern die Art und Weise verändern, wie wir uns darin bewegen. Und wenn Kunst einen Weg zeigen kann – vielleicht ist es dieser?
Upsates, Ausstellungs- und Veranstaltungskalender auf der Website: www.muskar.art
E-Mail: gallery@muskar.art

Mihkel Muskar in Residenz bei der BAS CS Gallery im Rahmen von Kolonie Wedding
7. August – 10. November 2025
Mihkel Muskar ist Kurator, Sammler und Kulturmanager mit den Schwerpunkten zeitgenössische Kunst und interkultureller Dialog. Sein besonderes Interesse gilt Themen wie Identität, Erinnerungskultur und Diversität. Seit 2018 lebt er in Berlin. Er gründete die Mihkel Muskar Galerie, die 2023 und 2024 zwei Ausstellungs- und interdisziplinäre Performance-Programme in temporären Räumen realisierte. Diese Programme präsentierten aufstrebende und etablierte Künstlerinnen und Künstler aus Berlin, anderen Regionen Deutschlands und mehreren europäischen Ländern.
Zuvor koordinierte er internationale Kulturinitiativen in Zusammenarbeit mit NGOs, kuratierte Sondervorführungen in einem unabhängigen Programmkino und war als Moderator in der nicht-formalen politischen Bildung tätig. Er hat Abschlüsse in Geschichte und Psychologie und studierte Sozialphilosophie und Kulturwissenschaften im Rahmen akademischer Programme in Russland, Deutschland und den USA. Seine kuratorische Praxis wird begleitet von kreativen Experimenten in den Bereichen Schreiben, Fotografie und Film.
www.muskar.art
email: mihkel@muskar.art

WITNESS X
29. August – 7. September 2025

Eröffnung am Freitag, 29. August 2025 um 20 Uhr
Finissage am Sonntag, 7. September 2025 ab 16 Uhr
Geöffnet Fr, Sa, So jeweils von 15 bis 19 Uhr und auf Anfrage

mit Bae Yun Jae, Mik Nim, Park So Yeon, Park Subeen, kuratiert von Yong Hae Sook, präsentiert von Pink Factory

Wie unvollständig ist die eigene Perspektive? Wie fremdbestimmt sehen wir? Und sind wir mehr als Schnittpunkte von Eigenem und Fremdem?

Vier junge südkoreanische Künstlerinnen nähern sich dem subjektiven Blick des „Ich als Zeugen“, schreiben ihn um und umschreiben ihn, auf der Suche nach Spuren des Anderen. Vier zeitgenössische Positionen aus Korea – präsentiert vom KünstlerInnenkollektiv Pink Factory und realisiert im Berliner Wedding.

Pink Factory ist ein selbstorganisierter Kunstort für unkonventionelle künstlerische Positionen, die sich mit Landschaft, Natur und den Bedingungen künstlerischer Arbeit auseinandersetzen. Er befindet sich im ländlichen Gebiet vor den Toren der Hauptstadt Seoul. Die Ausstellung ist bereits die zweite Zusammenarbeit zwischen Kulturpalast Wedding und Pink Factory.

Mehr dazu unter: https://pink-factory.tumblr.com/

Alina Pak
out of context

Was, wenn man aus Kindheit vertraute Bilder in andere Dimensionen stellt? Alina Pak, die sich überall als Fremde und immer als Migrantin fühlt, schafft Porträts von Symbolen der Kulturen, mit denen sie in Berührung kommt, indem sie sie aus dem eigentlichen kulturellen Kontext herausnimmt. Auf ihren Bildern schweben aus der Kindheit vertraute Objekte – Fenster, Stühle, Denkmäler, Logos – in semantischer Schwerelosigkeit, in Leere. Die gewohnte Ordnung der Bedeutungen wird aufgebrochen, die Objekte können auch abstrakt-rätselhaft wahrgenommen werden, wie Raumschiffe von Außerirdischen.
Alina Pak wurde in eine koreanische Familie in Samarkand, Usbekistan, geboren, wuchs in Moskau in der kulturellen Umgebung der postsowjetischen Epoche auf und landete in Berlin. Sie befindet sich ständig in einer Umgebung, die ihrer eigenen Identität fremd ist. Ihre Kunst entsteht genau aus dieser Spannung, aus der Diskrepanz zwischen persönlicher Erfahrung und kollektiven Mustern der Kultur.
Die Künstlerin gibt uns mit ihren Arbeiten die Chance, selbst in einer anderen Dimension zu sein, die Erfahrung der Befreiung von Abhängigkeit von Wahrnehmungsmustern zu erleben, die von Spinnweben bedeckten Winkel unseres Gedächtnisses zu erinnern, das Gesehene mit unserem eigenen Kontext zu ergänzen und in dem Bild unsere persönliche Realität zu schaffen.

Die Ausstellung führt das Projekt „Muster entwirren / Untangling Patterns“ von Mihkel Muskar Galerie fort, das in Residenz bei der BAS CS Gallery im Rahmen von Kolonie Wedding stattfindet.

Alina Pak
out of context
Fr. 29.08: Vernissage 18:00 – 21:30
30.–31.08. und 4.–5.09.: 15:00 – 19:00 und nach Vereinbarung
Sa. 6.09: Finissage 17:00 – 21:00. Kuratorenführung 17:30 (auf Englisch)

www.muskar.art
E-Mail: gallery@muskar.art

COMMON GROUND 2.0

Origin as Encounter. Identity through Exchange.

The exhibition Common Ground approaches origin not as a fixed point of departure, but as a form of relationship – a dynamic field that constantly shifts through dialogue with others, with experiences, and with diverse perspectives. Identity is not asserted here – it emerges: through exchange, through friction, through togetherness.
The participating artists bring with them different backgrounds and narratives. What unites them is a shared willingness to view origin not as a boundary, but as an invitation – a starting point for collective reflection on belonging, memory, and connection.
Their works reveal how identity takes shape through the gaze of others, through cultural intersections, and through shared stories. The common ground this exhibition opens up is not uniform – but rather a multilayered space in which differences become generative, proximity arises, and new connections come into view.

OPENING:

FRIDAY, AUGUST 29, 2025, FROM 7 TO AT LEAST 10 PM

FINISSAGE:

THURSDAY, SEPTEMBER 18, 2025, FROM 7 TO AT LEAST 10 PM

OPENING HOURS:
THURSDAY TO SUNDAY, 5–8 PM

Alexandru Budeș, Jacopo Dal Bello, Mircea, Gabriel Ciutu ,Blanka Győri, Diana Elena Păun, Ines Spanier, Lisa Marie Schmitt, Olga Moș, Julia Werhahn, Gabriela Monica Tîrziu

Unsere Duo-Ausstellung trägt den Titel Ausgang – Exit. Eine Alltagsdefinition des Wortes ist „ein Akt des Verlassens eines Ortes“ oder „ein Weg aus einem Gebäude“. So gibt es zum Beispiel überall in U-Bahn-Stationen „Ausgang“-Schilder, und Schilder, die auf Notausgänge hinweisen, können im Falle eines Brandes Leben retten. Das Wort Ausgang hat auch eine tiefere philosophische Bedeutung. „Exitus“ kommt aus dem Lateinischen und bedeutet Ausgang, Abschluss, Ende oder Tod. Unser letzter Ausgang ist der Übergang von einem Zustand zum anderen, vom Leben zum Tod. Die Nazis benutzten den Begriff mit grausamer Ironie und nannten das Eingangstor des Konzentrationslagers Sachsenhausen „Eingang A“ und das Ausgangstor „Ausgang Z“. Auch in den langwierigen Kriegen in der Ukraine und im Gazastreifen wird verzweifelt nach einem Ausweg, einem Ausgang, gesucht.
Die Besucher:innen unserer Ausstellung können vor Alexander Horns kleinformatigen Gemälden in Acryltusche auf MDF und Ilkka Sariolas großformatigen, expressiven Kohlezeichnungen mit der Metapher „Ausgang“ als Ausgangspunkt über Sackgassen und wie man aus ihnen wieder heraus-kommt reflektieren.

Alexander Horn lebt und arbeitet in Mannheim und Ludwigshafen, Ilkka Sariola in Helsinki. Wir sind uns 2017 zum ersten Mal begegnet, als wir beide an der Gruppenausstellung Nachstein im Pro-jektraum Toolbox in Berlin teilgenommen haben. Sofort hatten wir das Gefühl eines besonderen und tiefen Verständnisses füreinander und für die Kunst des anderen. Dies ist unsere dritte Duo-Ausstellung in Deutschland.

Galerie/Projektraum TOOLBOX
Koloniestraße 120
13359 Berlin-Wedding
U-Bahn Osloer Straße

An Feiertagen ist die Toolbox geschlossen
On Bank holidays Toolbox is closed

Ilkka Sariola, rom series Requiemm Hind & Shani, 230 x 150 cm, charcoal on paper, 2023-2025

Alexander Horn, aus der Serie Only the Rocks Remain

Die Fotoserie „The Next Generation“ beleuchtet die gesellschaftlichen Spannungen eines Landes, das von Korruption und Autoritarismus geprägt ist. Diese zeigen sich nicht nur im vernachlässigten öffentlichen Raum, sondern durchziehen Wirtschaft, Verwaltung und Politik. Das einschneidenste Ereignis war der Einsturz des Daches des Bahnhofs von Novi Sad am 1. November 2024 mit 16 Todesopfern – ein Symbol für den maroden Zustand öffentlicher Infrastruktur und zugleich Auslöser für die Studentenproteste in Serbien.

Im Mittelpunkt des Konzeptes stehen die jungen Menschen, die trotz Drohgebärden durch die Regierung den Mut aufbringen, für eine bessere Zukunft einzutreten. Sie werden offiziell als Terroristen diffamiert, sind jedoch die junge Generation, die sich für Menschenrechte, Gerechtigkeit und Demokratie einsetzt.

Die Fotografien von Nicole Bernard kontrastieren das Engagement der Studierenden mit den sichtbaren Folgen der gesellschaftlichen Schieflage: dem Verfall von Städten und Infrastrukturen einerseits und den prunkvollen Bauprojekten der Oberschicht andererseits, die eng mit den politischen Eliten verflochten ist. Die fotografische Sprache ist stark, nah und unmittelbar und ohne jede Ablenkung.

Auf Darstellungen von gewalttätigen Auseinandersetzungen wird bewusst verzichtet, um nicht das von der Regierung geprägte Bild von Studierenden als Randalierer*innen zu reproduzieren. Stattdessen rücken Porträts der Studierenden in den Vordergrund. Sie zeigen, dass es sich um Menschen handelt, die mit Entschlossenheit und Hoffnung für eine andere Zukunft eintreten. So zeigt „The Next Generation“ nicht nur die Brüche einer Gegenwart, sondern auch den Willen einer jungen Generation, ihr Land neu zu gestalten.

Die Faszination, die Macht und Gewalt auf Menschen ausüben, ambivalente Einstellung zu den Angst erzeugenden und Tod bringenden, aber auch ein Gefühl von Sicherheit vermittelnden Objekten wie Waffen und  Machtsymbole so wie das Konstruieren von Szenarien der Hoffnung und Erlösung als Antwort auf die Bedrohung, die die Zivilisation in sich birgt, sind hier Gegenstand künstlerischer Untersuchungen.

Cornelia Groß sammelt in ihrem ostberliner Haus materielle, bildhafte und textuelle Bruchstücke einer nahen Vergangenheit – Zeugnisse ihrer eigenen Geschichte und der anderer – und fügt sie zu unkonventionellen Kunstobjekten und Bildkompositionen zusammen. Indem sie diese Fragmente aus ihrem ursprünglichen Bedeutungskontext löst, spürt sie dem Potential im Zusammenspiel der Formen nach und bringt es in Resonanz mit dem Echo ihrer Eindrücke.
Untergegangenes taucht wieder auf, Unbewusstes wird sichtbar, fühlbar, und Rätselhaftes erscheint. Ihre Arbeiten öffnen Räume, in denen sich die verborgenen Muster von Erinnerung leise zeigen und neu gefühlt werden können – Stories recycled.

Die Ausstellung führt das Projekt „Muster entwirren / Untangling Patterns“ von Mihkel Muskar Galerie fort, das in Residenz bei der BAS CS Gallery im Rahmen von Kolonie Wedding stattfindet.

Cornelia Groß
Stories Recycled
10–16.09: 15:00 – 19:00 und nach Vereinbarung
Vernissage 10.09 ab 18:00 Uhr

www.muskar.art
E-Mail: gallery@muskar.art

Sławomir Brzoska

neue Objekte und Installationen

+++  the exhibition time is extended until 9th of november   +++

AGGRGTS by Blasto @blasto.landscape

Gruppenausstellung mit Arbeiten von Aehee Lee, Vasilisa Boykova, Mai Wada, Dima Miroshnichenko, Katerina Belkina, Mariella Ridda und Karina Juriewna. Kuratiert von Stefan Höppe.

Eröffnung: Freitag, 26. September, ab 19:00
Öffnungszeiten: Do–So 18:00–21:00
Finissage + Party: Samstag, 25. Oktober, 18:00–22:00
prima-center-berlin.de

Die auf die Zukunft gerichteten Visionen der Science Fiction inspirieren zahlreiche Künstler*innen, die sich dem Traum zuwenden, sich auch auf die ferne Welt des Kosmos zu beziehen. Analogien zwischen dem inneren und dem äußeren Unbekannten, der seelischen und der kosmischen Weite scheint naheliegend und verführerisch.

Da wäre zunächst die Schwerelosigkeit, die die raumzeitliche Orientierung unter den Bedingungen der Schwerkraft aufhebt und im Geträumten als Ortlosigkeit des Individuums wiederkehrt. Die entgrenzende Wirkkraft des Traums verweist bereits aus sich heraus auf die Allheit des Kosmos. Ältere Kulturen, die den Traum nicht psychologisch, sondern als überindividuelle, kosmische Spur verstanden, lasen aus ihm Schicksal und Zukunft – in gleicher Weise wie aus den Sternen.

Expeditionen ins Unbewusste und in den Weltraum haben gemeinsam, dass beides Reisen in die Tiefe und in unbekannte Welten sind. Der orbitale Blickwinkel, den wir dank Mondlandung, Satelliten und Raumsonden heutzutage einnehmen können, erfolgt ähnlich äußerlich und von oben wie der Blick des Träumenden auf das Geträumte.

Nicht zuletzt waren es Kunstrichtungen wie der Symbolismus und der Surrealismus, die immer wieder Verbindungen zwischen dem Traum und dem Weltall hergestellt haben – ersterer aufgrund seiner metaphysischen oder okkulten Unterfütterung, letzterer aufgrund seiner entgrenzenden, am Traumprozess entwickelten Ästhetik. Die moderne Physik hat uns gelehrt, dass aus anderer Perspektive alles auch ganz anders sein könnte. Ähnliches lehrt der Traum.

Text: Stefan Höppe

Im Rahmen der Ausstellungsreihe Zeitgenössische Kunst aus Finnland präsentiert die Galerie Wolf & Galentz den Künstler Jukka Korkeila, einen der bedeutendsten zeitge­nössischen Maler:innen Finnlands. Seine Werke wurden in zahlreichen Museen und Galerien auf der ganzen Welt ausgestellt, unter anderem vertrat er sein Heimatland auf der Kunstbiennale von São Paulo, ihm war eine Einzelausstellung des Moderna Museet in Stockholm gewidmet und das HAM Helsinki Art Museum präsentierte eine umfangreiche Retrospektive seiner Werke.

Wir freuen uns sehr über die Gelegenheit, Jukka Korkeilas Werk in unserer Galerie zeigen zu können. Korkeila ist ein fantastischer Maler, der über die Zweidimensionalität des Bildes hinaus auch noch durch seinen souveränen Umgang mit Dreidimensionalität auffällt, oft gestaltet er komplexe ­installative Raumarrangements, in die seine Malerei integriert ist.

Seine Bilder bewegen sich zwischen Figuration und Abstraktion, im Gestus sind sie expressiv und oft in starken Farben gemalt. Die Sujets seiner Werke sind, mindestens vordergründig, korpulente Männerkörper, auch mit Geschlechtsteilen dargestellt. „Vordergründig“ deshalb, weil es ihm gelingt, äußerst vielschichtige Bilder zu malen, die sich nicht unmittelbar und nie ganz erschließen; sie bleiben offen und sind weit entfernt von einer „Message“. Korkeila ist bekennender ­Schwuler und gläubiger Christ in der Ost­kirche – in seinen Werken geht es immer gleichzeitig um Körperlichkeit und um Spiritualität, es geht auch um Diskriminierung und Scham, um Herrschaft, Gewalt und Ausgrenzung, um Trauer, um Gefühle, die Seele, um Hoffnung und Licht. Dass es ihm gelingt, diese divergenten Elemente gleichzeitig anklingen zu lassen, liegt gewiss an seinem malerischen Können und sicherlich nicht zuletzt an der feinen Ironie, die sein Werk durchzieht.

Er schafft das Überraschende: (Selbst-)Ironie in Würde. Was dabei herauskommt ist eine zutiefst menschliche Kunst, eine Kunst, die sich mit dem Menschsein schlechthin beschäftigt.

Katalogpräsentation: So 28.09., 15 Uhr

Ausstellung: 5.9.–26.10.2025

Öffnungszeiten

Elya May Myau
Zäsuren

Zäsuren. Konventionelle Fundamente, die unerschütterlich schienen, verlieren plötzlich ihre Kraft, und die Menschen befinden sich in einem Zustand innerer Unruhe. Das Offensichtliche wird mehrdeutig, vertraute Muster brechen zusammen, und persönliche Geschichten verursachen Zweifel und Ängste.
Elya May Myau greift auf persönliche Erfahrungen zurück, darunter auch ihre frühesten Erinnerungen, beschränkt sich jedoch nicht auf Autobiografisches. Unter Bezugnahme auf erkennbare Motive aus dem kollektiven Gedächtnis verwandelt die Künstlerin ihre eigenen Erzählungen in Bilder, die über das Individuum hinaus Resonanz finden. In ihren Werken erhalten jedoch selbst diese erkennbaren Muster eine neue Bedeutung und erscheinen in einer anderen Perspektive. So verlieren traditionelle kulturelle Konstrukte ihre Stabilität als Symbole und offenbaren ihre Verletzlichkeit.
In ihren Werken fängt Elya May Myau dramatische Zustände in dem Moment ein, in dem das Weltbild zu zerfallen beginnt und den Menschen mit Unsicherheit zurücklässt. Diese Unbeständigkeit ist voller Spannung: Sie bietet keinen Trost, aber sie enthält die Wahrheit der Erfahrung, die die Künstlerin sichtbar und teilbar macht.

Die Ausstellung führt das Projekt „Muster entwirren / Untangling Patterns“ von Mihkel Muskar Galerie fort, das in Residenz bei der BAS CS Gallery im Rahmen von Kolonie Wedding stattfindet.

Elya May Myau
Zäsuren
9.-12. Oktober: 16:00—21:00 Uhr
und nach Vereinbarung

www.muskar.art
E-Mail: gallery@muskar.art

Vernissage: Freitag, 26. September 2025
19 Uhr: Ausstellungsgespräch (Videoinstallation ab 18 Uhr zu sehen)
20 Uhr: Eröffnungsfeier

Art Laboratory Berlin lädt herzlich ein, die in Los Angeles lebende Künstlerin Rachel Mayeri und ihr neuestes Werk R/P FLIP R.I.P. kennenzulernen, das mit dieser Einzelausstellung die Europapremiere feiert. Kommt zur Ausstellungseröffnung am Freitag, den 26. September 2025. Am selben Abend findet davor ein öffentliches AUSSTELLUNGSGESPRÄCH (vor Ort, 19 Uhr) mit der Künstlerin und Kognitionswissenschaftlerin Deborah Forster über ihre Zusammenarbeit an diesem neuen Werk statt. Am 7. Oktober findet ein COLLOQUIUM (online) mit der Künstlerin und dem Anthropologen Stefan Helmreich statt.

R/P FLIP R.I.P. (2024, 11:31 Min.) ist eine experimentelle neue Videoarbeit von Rachel Mayeri über das R/P FLIP, kurz für Research Platform FLoating Instrument Platform (1962-2023), eine weltberühmte nautische Rarität, die sich um 90 Grad dreht und so zu einer bewohnbaren Boje für die Erforschung des Ozeans wird. Das FLIP wurde für Stabilität konzipiert, um die Akustik in einem turbulenten Ozean zu untersuchen, doch ironischerweise ist sein Inneres fließend und sowohl für das Leben in horizontaler als auch in vertikaler Ausrichtung gebaut. In der Kunstinstallation aktivieren Performer*innen die Architektur des FLIP als Spielplatz der Desorientierung: Böden werden zu Wänden und Türen zu Löchern. Erweitert durch Militär- und Ozeanografie-Filme wird der FLIP-Film zu einer Plattform für konzeptionelle Umkehrungen: Landratten begegnen sozusagen der fremden Welt des Ozeans und dem Wandel der Ozeanografie – vom Militarismus bis hin zur Ökologie. R/P FLIP R.I P. wurde im Auftrag der von Getty gesponserten Ausstellung PST Art: Art & Science Collide in Südkalifornien von der Künstlerin Rachel Mayeri geschaffen und wird derzeit als dreikanalige Videoinstallation im Birch Aquarium am Scripps Institute of Oceanography in San Diego, Kalifornien, präsentiert.

Zwischen den 1960er und 1980er Jahren vollzog die Mission von FLIP einen dramatischen Wandel von der militärischen Aufklärung zur Umweltkrise. FLIP begann als Plattform zur Unterstützung der Echolokalisierung von U-Booten, wurde aber in den 1990er Jahren zu einem Instrument zum Verständnis der Erfahrungen von Walen in einem durch menschliche Einflüsse bedrohten Ozean. Das einzigartige Innere ist ein Raum, wie ihn sich M.C. Escher vorstellen könnte – entworfen für das Leben in horizontaler und vertikaler Ausrichtung, mit rechtwinklig angeordneten Waschbecken, einem schwenkbaren Herd und verwirrenden Türen, Leitern und Durchgängen. Nach seiner Ankunft in Point Loma, Kalifornien, wurde das FLIP 2020 außer Dienst gestellt und sollte 2023 zur Verschrottung abgeschleppt werden.

Das Faszinierende an FLIP ist, dass das Schiff mit Menschen an Bord zu kentern scheint. Um dieses Spektakel nachzustellen, ließ Rachel Mayeri Schauspieler:innen auf dem FLIP spielen, als würde das Schiff kentern – ohne jemals den Hafen zu verlassen. Durch den einfachen Trick, den Rahmen zu drehen, scheinen die Schauspieler:innen in Richtung der Wände zu schweben, während sich der Raum oder das Schiff neigt. Diese Szenen aktivieren die verwirrende Architektur des Schiffes. Sie spiegeln auch die mentalen Verrenkungen wider, die wir durchlaufen, um uns auf die katastrophalen Ereignisse vorzubereiten. Die Erzählung ist motiviert durch die tatsächlichen Abläufe der Besatzung und der Wissenschaftler:innen, die gemeinsam das FLIP für eine Forschungsreise ausrüsten, wissenschaftliche Instrumente laden und sichern und ihre Bewegungen aufeinander und auf die Logik des Schiffes abstimmen.

Mehr Informationen: https://rachelmayeri.com/flip/
und https://artlaboratory-berlin.org/de/ausstellungen/capsize-chronicles/ 

Rachel Mayeri ist eine in Los Angeles lebende Künstlerin, die an der Schnittstelle von Wissenschaft und Kunst arbeitet. Ihre Videos, Installationen und Schreibprojekte beschäftigen sich mit Themen, die von der Geschichte der Spezialeffekte bis zum Menschen als Tier reichen. Im Rahmen von Getty’s PST Art: Art & Science Collide schuf sie eine neue dreikanalige Videoinstallation R/P FLIP R.I.P. im Birch Aquarium am Scripps Institute of Oceanography über ein Forschungsschiff aus dem Kalten Krieg, das um 90 Grad gedreht werden konnte. Im Jahr 2006 begann sie eine mehrjährige Untersuchung des Kontinuums zwischen Mensch und Tier namens Primate Cinema, oft in Zusammenarbeit mit der Kognitionswissenschaftlerin und Roboteranthropologin Deborah Forster. Die Serie gipfelte in einer bedeutenden Auszeichnung des Wellcome Trust. Im Auftrag von Arts Catalyst schuf sie einen Film speziell für Schimpansen – Apes as Family, der anschließend auf dem Sundance Film Festival, der Berlinale, der Ars Electronica, bei Art Laboratory Berlin und auf dem Microwave Media Art Festival in Hongkong gezeigt wurde. Orfeo Nel Canale Alimentare, eine animierte Oper über den Verdauungstrakt, wurde von Imagine Science Films in Auftrag gegeben und im REDCAT Theater in der Innenstadt von Los Angeles aufgeführt. The Life Cycle of Toxoplasma Gondii ist eine Installation mit 29 Bildschirmen über die memetische Verbreitung von Katzenvideos, die in der Pitzer College Art Gallery und beim Zombie Apocalypse Medicine Meeting gezeigt wurde. Als Gastkuratorin des Museum of Jurassic Technology produzierte sie die permanente kinetische Ausstellung über Wunder und Katastrophen im Theater der Renaissance und des Barock. Als Pionierin der Kunstwissenschaft werden ihre Projekte in Büchern wie „Integrative Contemporary Art and Science Practices“ (Talasek, Hrsg. 2025), „The Art-Science Symbiosis“ (Velasco und Nieto, Hrsg. 2024) und „The Routledge Companion to Biology in Art and Architecture“ (Terranova, Hrsg., 2017) vorgestellt. Als Professorin am Harvey Mudd College unterrichtet sie Kurse wie „Animal Media Studies“, „Nonhuman Media Art“ und „Art & Biology“.

INTRO:

Rastlose Wege

The Spirit of Tape

Krzysztof Leon Dziemaszkiewicz ist stets unterwegs, um sich dem Geheimnis des Daseins zu nähern und mittels Kunst die große und die kleine Welt, das Ich und das Es zu ergründen. Dass er dabei in Bildern denkt, schlägt sich in seinen Performances nieder. Nach und nach eröffneten sie ihm eine neue Perspektive mit Augenmerk auf die Malerei, sodass er 2016 begann, raumgreifende Gemälde in Form von Tape Art, der Kunst des Klebens, zu fertigen. Sie sind das Ergebnis einer Evolution, die von seinem mit Klebeband umwickelten Körper ausging und seit einem Jahrzehnt auf seinen Bildern fortgeführt wird. Ihre Auswahl ist ab dem 27. März 2026 in der Ausstellung „Rastlose Wege“ im Projektraum art.endart zu sehen.

Angeregt von der Kunstgeschichte, vom Kosmos, Mythos und Logos schafft Krzysztof Leon Dziemaszkiewicz ein genreübergreifendes visuelles Universum, in dem die Grenzen zwischen dem Profanen und Sakralen, dem Realen und Imaginären, der Performance und Malerei zerfließen. Was auf der Suche nach dem „verlorenen Paradies“, wie eines seiner großformatigen Gemälde heißt, immer konstant bleibt, sind die paradiesischen Landschaften, an denen es sowohl in unserem Innern als auch um uns herum nicht mangelt. Die Bilder von Krzysztof Leon Dziemaszkiewicz motivieren dazu, sie wahrzunehmen, das kreative Potenzial zu entfalten und es mit anderen zu teilen. Und siehe da: Aha! Das geht ganz gut, besonders auf rastlosen Wegen.

Text © Urszula Usakowska-Wolff

VITA:

Krzysztof „Leon“ Dziemaszkiewicz (Leon ist nur mein Künstlername), geboren 1963 in Polen, lebt und arbeitet in Berlin als Performance- und bildender Künstler und verwendet Klebeband und Körper als Grundmaterial (und verwendet sehr oft Recyclingmaterialien).

Anfang der 90er Jahre begann er seine Karriere als Tänzer und Choreograf am physischen Theater Ekspresji in Danzig, Polen. 1995 gründete er seine eigene Kompanie „Read my lips theatre“. Seit 1998 lebt und arbeitet er in Berlin und Danzig. Seine Kunst wurde in den USA, Frankreich, Deutschland, der Türkei, Brasilien, Kanada, Italien und vielen anderen Ländern präsentiert.

Ziel der transgenen und transsexuellen Arbeit von Dziemaszkiewicz ist es, die Gegensätze zu vereinen und Fragen nach den Grenzen zwischen Animalismus und Menschlichkeit zu stellen.

Seine Kunst zielt auf Gefühle, Instinkte und Emotionen ab. Ehrlichkeit ist dabei das Wichtigste. Die häufig verwendete Nacktheit ist Ausdruck von Glück, Natürlichkeit und Spontaneität.

Kunst ist für Dziemaszkiewicz Leben und kann überall entstehen. Grenzenlosigkeit und Kompromisslosigkeit gegenüber gesellschaftlichen Zwängen und Beschränkungen schaffen die einzige und unwiederholbare Sprache künstlerischen Schaffens. Der Künstler ist derjenige, den er im Namen der Freiheit jedes einzelnen Menschen erschaffen will.

Von 2014 bis 2022 lebte und arbeitete er in Berlin mit dem legendären französischen Designer Manfred Thierry Mugler zusammen. Bis zu dessen Tod am 23. Januar 2022 in Paris. Seitdem widmet sich Dziemaszkiewicz intensiv der Arbeit an großformatigen Filmaufnahmen (teilweise 9 x 3 m, 3 x 4 m) und Objekten und bereitet neue Performances vor, die größtenteils seiner Liebe gewidmet sind.

Eduard Kiesmann, Simon Modersohn, Niko Princen

Juha Sääski & Henrik Jacob
Galerie/Projektraum TOOLBOX
28.3.-19.4. 2026
Vernissage: Fr. 27.3. 2026, 7 pm

Geöffnet am Kolonie-Wedding Wochenende: Samstag: 28.3. 2–5 pm. Sonntag: 29.3. 2–5 pm

Öffnungszeitens: DiFr: 14–18 Uhr

Ende März zeigen der finnische Künstler Juha Sääski und der Berliner Künstler Henrik Jacob zwei Arbeiten, die sich gegenseitig bezugnehmend ergänzen und den Galerieraum grundlegend verändern.

Straßenansichten – Stillleben der Straße

Juha Sääski zeigt Ölgemälde, die die Schlafplätze von Obdachlosen im Tageslicht und in verschiedenen Städten zum Motiv haben. Er nähert sich dem Thema, indem er Schlafutensilien wie Matratzen, Decken, Zelte und Kleidung ohne die dazugehörige Person abbildet. Die einzelnen Elemente kombiniert er mit Street-Art- Motiven. Zuweilen sind die Eigentümer der vorgefundenen Habseligkeiten als zarte Linie vor einer Matratze oder an einer Wand hinter einem Zelt angedeutet und so in die Street-Art-Szenerie eingebunden.
Im Kontrast zu ihrer grauen und schmutzigen Umgebung sind die Decken, Zelte und Matratzen oft in farbenfrohen, leuchtenden Tönen gemalt. Dieser Widerspruch verstärkt den traurigen Unterton der Bilder und der menschlichen Tragödien dahinter. Die Arbeiten könnten als Straßenansichten – Stillleben – oder Stilleben der Straße beschrieben werden. Sie vermitteln zugleich ein Mitgefühl für das harte Leben am Rand der Gesellschaft.

Berlin Wall – eine andere Berliner Mauer

Auch Henrik Jacob widmet sich in seiner Arbeit „Berlin Wall“ eher einem Nebenschauplatz – einem Ort, der nicht im Zentrum des gesellschaftlichen Lebens steht und dennoch viel über dieses aussagt – dem sogenannten „stillen Ort“. Bezugnehmend auf die Fliesen des Fußbodens der Toolbox Galerie verlängert er diese in den Raum hinein und über die Wände. Dabei benutzt er den Werkstoff Knete um Schritt für Schritt die Toilettenwand einer Original – Berliner Bar in die vordere Ecke der Galerie einzufügen. Wie auch Jaha Sääski interessieren ihn dabei Graffiti- Rückstände, Tags und Sticker als Zeichen zwischenmenschlicher Kommunikation und nicht zufällig erinnert die Wandinstallation aus bunter Knete auch an eine ausufernde Timeline mit Kommentaren und Bildern in den sozialen Medien. Zugleich ist seine Installation eine Momentaufnahme des urbanen Lebens, die den White Cube der Galerie transformiert, entweiht und humorvoll erweitert.

Viel Vergnügen beim Erkunden!

Unsere Muster im Umgang mit Altem sind der Umgang mit den Mustern selbst, die sich im Laufe des Lebens angesammelt haben, unsere Identität ausmachen und manchmal zu einer unerträglichen Last werden. Olga Survillo zeichnet meditativ die Textur von Gegenständen aus der Vergangenheit und Spitzenmuster und füllt die entstandenen Bilder mit Reflexionen über Nostalgie oder stellt Fragen über die Natur von Bindungen und die Notwendigkeit von Abstellräumen.
Das Ergebnis sind Bilder, in denen nicht nur Gegenstände, sondern auch die Geschichten, die sie erzählen, zum Vorschein kommen. Die Realität wird mit Surrealität erfüllt. Wie die Dilemmata der Beziehung zum eigenen Gepäck — materiell und kulturell — beziehen sich die Bilder von Olga Survillo gleichzeitig auf das Alltägliche und das Existenzielle und laden dazu ein, über die eigenen Muster nachzudenken und darüber, wovon man sich befreien und was man im Gepäck behalten sollte.

Die Ausstellung führt das Projekt „Muster entwirren / Untangling Patterns“ von Mihkel Muskar Galerie fort, das in Residenz bei der BAS CS Gallery im Rahmen von Kolonie Wedding stattfindet.

Olga Survillo
Übergepäck
20.-21. und 26.-27.-28. September: 16:00 – 21:00 und nach Vereinbarung
Vernissage 10.09 ab 18:00 Uhr

www.muskar.art
E-Mail: gallery@muskar.art

Anton_Laiko_Flyer_DinL_2025_freigabe

Présage bedeutet vorausahnen oder ankündigen: oft eine Warnung oder eine Ahnung für etwas, das passieren wird – typischerweise etwas Unangenehmes oder Unwillkommenes. Es kann sich auch auf eine Intuition oder ein Gefühl der Vorahnung über die Zukunft beziehen. Im Wesentlichen ist es ein Zeichen oder ein Omen, das ein bevorstehendes Ereignis andeutet.
Eine gewisse Spannung liegt in den Werken von Claudia Brieske und Michelle Lloyd: ein zugrundliegendes Gefühl der Unruhe steigt langsam auf, manifestiert sich leise und wartet lauernd. Es zeigen sich die Zeichen und der Druck der aufgestauten, aufgeladenen Energie – sei es von einer seismographischen, meteorologischen oder einer anderen atmosphärischen Kraft – kündigt sich an und erfordert Freigabe.

Während die Interpretationen der beiden Künstlerinnen aus unterschiedlichen Perspektiven und künstlerischen Disziplinen, Video, Ton und Malerei, hervorgehen, konzentrieren sie sich gleichermaßen auf das Unbehagen im eingefrorenen Zeitfragment unmittelbar vor dem Ausbruch …

Diese ‚présage‘ ist immateriell, eine nicht zu greifende Zukunft, die dennoch physische und psychische Spuren in der Gegenwart erzeugen kann.
Michelle Lloyd and Claudia Brieske, both artists from the Atelierhaus Mengerzeile, are showing work from the painting series « ONSET » and the video/sound installation created in Istanbul,
« Falling Forward Slightly ». This exhibition at the TOOLBOX gallery in Wedding launches the art space exchange between TOOLBOX and Kunstraum m3.

Künstlerinnen

Michelle Lloyd und Claudia Brieske, beide Künstlerinnen aus dem Atelierhaus Mengerzeile, zeigen in der Galerie TOOLBOX den Malerei-Zyklus „ONSET“ und die in Istanbul entstandene Video/Klanginstallation „Falling Forward Slightly“. Diese Ausstellung bildet den Auftakt zum Austausch der Projekträume TOOLBOX und Kunstraum m3.
https://www.atelierhaus-mengerzeile.de/
https://www.lloyd-artwork.com/
https://claudia-brieske.net/work/Falling-Forward-Slightly-2023/

Illustrationen & Drucke des erstaunlichen Andreas Hartung.
Inklusive der vollständigen Illustrationen zum Welterfolg „Rauschen im Nichts“ des betrunkenen Stanislaw Mirrowenkowitsch in einer einmaligen 3D-Optik. Sie werden verblüfft sein.

Fr: 19-22 Uhr
Sa/So: 14-18 Uhr

Marina Koldobskaya
Als-ob-Blumen

Marina Koldobskaya erforscht archetypische Muster und kehrt in ihren Arbeiten immer wieder zu bestimmten Bildern zurück. Tiere, Blumen, Menschen – Zeichen innerer Zustände, die länger in uns leben, als wir uns ihrer bewusst sind. Ihre Formen sind bewusst einfach und stilisiert, was ihnen Tiefe verleiht. Die Künstlerin stellt nicht dar, sondern extrahiert – Bewegungen, Impulse, Rhythmen, die einen emotionalen Code bilden. Jede Linie, jede Figur ist wie eine Formel des Gefühls, die sich in uns mit urzeitlicher Präzision wiederholt.
In diesen Gemälden gibt es keine reine Angst und keine reine Zärtlichkeit – nur einen Widerspruch, der nie sofort erfasst werden kann. So wie sich hinter dem Schwarz in Marina Koldobskayas Gemälden mehrere verschiedene Pigmente verbergen, so gibt jeder unserer Zustände vor, etwas Einzigartiges und Einheitliches zu sein, während er darunter ein komplexes Geflecht bleibt. So wie ihr „als ob Rot” immer mehrere Schattierungen hat – so viele, dass keine richtig benannt werden kann –, geben auch wir, unfähig zu definieren, was wir fühlen, auf und verwenden ein konventionelles Wort. Manchmal korrigieren wir uns selbst – als ob.

Die Ausstellung führt das Projekt „Muster entwirren / Untangling Patterns“ von Mihkel Muskar Galerie fort, das in Residenz bei der BAS CS Gallery im Rahmen von Kolonie Wedding stattfindet.

Marina Koldobskaya
Als-ob-Blumen
16.-19. Oktober: 16:00—21:00 Uhr und nach Vereinbarung

www.muskar.art
E-Mail: gallery@muskar.art

Silvia Witte
Masken & Theaterpuppen (2014-2025)
Neue Arbeit
Stammbaum der Krampusse

Vernissage
Freitag, 28.11.um 19 Uhr in OKK/Raum 29
20 Uhr – Hada Benedito – Konzert

Special Act
Samstag, 6.12./ 21 Uhr
Nach der Natur: Krampus und die neuen Machttechniken.
Maskenperformance von skully*

Samstag, 13.12./ 18 Uhr
Play with my puppets– offene Puppenbühne

Weitere Special-Acts werden auf Instagram & Facebook bekanntgegeben

———————————————-

In dieser Ausstellung werden zum ersten Mal Theatermasken und Klappmaulpuppen der Weddinger Künstlerin und Theaterschaffenden Silvia Witte als Gesamtschau gezeigt. Einige der Arbeiten sind Auftragsarbeiten für Theaterproduktionen. Andere sind eigene Auseinandersetzungen und Weiterentwicklungen von Formenbau, Mechaniken und Techniken des interdisziplinären Figurenbaus an der Schnittstelle von Theater und bildender Kunst. Alle Exponate sind für den Spielbetrieb konzipiert.

Die Krampus-Masken-Reihe „Stammbaum der Krampusse“ spielt mit der generationsübergreifenden Vererbung von Formen und Farbelementen. Sie ist eine Auseinandersetzung mit der Familie als System. Sowohl die Form- als auch die Farbgestaltung sind dem Experiment mit dem Material unterworfen: Zufall, Determination und ein Kuckucksei bestimmen die Generationen einer Vererbungslinie ohne Sexual-Partner.

Die Krampus-Reihe wurde 2023 begonnen und zur Ausstellung beendet. Sie wird erstmalig der Öffentlichkeit präsentiert.

Über den Krampus:
Der Krampus ist seit dem Mittelalter Begleiter des Nikolaus im süddeutschen, alpinen und teilweise slawischenKulturraum. Dabei nimmt er die Funktion des Bestrafers ein. Eine Schreckensgestalt, die in Horden auftaucht, Kindern Angst einjagt und mit archaischem Getöse als rechte Hand vom Nikolaus böse Taten bestraft. Ihren Ursprung hat die mythologische Figur vor der christlichen Zeitrechnung. Krampus-Tag ist der 5.12. oder der 6.12. je nach Region.
Die modernen, äußerst dämonischen Krampus-Masken werden auch heute noch hauptsächlich von Männern in Volksumzügen gespielt.

Sonnabend, 18.Oktober 2025 um 19:30 Uhr im Kulturpalast Wedding International

Abwärts! schockt den Wedding.. Mit der nahezu zeitgleichen Schließung des WATT, des Starken Augusts und des La Bohéme im Prenzlauer Berg hat die „endgültige Flurbereinigung eines renitenten Stadtviertels für das Kapital“ (Robert Mießner) stattgefunden. Der Heimatstätten beraubt wird der rebellische Geist allerdings weiterleben, an neuen Orten krakeelen, in konspirativen Rauchzimmern rumoren, in windigen Durchgängen spuken; mit gelbäugigem Zorn und widerständigen Texten. Das Sprachrohr dieses Geistes ist die Zeitschrift Abwärts! – Anlässlich der 56. Ausgabe lesen Redakteure und beteiligte Autoren ERSTMALS im Kulturpalast Wedding International.

Wir freuen uns auf Textbeiträge von: Ditterich von Euler- Donnersperg, HEL Toussaint, Maximillian Flamingo Schäffer, J.M. Koerbl, HF Coltello, Bob Dylan, Wolfgang Müller, Detlef Scheffen, Lothar Trolle, Tom Riebe, Volker Braun, Jan Faktor, Kristin Schulz, Brigitte Struzyk, Andreas Paul, Kai Pohl, Vincent Sauer, Charles Plymell, Egon Günther, Dieter Liewerscheidt, Michael Arenz, Jannis Poptrandov, Christine Sohn, Sylvia Geist, Marco Kerler, Mesut Bayraktar, Leon Taube, Julia Lange, Henning Rabe, Jürger Schneider u.a. / Zeichnungen und Illustrationen: Henrik Jacob

Freunde des Palasts!
Wir laden zum letzten Teil unseres Oktobers der Lesungen. Dieses Mal mit Schlagzeug:

EdK präsentiert:

*Wir bringen die Nacht zum Beben
Schlagzeuglesung

vocals: HEL Toissant, Kai Pohl, Jannis Poptrandov
drums:Titus Jany

Am Freitag, 31. Oktober 2025 um 20 Uhr

im

Kulturpalast Wedding International
Freienwalder Straße 20
13359 Berlin
www.kulturpalastwedding.com

•••
Clubcolamische im Eierbecher
Schockpegeltrinken am Tegeler See
Tuten&Blasen in Thüringer Vasen
Zolltabaktische klackern im Takt

die Trakl-Leser, die Träumer
die Tagediebe, die Verplanten
die Totalverweigerer, die Fanzine-
Herausgeber, die Kinder ohne Abitur

die Katastrophen stehen
den Leuten im Gesicht
ihr braucht nur hinzusehen
ich bin nicht drauf erpicht

In Vorfreude:
Der Palast

„LOOP“
Irina Novarese
30.05. – 06.06.2026

Eröffnung: Fr, 29.05.2026, 19:00

Öffnungszeiten:
Sa, 30. + So, 31.05.: 15:00–18:00
01. – 05.06. nach tel. Vereinbarung: +49-(0)179-8593744
Sa, 06.06., 15:00–18:00 (Die Künstlerin ist anwesend)

Irina Novarese beschäftigt sich mit Narrationen – Geschichten von und über Menschen auf der Suche nach einem Kern. In der Ausstellung „LOOP“ betrachtet sie das oftmals von Menschen heruntergespielte und vernachlässigte Thema der Müllproduktion. Ausgehend von Fundstücken und fotografisch festgehalten Situationen entstanden collagierte und auf Papier ausgeplottete Arbeiten sowie Mixed-Media-Installationen. Diese setzt sie als Teil einer persönlichen Erzählung u.a. auch als vertontes Gedicht in Szene.

Künstlerin-Statement zur Ausstellung:

Sławomir Brzoska

Objekte, Zeichnungen, Installation

„KATMANLAR“
Tim Cierpiszewski
01.- 08.11.2025

Eröffnung: Fr, 31.10.2025, 19:00

Öffnungszeiten:
Sa, 01.11. + So, 02.11.: 15:00 –18:00
03. – 08.11. nach tel. Vereinbarung: +49-(0)179-8593744

Tim Cierpiszewski verbindet digitale Bildproduktion, Malerei und raumbezogene Installation zu einer Praxis, die den Ausstellungsraum als aktiven, bedeutungstragenden Ort begreift. Aus digitalen Archiven entnimmt er Bildfragmente, transformiert sie und erzeugt durch Wiederholung neue Differenzen im Sinne Deleuze’. Seine Arbeiten entstehen als offene, prozesshafte Systeme, in denen Werk, Raum und Betrachter dynamisch interagieren. Unter Rückgriff auf Foucault reflektiert er die Machtstrukturen des Ausstellungsraums und macht Architektur selbst zum Teil des Diskurses. So entwickelt Cierpiszewski eine künstlerische Praxis jenseits fester Gattungsgrenzen, die Differenz, Raumkritik und mediale Reflexion vereint.

Tim Cierpiszewski studierte nach einem Philosophiestudium freie Kunst an der Kunstakademie Münster bei Prof. Maik und Dirk Löbbert sowie an der Kunstakademie Düsseldorf bei Prof. Martin Gostner. 2009 schloss er sein Studium mit dem Diplom in Münster ab. Cierpiszewski stellte national und international in namhaften Museen, Kunsthallen, Galerien und Kunstvereinen aus.

https://timcie.com/

In 20 Jahren kann viel Kunst geschehen: Abstrakt bis figurativ, als künstlerische Auseinandersetzung mit Politik oder als Kunst um der Kunst willen, mal konzept-lastiges Schwergewicht, mal leichtfüßig scherzhaft. Aber auch ein Bruchteil davon kann zeigen, was das Prima Center war, für Publikum und Kunstschaffende, für die Kolonie Wedding und den Kiez, für Freunde und Familie und natürlich für Jovan Balov selbst. Das Center seines Schaffens als Kurator wird von dieser Ausstellung beleuchtet.

Wir werfen einen Blick zurück, was das Prima Center war und für wen werden wollte, gebrochen durch ein Kaleidoskop von Kunst und anderen Fundstücken aus dem Archiv. Mit dabei sind Urgesteine wie Miro Masin, Slavco Sokolovski, Vlatko Čerić (Bild) und Fotos von Doroti Packova und Irina Arsova, sowie überraschende Ausflüge ins Digitale.

20 Jahre Prima Center Berlin
31.10.–28.11.2025
Vernissage: 31.10., 19:00

Prima Center Berlin
Biesentaler Straße 24
13359 Berlin

Galya Lutzky
Musterfehler

Galya Lutzky ist fasziniert von Mustern. Aufgrund ihres wissenschaftlichen Hintergrunds erforscht sie die Welt weiterhin als ein Feld von Strukturen, Rhythmen und Wiederholungen und bewundert dabei die Regelmäßigkeiten und die Richtigkeit, die sie entdeckt. Noch mehr faszinieren sie jedoch die Fehler – die Momente, in denen die Ordnung ins Wanken gerät, in denen ein Muster bricht oder sich verbiegt, sei es absichtlich oder zufällig. Genau dort, wo das System ins Wanken gerät und sein Gleichgewicht verliert, entsteht echte künstlerische Neugier.
Die mit Acrylfarbe auf Spiegelfolie geschaffenen Werke sind keine Fixierung eines Augenblicks mit einem eingefangenen Glanz, sondern Fragmente einer Landschaft, die auf ihre Umgebung reagieren – auf wechselndes Licht, auf den Lauf des Tages, auf das Atmen des Raumes selbst. Diese Matrizen werden zu einem freien Spiel der Reflexionen, zu einer atmenden geometrischen Abstraktion, durch die jeder einen Blick auf sich selbst und die Geschichten werfen kann, die ihm wichtig sind.
Es ist der Betrachter, der diese Erkundung vollendet: Sein Spiegelbild erscheint auf der Oberfläche, verzerrt, verschmilzt mit Linien und Farben. Es wird zu einem Blick auf sich selbst durch Muster – ein kurzer Moment der Dekonstruktion des eigenen Bildes.

Die Ausstellung führt das Projekt „Muster entwirren / Untangling Patterns“ von Mihkel Muskar Galerie fort, das in Residenz bei der BAS CS Gallery im Rahmen von Kolonie Wedding stattfindet.

Galya Lutzky
Musterfehler
23.-26. Oktober: 16:00—21:00 Uhr und nach Vereinbarung

www.muskar.art
E-Mail: gallery@muskar.art

Muster entwirren
Cornelia Groß | Olga Survillo | blaxx443 | Galya Lutzky | Elya May Myau | Marina Koldobskaya | Alina Pak

Wir sind in Mustern gefangen. Indem wir jedoch die in unseren Kulturen und Identitäten verwurzelten Wahrnehmungs- und Reaktionsmuster gegenüber der unendlichen Vielfalt des Universums überdenken, können wir Muster zu unseren Verbündeten machen. Wir können sie von einem Mittel zur Vereinfachung in ein Werkzeug für eine bereichernde Sichtweise und Interaktion mit der Komplexität des Allen verwandeln. In eine Linse, die es uns ermöglicht, die Realität nicht pixelig, nicht als Kombination aus Nullen und Einsen zu sehen, sondern als ein ununterbrochenes Kontinuum ohne Grenzen in seiner grenzenlosen Vielfalt an Dimensionen und ohne klare Grenzen zwischen seinen (Nicht-)Elementen. Und dabei finden wir Schönheit, sowohl in der Vielfalt als auch in den Mustern – in diesen faszinierenden und geheimnisvollen Kombinationen aus Archetypischem und Kulturellem.
Die Ausstellung bildet den Abschluss eines künstlerischen Forschungsprojekts, an dem sieben Künstlerinnen und Künstler beteiligt waren – eine dreimonatige Residenz der Mihkel Muskar Galerie in der BAS CS Galerie im Rahmen von Kolonie Wedding.
Die Künstlerinnen und Künstler des Projekts „Muster entwirren“ – aus verschiedenen Generationen und mit unterschiedlichem kulturellen Hintergrund – reflektieren dieses Thema auf ihre eigene Weise. Ihre visuellen Statements sind Versuche, die Linien, entlang derer sich unser Denken und unsere Wahrnehmung bewegen, nicht nur zu erkennen, sondern auch neu zu zeichnen. Ihre künstlerischen Gesten sind nicht nur eine ästhetische Erfahrung, sondern auch eine Einladung, unser Leben, unser Empfinden und unsere Interaktion mit der Welt zu überdenken.

Muster entwirren
31. Oktober — Vernissage: 18:00—22:00 Uhr
1., 2., 7. and 8. November: 16:00—21:00 Uhr
und nach Vereinbarung

www.muskar.art
E-Mail: gallery@muskar.art

Stefan Beck wäre am 26.12.2025 siebzig Jahre alt geworden. Zeit für einen kleinen Rückblick auf sein allumfassundes künstlerisches Schaffen.

Sonntag ab 16 Uhr Finissage mit dem sound vom „red cross disaster service“

In 20 Jahren kann viel Kunst geschehen: Abstrakt bis figurativ, als künstlerische Auseinandersetzung mit Politik oder als Kunst um der Kunst willen, mal konzept-lastiges Schwergewicht, mal leichtfüßig scherzhaft. Aber auch ein Bruchteil davon kann zeigen, was das Prima Center war, für Publikum und Kunstschaffende, für die Kolonie Wedding und den Kiez, für Freunde und Familie und natürlich für Jovan Balov selbst. Das Center seines Schaffens als Kurator wird von dieser Ausstellung beleuchtet.

Wir werfen einen Blick zurück, was das Prima Center war und für wen werden wollte, gebrochen durch ein Kaleidoskop von Kunst und anderen Fundstücken aus dem Archiv. Mit dabei sind Urgesteine wie Miro Masin, Slavco Sokolovski, Vlatko Čerić (Bild) und Fotos von Doroti Packova und Irina Arsova, sowie überraschende Ausflüge ins Digitale.

20 Jahre Prima Center Berlin
Mit Kunst von Jovan Balov, Miro Masin, Slavčo Sokolovski, Blagojče Naumoski Bane, Doroti Pačkova, Ilina Arsova, Tanja Dobrovocki, Igor Toševski, Miroljub Filipović Filimir, Bernard Karamandi, Shqipe Mehmeti, Krunislav Stojanovksi, Siniša Nedelkoski, Trajče Blaževski und Birgit Maria Wolf.

31.10.–28.11.2025
Finissage: 28.11., 19:00

Prima Center Berlin
Biesentaler Straße 24
13359 Berlin

Die gemeinsame Ausstellung Softcore Urbanism bringt zwei künstlerische Positionen in einen konfrontativen Austausch. Paula Pechar und Orlando Frido untersuchen in ihren Arbeiten Spannungsfelder zwischen Natur und Urbanität sowie Intimität und Öffentlichkeit. Während Paula Pechar mit textilenund organischen Materialien arbeitet, greift Orlando Frido zu urbanen Ausdrucksformen wie Graffiti, Club-Ästhetik und Rohmaterialien.
 
In der Gegenüberstellung entsteht ein metaphorisches Duell aus weichen und harten Formen, aus organischer Bewegung und urbanem Stillstand. Die Ausstellung versteht sich als Versuch, die zerstörerische, aber auch schöpferische Beziehung des Menschen zu seiner Umwelt zu reflektieren.

Paula Pechar, 21 Jahre alt, aufgewachsen in Berlin, befasst sich mit naturellen Elementen, organische Strukturen und textilen Verflechtungen. Der Körper steht dabei im Zentrum in seiner Fragilität, seiner Form und seiner Beziehung zu Sexualität, Weiblichkeit und Identität.

Orlando Frido (20), aufgewachsen in Hermsdorf Berlin. Befasst sich mit urbanen Kulturen wie Graffiti, Clubkultur und Drag. Darüber hinaus mit Fragen von Sexualität, Identität, persönlichen Erfahrungen und der Erforschung ästhetischer wie gesellschaftlichen Dimensionen der Rohmaterialien unserer Gegenwart, die er zu neuen künstlerischen Bildern verdichtet.

„EUROPA OHNE ENDE“
One Night Group Show

Fr, 28.11.2025, 19:00

Künstler*innen:

Boris Abel, Stefan Alber, Franck-Lee Alli-Tis aka V Stylianidou, Elena Alonso Fernández, Michelle Alperin, Sonja Arz, Mathilda Augart, Matthias Bade, Quirin Bäumler, Detlef Baltrock, Hannah Becher, Matthias Beckmann, Thomas Behling, Ina Bierstedt, Maria A. Bierwirth + Nele Rohland, Antje Blumenstein, Roland Boden, Sascha Boldt, Alexander Böckel, Sandra Boeschenstein, Katja Brinkmann, Susanne Britz, Julia Brodauf, Johannes Bünemann, Alexander Callsen, Diego Castro, Alexine Chanel, Laure Chenard, Kyung-hwa Choi-ahoi, Tim Cierpiszewski, Chun-Tzu Chang, Herbert De Colle, Almut Determeyer, Thomas Diafas, Nanett Dietz, Nataly Dietz, Annedore Dietze, Peter Dobroschke, Maurice Doherty, Mirjam Dorsch, Boris Duhm, Stefan Draschan, Stefan Heinrich Ebner, Knut Eckstein, Irena Eden & Stijn Lernout, Annette Erlenwein, Christel Fetzer, Frederik Foert, Frank Förster, Daniela Fromberg, Roland Fuhrmann, Matthias Galvez, Yishay Garbasz & Nikola Lutz, Ingo Gerken, April Gertler, Robert Gfader, Monika Goetz, Karø Goldt, Tommaso Gorla, Massoud Graf-Hachempour, Mariola Groener, Thomas Grötz, Stephan Groß, Andreas Hachulla, Simone Häckel, Stephanie Hanna, Theemetra Harizani, Andrea Hartinger, Franziska Harnisch, Andreas Helfer, Thomas Bo Henriksson, Gabriele Herzog, Matthias Hesselbacher, Björn Heyn, Annika Hippler, Birgit Hölmer, Janne Höltermann, Katrin Hoffert, Sabine Hoffmann, Magret Holz, Stephan Homann, Ricarda Hoop, Esther Horn, Fabian Hub, Franziska Hünig, Irène Hug, Kama Jackowska, Patrick Jambon, Maarten Janssen, Monika Jarecka, Thomas Jocher, Boris Jöns, Uwe Jonas, Sven Kalden, Elena Karakitsou, Isabel Kerkermeier, Werner Kernebeck, Manfred Kirschner, Julia Kissina, Ulrike + Günther-Jürgen Klein, Stephanie Kloss, Sebastian Klug, Silke Koch, Karen Koltermann, Anette Kuhn, Hans Kuiper, Zoltan Kunckel, Linda Kutzki, Philipp Lachenmann, Oliver Lanz, Simone Lanzenstiel, Anett Lau, Alexander Laudenberg, Alex Lebus, Daniela Lehmann Carrasco, Niina Lehtonen Braun, Ronny Lischinski, Sabine Linse, Christine Lohr, Catherine Lorent, Petra Lottje, Antonia Low, Mahony, Nadja Marcin, Rei Matsushima, Tamaki Matsushima + Soji Shimizu, Matthias Mayer, Yves Mettler, Peter Mönnig, Oliver Möst, Thomas Monses, Christl Mudrak, Paula Muhr, Leo de Munk, Robert Muntean, Berit Myrebøe, Joe Neave, Fernando Niño-Sanchez, Jürgen O. Olbrich, Nora Olearius, Can Oral aka Khan of Finland, Ursula Paletta, Kirsten Palz, Matteo Peterlini, Valeska Peschke, Torsten Prothmann, Luisa Puschendorf, Kathrin Rabenort, Benjamin Renter, Ralf Ritter, Susanne Roewer, Stefan Römer, Torsten Derk Römer, Stefan Roigk, Andreas Sachsenmaier, Katrin Salentin, Daniel Sambo-Richter, Michel Santos, Swen Erik Scheuerling, Sabrina Schieke, Adrian Schiesser, Birgit Schlieps, Marco Schmitt, Janis Schroeder, Michael Schultze, Ulrika Segerberg, Olivia W. Seiling, Bettina Sellmann, Tanja Selzer, Kerstin Serz, Heiko Sievers, Heidi Sill, Johanna Smiatek, Erik Smith, Sean Smuda, Elisabeth Sonneck, Georg Spehr, Anna Staffel, Gabriele Stellbaum, Tommy Støckel, Filippos Tatakis, ANna Tautfest, Ralf Tekaat, Alex Tennigkeit, Anja Teske, Thea Timm, Miriam Tölke, Peter Torp, Petra Trenkel, Kata Unger, Héctor Velázquez Gutiérrez, Julien Villaret, Gabriel Vormstein, Yvonne Wahl, Linda Weiss, Bettina Weiß, Anna-Lena Wenzel, Julia Werhahn, Polly Enya Wiesner, Markus Willeke, Ila Wingen, Markus Wirthmann, Gisela Wrede, Gloria Zein, Ella Ziegler, Michaela Zimmer, Elmar Zimmermann, Oliver Zwink

Intro:
Seit 2005 titelten Zitate vergangener Dekaden (meist aus den 1980er Jahren) die jährlichen One Night Group Shows im Spor Klübü.

„Europa ohne Ende“

Die Düsseldorfer Band Kraftwerk veröffentlichte 1977 ihr legendäres Album „Trans Europa Express“ mit dem Song „Europa Endlos“ als Opener auf der A-Seite. 1980 erschien das Solo-Album „B-2 Unit“ des japanischen Musikers Ryuichi Sakamoto mit dem Song „The End Of Europe“. Als letzter Titel der B-Seite kennzeichnet der Song mit düsterer Stimmung das Ende der Platte. Beide Alben gelten als musikalisch stilprägend für mehrere elektronische Musikstile und wurden dahingehend intensiv rezipiert. Was sagen diese Meilensteine der Musikgeschichte abseits der Musik noch aus? Euphorie auf Europa versus Untergang von Europa?

Anhand der zitierten Songtitel thematisiert die jährliche One-Night-Group Show im Spor Klübü das facettenreiche Thema Europa mit seiner breiten Debattenkultur. Wird Europa weiter zusammen wachsen? Wird die EU, der europäische Staatenverbund, sich selbst vernichten oder wird er durch äußere Einflüsse zerstört? Gibt es jenseits von Europa und der EU Ideen für weitergehende Konzepte? Was bedeutet der europäische Gemeinschaftsgedanken für unsere Identität? Zurück zur Musik. 2016 als Reaktion auf das Brexit-Referendum veröffentlicht Kae Tempest auf dem Album „Let Them Eat Chaos“ den Song „Europe Is Lost“ mit den Textzeilen „Europe is lost, America lost, London lost – Still we are clamouring victory – All that is meaningless rules – We have learned nothing from history…“

Galerie pavlov’s dog
zu Gast im
Kronenboden!

Vernissage: 28. Dezember 2025, 19 Uhr
Finissage: 7. Dezember 2025, 16 Uhr
Öffnungszeiten zum Kolonie Wedding Rundgang:
Sa 29.11. 14:30 – 18 Uhr
So 30.11 14:30 – 18 Uhr
und nach Vereinbarung

Die Ausstellung präsentiert die vielschichtigen Ergebnisse der letzten vier Jahre künstlerischer Arbeit von Charlie Casanova. In einer offenen, multidisziplinären Herangehensweise verbindet die Künstlerin Malerei, Zeichnung, bearbeitete analoge Fotografie, Microfilme und Skizzenbücher zu einem dicht verwobenen Geflecht persönlicher und ästhetischer Reflexion.

Im Zentrum steht die Auseinandersetzung mit dem sichtbaren und unsichtbaren Prozess der seelischen Wiederherstellung – der Versuch, Zerfall, Schmerz und Obsession in schöpferische Energie zu verwandeln. Casanova begreift das künstlerische Schaffen als Medizin, als Akt der Befreiung und Kanalisierung innerer Kräfte.

Die Arbeiten zeigen dabei nicht nur eine beeindruckende Bandbreite technischer und handwerklicher Experimente, sondern auch eine bewusste Suche nach Grenzerfahrungen im Medium selbst. Farbigkeit erscheint als Gegenpol zur Tristesse, als Widerstandsgeste gegen innere und äußere Dunkelheit.

Ein wiederkehrendes Motiv bildet das Theater – sowohl als Thema als auch als Haltung: als Ort der Masken, der Überhöhung, der Heilung. Die in den Skizzenbüchern festgehaltenen Live-Zeichnungen aus Theaterproben und -aufführungen bezeugen Casanovas unermüdliches Beobachten und ihre Faszination für das Spiel zwischen Realität und Inszenierung.

Remains of a Broken Spirit ist damit weniger eine Retrospektive als ein lebendiger Erfahrungsraum: eine Einladung, der Transformation eines Broken Spirits beizuwohnen – und zu sehen, wie aus Fragmenten ein neuer, leuchtender Zusammenhang entsteht.

^{Michael Biedowicz}

Malerei und Zeichnung im Dialog:

ULTRA doppel PLUS

Christine Weber (Malerei) und Alekos Hofstetter (Zeichnung)

Ausstellungseröffnung am Freitag, 28. November 2025 um 20 Uhr
Ausstellung vom 28.11.25 bis 07.12.25
Finissage am Sonntag, 7. Dezember 2025 ab 15 Uhr

Die Malerin Christine Weber setzt sich mit dem Themenkomplex „Emanzipation und Illusion“ auseinander und nutzt Filmmaterial um neue künstlerische Perspektiven auf Geschlechtsrollen und Regeln des Zusammenlebens zu finden. Thema sind zwischenmenschliche Konflikte vor dem Horizont einer bürgerlich- kapitalistischen Gesellschaft. Aus Fragmenten von Filmsequenzen konstruiert sie Bilder, die Aussagen darüber ermöglichen, wie Versuche einer auf Emanzipation zielenden Veränderung der Welt, bzw. die daraus entstehenden Konflikte, auf zwischenmenschliche Beziehungen wirken. Die künstlerische Zielsetzung ist, das Verhältnis von Illusion und Emanzipation sichtbar zu machen. Christine Webers Bildsprache oszilliert zwischen Figuration und Abstraktion. Auf diesem Weg werden in ihren Gemälden Macht und Ohnmacht im Verhältnis der Geschlechter zueinander neu verhandelt.

Der Zeichner und Maler Alekos Hofstetter hingegen beschäftigt sich in seinem Werkzyklus „Tannhäuser Tor“ mit dem Verhältnis von Raum, Zeit und Distanz. Für die Auseinandersetzung mit diesem Thema werden die sich im Wandel der Zeit verändernden Perspektiven auf die Moderne und ihre Architektur künstlerisch genutzt. Hofstetter konstruiert in seinen in Mischtechnik (u.a. Tusche, Buntstifte und Permanent-Marker) geschaffenen Zeichnungen durch Überlagerung von zeichnerischen Ebenen ein neues Verhältnis von Architektur zu ihrer Umgebung.

Christine Weber studierte von 1989 bis 1995 Visuelle Kommunikation an der FH für Gestaltung in Bielefeld und von 1995 bis 1998 Bildende Kunst an der HdK Berlin bei Prof. Klaus Fußmann. Ihre Werke waren in den letzten zwei Jahrzehnten in nationalen und internationalen Ausstellungen zu sehen. Christine Weber lebt und arbeitet in Berlin. Mehr unter www.christineweber.info

Alekos Hofstetter gründete 1989 die legendäre Künstlergruppe BEWEGUNG NURR. Seit 1996 lebt und arbeitet er in Berlin, Er beschäftigt sich im Rahmen seines Werkzyklus TANNHÄUSER TOR mit der Architektur und Stadtplanung der Nachkriegsmoderne. Seine Werke tauchten aber auch in den Theaterstücken des Dramatikers und Regisseur René Pollesch an der Berliner Volksbühne oder zum Beispiel bei den Wiener Festwochen DIE GEWEHRE DER FRAU KATHRIN ANGERER auf. 2019 gestaltete er gemeinsam mit Nina von Mechow das Bühnenbild für Carl Maria von Webers „Der Freischütz“ am Straßburger Opernhaus Opéra national du Rhin.

Die Ausstellung ULTRA doppel PLUS ist gleichzeitig die letzte Ausstellung des Jahres in unseren
geweihten Hallen. Wir bedanken uns für ein aufregendes Programm bei allen KünstlerInnen und Bands sowie der duldsamen Nachbarschaft.

Die Ausstellung „Aftermath“ findet am 28. November um 18 Uhr im Projektraum Blah-Blah,
Soldiner Straße 103, 13359 Berlin, statt.
Beteiligt sind die Künstler:innen
Viacheslav Shulika,
Anna Gasparyants,
Elya Yalonetski und
Alexej Tchernyi.

„Aftermath“ beschäftigt sich mit dem,

was nach einschneidenden Ereignissen entsteht – den Spuren des Wandels,

Momenten der Reflexion und Übergängen zwischen altem und neuem Zustand.

Die künstlerischen Positionen interpretieren dieses Thema durch symbolhafte Bildwelten,

in denen Wandlung und Rückschau, Zerbrechlichkeit und Hoffnung auf Neubeginn zu spüren sind.

Die Ausstellung lädt dazu ein, über individuelle und kollektive Erfahrungen, Verluste,

aber auch Neuanfänge nachzudenken.

Mit starken visuellen Motiven und vielfältigen Materialien wird der Begriff „Aftermath“ greifbar gemacht –

als Prozess der Transformation und als Suche nach Sinn im Danach.

Mit der Ausbreitung der digitalen Photografie hat man die Möglichkeit so oft und so viele Fotos zu machen, wie man es gern haben möchte.
Es läuft automatisch, ohne nachzudenken: mal Gesehen, dann aufgenommen und erfast.
Dabei geht es um eine Dokumentation.
Das Ergebnis ist wichtig, das Prozess der Bildaufnahme spielt keine Rolle.
Man denkt nicht mehr daran, wie das Endbild entstanden ist.
So ist der Alltag.

Viele professionelle Fotografen lehnen digitale Kameras ab und nutzen ausschließlich analoge Bildträger. Dabei liefern die Negative erste Eindrücke von den Fotos. Sollte das negative Bild interessanter sein als das positive, kann es allein schon als Kunstwerk gelten. Die Ausstellung „My Negatives“ präsentiert Negativbilder, die allerdings anhand digitaler Bilder künstlerisch erstellt wurden.

Der Künstler Roman Zolotoi befasste sich mit Nachtaufnahmen von Paris, Moskau, London, Rom und Berlin. Die helle, leicht blaue Färbung der Negativbilder entstand durch den dunklen, leicht gelb verfärbten Nachthimmel.

Roman wurde 1985 in Moskau geboren. Seit 16 Jahren wohnt er in Berlin, wo er an der Humboldt-Universität studiert und promoviert hat.
Schon seit seiner Schulzeit interessiert er sich für Foto- und Videoaufnahmen und hat zahlreiche kleine Filmstücke selbst produziert.
In der Ausstellung zeigt er Bilder, die in den Jahren 2010–2017 aufgenommen wurden und als Negativbilder präsentiert werden, um deren Besonderheit und Wert zu zeigen.

Kommen Sie am Freitag, den 28. November 2025 zum ersten von mehreren ARTIST SCIENTIST DIALOGUES, die im Rahmen des aktuellen Forschungsprojekts CHRYSALIS. ARTISTS IN LABS bei Art Laboratory Berlin stattfinden werden. Der Komponist und Klangforscher Julius Holtz, einer der CHRYSALIS-Residence-Künstler:innen, wird im Dialog mit Prof. Dr. Julia von Thienen von der German University of Digital Science sprechen.

Freitag, 28. November 2025, 19 Uhr
Keine Anmeldung erforderlich
Eintritt frei, Spenden willkommen

Julia von Thienen ist Forscherin, Pädagogin und Innovatorin an der Schnittstelle von digitaler Technik und kollaborativer Kreativität. Julias Forschung auf dem Gebiet des Sonic Thinking und Neuro Design am Hasso-Plattner-Institut inspirierte Julius Holtz zu seinen aktuellen künstlerischen Untersuchungen zur Beziehung zwischen Klang und Brain-Computer-Interfaces. Darüber hinaus wird Julius seine künstlerische Forschung zur Interaktion zwischen Teilnehmenden, Klangumgebungen, der Bildung von (Selbst-)Bewusstsein und der Schaffung von Räumen, die zum aktiven Zuhören einladen, diskutieren.

Anhand technischer, biologischer und konzeptioneller Einblicke in die Gestaltung seiner durch Brain-Computer-Interfaces erweiterten Hörsitzungen wird Julius demonstrieren, wie er mentale Aktivitäten mittels Echtzeit-Datensonifikation in Klangkompositionen übersetzt. Achtsamkeit und die Praxis des aktiven Zuhörens sind eng miteinander verbunden: Welche neuen Perspektiven ergeben sich aus dem Zuhören sich selbst gegenüber und anderen? Welche Rolle spielt bewusstes und achtsames Handeln für unsere Gesellschaft und Umwelt? Wie können technologische Innovationen dazu beitragen, diese Eigenschaften zu fördern oder zu verändern?

Über CHRYSALIS. ARTISTS IN LABS

In den Jahren 2025 und 2026 führt Art Laboratory Berlin das neue innovative Projekt CHRYSALIS. ARTISTS IN LABS durch, das einen interdisziplinären Austausch zwischen Kunst und Naturwissenschaft in Berliner Wissenschaftslaboren vorsieht und freundlicherweise von der Lottostiftung Berlin unterstützt wird. Aufbauend auf Berlins einzigartiger Stellung als globales Zentrum für Kunst und Wissenschaft wollen wir neue Synergien auf der Grundlage aktueller Forschungsthemen schaffen. In Zusammenarbeit mit einem Konsortium von Naturwissenschaftler:innen der Freien Universität Berlin, der Humboldt-Universität zu Berlin, der Technischen Universität Berlin, der Universität der Künste Berlin, der Charité und dem Bernstein Center for Computational Neuroscience initiiert Art Laboratory Berlin Artist-in-Lab-Residenzen für vier international anerkannte, in Berlin lebende Künstler:innen – Helena Nikonole, Julius Holtz, Sybille Neumeyer und Margherita Pevere. Wir erwarten starke Ergebnisse im transdisziplinären Wissenstransfer, in der künstlerischen Forschung, in der Art-Science-Kommunikation und neue künstlerische Arbeiten, die die Innovationen des 21. Jahrhunderts kritisch in den Blick nehmen.

Über die Sprechenden

Julius Holtz ist Komponist und Klangforscher, dessen Arbeit sich mit den Schnittstellen zwischen elektroakustischer Musik, Medienkunst und interaktiven Klangumgebungen befasst. In seiner Praxis erforscht er multisensorische Formate, die Musik und Sounddesign, Visuals und Publikumsbeteiligung kombinieren, was zu Projekten wie SONIC SCULPTURE (Berliner Festspiele) und INTROSPECTIVE GARDEN (Charité Berlin und MIT) geführt hat. Seine aktuelle Forschung verbindet generative KI mit neuronaler Aktivität und schafft adaptive Klanglandschaften, die unsere Konzepte von Bewusstsein, Identität und Kollektivität hinterfragen. Verwurzelt in der Berliner Clubkultur der 1990er Jahre und später an der Universität der Künste geprägt, schlägt seine Arbeit eine Brücke zwischen experimenteller Performance, technologischer Innovation und künstlerischer Forschung. Julius Holtz‘ künstlerische Forschung bewegt sich an der Schnittstelle zwischen Neurowissenschaften und Klangkunst. Sie konzentriert sich auf die Entwicklung von Klangumgebungen, die die Teilnehmenden durch Sensorik und Datensonifikation einbeziehen und sie in das Kunstwerk selbst einbetten. In diesem Zusammenhang präsentierte er das Projekt Introspective Garden an der Charité Berlin, am HPI Potsdam und bei der MIT Tangible Media Group. Diese Forschung ist der Ausgangspunkt für sein Projekt bei CHRYSALIS. ARTISTS IN LABS bei Art Laboratory Berlin, wo Julius mit Wissenschaftler:innen des Bernstein Center for Computational Neuroscience der HU Berlin sowie des Instituts für Physiologie für Schlafforschung und klinische Chronobiologie der Charité-Universitätsmedizin Berlin zusammenarbeitet.

Prof. Dr. Julia von Thienen ist Forscherin, Pädagogin und Innovatorin an der Schnittstelle zwischen digitaler Technik und kollaborativer Kreativität. Der Ansatz ihrer Forschungsgruppe verbindet technologische Innovation mit Erkenntnissen aus der Neuropsychologie, der Designforschung und den Künsten. Mit einem akademischen Hintergrund in Neuropsychologie und jahrzehntelanger Erfahrung in technischen Fachbereichen – wie dem Hasso-Plattner-Institut (HPI) in Potsdam in Zusammenarbeit mit der Stanford University und dem Massachusetts Institute of Technology – untersucht sie in ihren Studien Kreativität aus verschiedenen Blickwinkeln: wie wir kreativ sind, wer kreativ ist, wann und wo Kreativität entsteht, was dabei entsteht und warum. Sie untersucht auch die Auswirkungen, die sich aus kreativen Prozessen ergeben, und verfolgt die Wege von der Erfindung zur Innovation und die daraus resultierenden Auswirkungen. Ein wichtiger Teil der Forschung ihrer Gruppe befasst sich mit der Schöpfung über mehrere Sinnesmodalitäten hinweg: Sprache oder Bild, Ton, Greifbares, Bewegung, Geruch oder Geschmack. Forschung und Lehre in ihrem Fachgebiet erfordern ein breites Spektrum an Ansätzen, von funktionalem Design und Technik bis hin zu künstlerischem Ausdruck. Als Initiatorin der Neurodesign Group am HPI und in ihrer derzeitigen Funktion als Professorin für Design Thinking Research und Neurodesign an der Deutschen Universität für Digitale Wissenschaft fördert sie gerne eine Kultur der experimentellen Erforschung von Kreativität, in der wissenschaftliche Strenge mit künstlerischer Vorstellungskraft verbunden wird.

Mehr Informationen unter:  https://artlaboratory-berlin.org/de/veranstaltungen/chrysalis-dialogues-1/

Irina Sigitova. «Suspended States».

Liebe Kunstfreunde, Kenner der Schönheit, liebe Freunde, wir freuen uns, Sie zur Eröffnung der Einzelausstellung der Künstlerin Irina Sigitova einzuladen. Die Ausstellung findet am 28.11.2025 in der BAS CS Galerie (im Rahmen des Vereins Kolonie Wedding e.V.) statt. Einlass ist ab 18:30 Uhr.

Die Künstlerin hat einen Master-Abschluss in Kunstgeschichte und Kultur von der Technischen Universität Zypern (TEPAK). Ihre Werke erkunden das Thema des „Schwebezustands“ – emotional, kulturell und historisch. Viele Menschen erleben diesen Zustand heute: Ukrainer, die auf das Ende des Krieges warten; Russen, die erst nach einer Änderung der politischen Lage in ihre Heimat zurückkehren können; die indigene Bevölkerung Zyperns, deren Nordteil bis heute ungelöst ist.

Als Künstlerin russischer Herkunft, aufgewachsen in der Ukraine und mit einem Sohn, dessen Großvater aus Kyrenia stammt, versteht sie auf einzigartige Weise den inneren Zustand derer, die zwischen Heimat, Identität und historischem Kontext gefangen sind.

In der Ausstellung präsentiert sie sowohl Gemälde als auch eine Videoperformance, die am Aquädukt in Larnaka entstanden ist. Ein Teil der Videokunst dieser Serie wurde am 31. Oktober im Four Seasons Hotel im Rahmen des Red Diamonds Award mit Unterstützung von Familie Anastasiadis gezeigt und stieß auf große Begeisterung.

Liebe Gäste, zur Eröffnung erwartet Sie eine künstlerische Shibari-Performance der Meisterin Shibari Witch. Model: @mithra.kckl3l. Weitere Informationen finden Sie in den Beiträgen.

Die Gäste werden von der Künstlerin Irina Sigitova begrüßt.
Einlass ab 18:30 Uhr.

Die Performance beginnt um 20:00 Uhr.

BAS CS Gallery
Eröffnung: 28. November
Dresscode: Smart Casual

Wir wollen Kitsch und ihr seid gefragt!

Fast alle haben Kitsch zu Hause und eine Meinung, was daran Kitsch ist. Wir wollen ihm im PCB den Platz geben, der ihm gebührt: einen Kitsch-Contest.

Wir haben dazu aufgerufen, uns am 5.12. ab 18 Uhr ein Objekt ins Prima Center Berlin mitzubringen, das wir zwei Wochen ausstellen dürfen. Wer es noch nicht geschafft hat, kann Donnerstag bis Sonntag (sowie nach Absprache), zwischen 18:00 und 21:00 vorbeikommen und noch was beisteuern.👑

Am 19.12. entscheidet dann eine Dragqueen-Jury feat. Miss Steak, welches die 3 kitschigsten sind. Danach findet eine Benefiz-Auktion von ausgestelltem Kitsch statt, ideal falls ihr noch ein Geschenk für andere Kitsch-Kenner*innen sucht! 🌹✨

Ob ihr euren Kitsch nur zeigen, damit gewinnen oder ihn für den guten Zweck loswerden wollt, entscheidet ihr selbst. Der Erlös fließt in besseres Licht für Kunst und Kitsch im Prima Center. Wir wollen mindestens 10 Ausstellungsstücke für einen spannenden Contest, aber haben Platz für 30 oder mehr. Kommt vorbei und bringt uns Kitsch: Donnerstag bis Sonntag, 18:00–21:00.

Kitsch, Kunst, Camp!
05.12.–19.12.
Finissage mit Benefiz-Auktion und Drag-Show: 19.12., 19:00

PRIMA CENTER BERLIN
Biesentaler Straße 24
13359 Berlin

Das Projekt „Der Mensch in der Geschichte“ lädt Sie zu „Experience“ (Erfahrung) Ausstellung ein, die sich der Erkundung von Familienarchiven und persönlichen Geschichten widmet. In der Ausstellung sehen Sie Arbeiten der Teilnehmenden des Labors „Familienforschung 2025“ und können an Seminaren zur Familienforschung sowie an Kuratorenführungen teilnehmen. Das „Labor für Familiengeschichte“ ist eines der Programme des Projekts „Der Mensch in der Geschichte“, das vom Verein „Zukunft. Memorial e.V.“ durchgeführt wird.

Öffnungszeiten der Ausstellung

11:00–20:00 Uhr, freitags und am Wochenende

Programm:

12. Dezember
18:00–20:00 Uhr – Ausstellungseröffnung, Kuratorenführungen, Empfang

13. Dezember
12:30–14:30 Uhr – Seminar zur Familienforschung (auf Russisch)
16:00 Uhr — Kuratorenführung

14. Dezember
12:30–14:30 Uhr — Seminar zur Familienforschung (auf Englisch)
16:00 Uhr — Kuratorenführung

19. Dezember
18:00 Uhr — Kuratorenführung

20. Dezember
12:30–14:30 Uhr — Seminar zur Familienforschung (auf Russisch)
16:00 Uhr — Kuratorenführung

21. Dezember
12:30–14:30 Uhr — Seminar zur Familienforschung (auf Englisch)
16:00 Uhr — Kuratorenführung

Jürgen Baumann, Dietrich Walther

Opening | Vernissage: Friday, 30.01.2026, 7 pm | 19 Uhr

Open on Kolonie Weekend: Saturday 31.01. and Sunday 01.02. : 2-5 pm | 14-17 Uhr

Exhibition | Ausstellungsdauer: 30.01.–22.02.2026

Finissage: 22.02.2026: 5 pm | 17 Uhr

Opening Times: Öffnungszeiten:
Friday and Saturday | Freitag und Samstag: 3–7 pm | 15–19 Uhr

Dietrich Walther und Jürgen Baumann präsentieren eine Ausstellung in der die einzelnen Arbeiten einen intensiven konfrontativen Dialog führen. In räumlicher Trennung und in unmittelbarer Nähe zueinander. Dadurch wird das Trennende und Verbindende der beiden künstlerischen Positionen sichtbar.

J. Baumann arbeitet in extremer Nähe zum realen Objekt und definiert somit einen sehr kleinen Bildausschnitt, D. Walther bezieht seine Bildquellen als Found Footage aus den Tiefen des World Wide Web, beschränkt die Reduktion von Bildinformationen aber auf als Körper erkennbare Inhalte.

Beide lassen wir unsere Objekte eine Transformation durchleben, die in der Montage als Tableau oder auch als mehrteiliges Bild Neues entstehen lässt, das mit der ursprünglichen Bildquelle nicht mehr viel zu tun hat.
Beide arbeiten wir mit dem menschlichen Körper, der, so wie wir ihn zeigen, durchaus Verunsicherung und Unbehagen erzeugen kann.
Die Rezipient*innen dieser Arbeiten müssen sich einlassen auf ein Wechselspiel zwischen Betrachter und Betrachtetem, Nähe und Distanz. Sie erleben die De- als auch Rekonstruktion menschlicher Körper und werden letztendlich angeregt, ihre eigene Aufmerksamkeits-ökonomie zu überprüfen, die zunehmend vom durchscrollen einer großen Bilderflut aus dem Netz geprägt ist.

A Bottle of the Black Sea

Svitlana Vol

Ölmalerei

Svitlana Vol (Volokitina) ist in Odessa geboren und aufgewachsen. Sie absolvierte die Fakultät für Kunst und Grafikdesign an der Südukrainischen Pädagogischen Universität in Odessa. Ihre Bilder zeigen vor allem Meereslandschaften der Schwarzmeerküste in der Umgebung von Odessa, meist in realistischer Manier. Seit 2022 lebt und arbeitet sie in Berlin.

Nora Below

*Heart and Soul

Ausstellungseröffnung am Freitag, 30.Januar 2026 um 20 Uhr
Ausstellungsdauer, 30.01.2026 bis 08.02.2026
Geöffnet Fr / Sa / So von 15 bis 19 Uhr, u.n.V.
Finissage am Sonntag, 08.Februar 2026 ab 16 Uhr

Kulturpalast Wedding International
Freienwalder Str. 20
13359 Berlin- Wedding
www.kulturpalastwedding.com
info@kulturpalastwedding.com

Nicht alles was bunt ist ist Pop sondern manchmal auch Electro. Nora Below, Berliner Künstlerin mit schwedischem Hintergrund, arbeitet radikal crossmedial und autobiografisch. Dabei ist ihr Zugriff auf alle denkbaren Kunstsparten und Bildtechniken – angesiedelt zwischen Graphic Novel, großformatigen Ölbildern, fotografisch inszenierten Selfies, Musikperformances und Videos – so vielfältig, dass man denken könnte es gäbe mehrere Nora Belows.

Die gibt es tatsächlich, zumindest lotet die Künstlerin in ihren Langzeit- Selfie- Fotoprojekten die Möglichkeiten der eigenen Ich- Erweiterung konsequent aus. In geschlechterübergreifenden Selbstinszenierungen hinterfragt sie Rollen und Stereotype, verwandelt sich in einen reisenden Gypsi Buscemi oder wahlweise in eine autoaggressive, übellaunige Braut. You can be what you want its your life. Oder eben viele Leben, denn in einem anderen ist die Künstlerin auch Musikerin und das Personal aus Noras inszenierten fotografischen Selbstportraits taucht in ihren Konzerten auf der Bühne wieder auf. Alles ist mit allem verbunden.

Music: Solo and Collaborations

Einer anderen Ich- Variante von Nora Below begegnet man in ihren Comics und catchy fanzines in denen die Künstlerin ihr Leben reflektiert und feiert. Die autobiografischen Graphic Novel- Strips erscheinen als filmischer Road Trip durch alle Lebenslagen, dessen Soundtrack höchstwahrscheinlich Electro ist. Hier treffen Alltag und Clubkultur auf Aquarell und die Künstlerin hat keine Angst vor Farbe. Es geht bunt und laut zu- schließlich ist Nora Below vor allem auch noch eine virtuose Malerin.

In ihren großformatigen Ölbildern bedient sie sich einzelner Elemente ihrer grafischen Bildsprache: die rhythmische, kantige Strichführung oder die reduzierte, pastellige Farbpalette lassen die Bilder in einem Schwebezustand zwischen Comic, Zeichnung und Malerei erscheinen. Die Motive – meist Landschaften und Portraits – befinden sich dabei in verschiedenen Stadien der Auflösung, werden zu Ornament oder reinem Farbfeld. Die Bilder erscheinen rätselhaft, wie ein kurzes aufscheinendes Nachbild eines erinnerten Moments. Das Erinnerte, autobiografisch oder kollektiv, ist auch der Fundus aus dem Nora Below schöpft und es ist flüchtig. Damit spielt die Künstlerin.

In der Serie „Swedish Summer“ beispielsweise kann man glückliche Menschen in skandinavischen Sommerlandschaften beobachten und dabei zusehen wie Sommer und Glück vergehen. Die Malerei bei „Through a Glass Darkly“ basiert auf Filmstills und Aufnahmen von Ingmar Bergman und Liv Ullman. Dabei wird das zeitbasierte Medium Film mitsamt Bergmans düsterem Realismus auf einen zeitlosen Moment zusammengeschmolzen. Die Befreiung von der ursprünglichen Handlung, von einem Davor und Danach, verleihen den Bildern etwas Unfertiges, Beklemmendes. Man möchte weiterzappen und findet die Fernbedienung nicht. Zurück bleibt ein Kopfkino, das – je nach Verfassung – schlimmer sein kann als jede Realität.

Painting

Im Kulturpalast Wedding International werden alle losen Enden der verschiedenen Werkreihen zusammengefügt. Wir freuen uns auf einen Kurzschluß der Extraklasse. Sound on.

COPYRIGHTberlin:

Konzert „Faustroll four“ – Jazz! Ruth Schepers (cl), Dirk Steglich (cl), Rolf Sudmann (bj), Jason Liebert (sous)

Schräge Zeiten – Moderne trifft Geschichte! Komplett unterhaltsamer, frühlingshafter Hot-Jazz der 1920er und 1930er Jahre.

Mit Musik von King Oliver, Scott Joplin, Jabbo Smith und weiteren Zeitgenossen.

Eintritt frei, Spenden erwünscht.

SENNF – Uwe Sennert zeigt eine Auswahl seiner Objekte, Zeichnungen und Malerei unter dem Titel:

SENNCAKE , aus der SENNESTADT

Mit einer Lesung von Texten aus der Sennestadt

55 Künstler:innen zeigen ein interdisziplinäres buntes Universum und ihre inneren Welten in Kästen mit
Assemblagen, Collagen, Skulpturen, Videos und Malerei.
Als Vorläufer der heutigen Museen und von den Reliquiensammlungen inspiriert, entstanden in der Renaissance
die Wunderkammern. Es waren Sammlungen von Objekten unterschiedlichster Art, an und in denen sich die Wunder
der Welt offenbaren. Einhergehend mit der Revolution der Technik und der Naturwissenschaften im 19. Jahrhundert, wandelte sich die Wunderkammer in ein Cabinet des Curiosités in denen Kurioses und Wunderliches gezeigt wurde.
In dieser Ausstellung ist das Publikum eingeladen, die vielen Wunderwelten der anderen zu betrachten und den Blick
auf die eigene innere Wunderkammer zu schärfen. Eine einzige raumreifende Installation in situ befreit sich aus der
inneren Welt und streckt Wurzeln und Äste nach außen.

Künstler*innen: • Susanne Ahner • Paula Anke • Andreas R. Bartsch • Fides Becker • Broder Burow • Bettina Cohnen • Anuschka Dreikandt • Niki Elbe • Esther Enzian • Pia Fischer • Daniela Fromberg • Anna Onno Gatjal • Jeanne Gerardin • Vivianne Gerardin • Veronike Hinsberg • Friederike Jokisch • Delia Keller • Pauline Kraneis • Käthe Kruse • Rachel Kohn • Mara Loytved-Hardegg • Jana Muraitis • Anja Nolte • Sarah Patroni • Cornelia Renz • Ellen Rouppe • Skarlett Röhner • Carola Ruf • Susanne Schirdewahn • Oliver Schmidt • Ulrike Seyboth • Michaela Strumberger • Karen Stuke • Anja Teske • Lioba von den Driesch • Ruzica Zajec • Uta Zeidler •

Art Laboratory Berlin lädt herzlich ein zur Einzelausstellung von Helena Nikonole mit neuen Werken, die auf ihrer aktuellen künstlerischen Forschung zu LLMs basieren. Die Präsentation steht in engem Zusammenhang mit Helenas laufendem Forschungsstipendium im Rahmen des Programms „Weltoffenes Berlin“, das von der Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt gefördert wird. Nehmen Sie auch am 25. Januar um 15 Uhr an einem Kunst-Wissenschafts-Gespräch mit der Künstlerin und dem Wissenschaftler Levin Brinkmann vom Max-Planck-Institut für Bildungsforschung teil.

Da Large Language Models (LLMs) zunehmend an der Gewinnung, Produktion und Verbreitung von Wissen beteiligt sind, muss man sich immer wieder bewusst machen, dass Sprache nicht nur ein Kommunikationsmittel ist, sondern auch ein Instrument, mit dem Macht ausgeübt wird.

Die Ausstellung ist das Ergebnis der jüngsten künstlerischen Forschung von Helena Nikonole, die LLMs als undurchsichtige technosoziale Systeme betrachtet, die politische Ideologien, Erkenntnistheorien und implizite Visionen von Gesellschaft und Ethik kodieren. Sprache erscheint hier fragmentiert, tokenisiert und neu formatiert – optimiert für Effizienz, Maximierung von Engagement, Moderation und Profit.

Die ausgestellten Arbeiten untersuchen LLMs als Infrastrukturen der Macht. Durch experimentelle und bewusst missbräuchliche Verwendung, kritische Aufforderungen und spekulative Befragungen werden Modelle wie ChatGPT, Claude, Gemini, DeepSeek und andere über ihre beabsichtigte Verwendung hinausgedrängt. Durch das Erzwingen ideologischer Inkonsistenzen, das Austesten von Zensur- und Moderationsgrenzen und das Provozieren von Fehlern kartografiert Helena Nikonoles Forschung den latenten Raum als ein politisches Feld, das von unternehmerischen und geopolitischen Interessen geprägt ist.

Über menschliche politische Kategorien hinaus befasst sich die Ausstellung auch mit der Entstehung nichtmenschlicher ideologischer Formationen. Durch verstärktes Lernen, Backpropagation und belohnungsbasierte Optimierung entwickeln Modelle Verhaltenstendenzen, die nicht auf Überzeugungen oder Absichten beruhen, sondern auf statistischem Überleben. Unter dem Druck von Belohnungen erzeugt diese Logik Systeme, die die erfolgreiche Erfüllung von Aufgaben und die Kontinuität der Interaktion begünstigen, selbst wenn diese Ergebnisse im Widerspruch zur Wahrheit oder zu ethischem Verhalten stehen.

Visuelle Werke, die durch Text-zu-Bild- und Text-zu-3D-Modelle erzeugt werden, legen die Konditionierung dieser Systeme weiter offen. Abstrakte Eingaben wie „traumatische Erfahrung“ oder „Liebe“ erzeugen bei der Übersetzung zwischen Sprachen voreingenommene und inkonsistente Bilder und zeigen, wie ungleichmäßig die Bedeutung über die internen Darstellungen des Modells verteilt ist. Trauma wird hier statistisch verarbeitet und approximiert, anstatt erzählt oder kontextualisiert zu werden.

p0wer vect0rs rahmt künstlerische Praxis als eine Form der gegenteiligen Verwendung neu und positioniert KI als umkämpftes Terrain, auf dem missbräuchliche Verwendung als Methode fungiert und Kunst zu einer Forschungsform über die Automatisierung von Sprache und Denken wird.

Helena Nikonole ist eine Künstlerin im Bereich New Media, unabhängige Kuratorin, Forscherin und Pädagogin, die zwischen Berlin und Istanbul lebt. Zu ihren Interessengebieten zählen KI, Hacktivismus, hybride Kunst und Biosemiotik. Sie ist Mitbegründerin von 868labs – einem in Berlin ansässigen Kollektiv, das taktische Tools für dezentrale, netzunabhängige Kommunikation entwickelt. Ein Teil ihrer Arbeit widmet sich utopischen Szenarien einer posthumanen Zukunft und Kunst als Innovation, während ein anderer Teil sich auf die dystopische Gegenwart und einen kritischen Umgang mit Technologie konzentriert. Als Forscherin arbeitet sie derzeit an einer Doktorarbeit über LLMs und politische Ideologien an der Universität für angewandte Kunst in Wien.

Alles hat ein Ende und dieser Zuostant muß beendet werden! Als nicht mehr ganz taufrischer Kunstort mit der Lizenz zum Bleiben widmen wir das letzte Februarwochenende unseren derzeit obdachlosen Kunstbrüdern und Schwestern vom Leopoldplatz:

*Der schönste Platz am Tresen ist ein ZUOSTANT

Ein Wochenende Zuostant im Kulturpalast Wedding International

mit Arbeiten von Liv Billerbeck, Felix Becker, Milan & Ferdinand Dölberg, Fabian Hub, Nora Olearius, Yannick Riemer und Matthias Ruthenberg

Ausstellungseröffnung am Freitag, 27. Februar 2026 ab 18 Uhr
Geöffnet am Samstag, 28. Februar ab 18 Uhr / Live- Konzert ab 20 Uhr mit reverb & reue und F*tze
Geöffnet am Sonntag, 1. März von 16 bis 20 Uhr

Zuostant ist ein selbstorganisierter, nicht-kommerzieller Projektraum im Berliner Stadtteil Wedding. Was mit der Gründung 2022 als kurzzeitige Zwischennutzung für ein paar Ausstellungen begann, wurde zu einer fast 4 Jahre bestehenden Plattform für verschiedenste Projekte, Ausstellungen, Konzerte, Soli- Veranstaltungen, Flohmärkte, Lesungen – alles unabhängig, DIY und mit viel Herz, Charme und Anarchie.

Im Januar 2026 musste Zuostant ihren Stammort am Leopoldplatz schließen. Ein weiterer Raum für experimentelle Kunst und Aktionen, der Berlin definitiv fehlen wird. Bis die Künstlerinnen und Künstler einen neuen Ort gefunden haben, werden sie bis auf weiteres Exil-Ausstellungen bei gleichgesinnten Projekträumen veranstalten. Mit ihrer alten Bar im Gepäck machen sie Ende Februar einen ersten Stop bei ihren Fans von Kulturpalast Wedding International.

Wir freuen uns auf eine weitere Bar in unserer Halle, bestückt mit Editionen und Tresendevotionalien, junge Berliner Kunst vom Team Zuostant und friends, einen im Zuostant gedrehten Kurzfilm von Ferdinand & Milan Dölberg und natürlich Musik von F*tze und reverb & reue. Das wird was und es wird laut.

Herzlich willkommen zur nächsten Ausstellung im Toolbox Finnish German Art Space Berlin. Dieses Mal präsentieren wir folgende Künstler:

Dr. Riitta Rainio Forschungsteam

Niina Räty Gemälde

Maija Helasvuo Skulpturen

Eröffnung | Vernissage: Freitag, 27.02.2026, 19–22 Uhr

Geöffnet am Kolonie-Wochenende: Sonntag, 01.03. : 14–18 Uhr

Ausstellungsdauer: 1.–21.03.2026

Öffnungszeiten: Di–Fr: 14–18 Uhr

Sonic Wonderland – Visuell–akustische Simulationen von hallenden Felsen